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A volte ritornano...

2010-01-20T21:16:00.002+01:00

Voglio scusarmi per questi quasi sette mesi di silenzio, per quei quattro gatti (che è anche il nome di un locale storico di Barcellona, frequentato da Picasso e da altri intellettuali) che avevano qualche problema mentale ed erano soliti seguirci. Il blog non ha chiuso, il blog non è morto solo che alla fine abbiamo preferito continuare ad occuparci a pieno regime del forum (http://rockedintorni.forumfree.net), piuttosto che aggiornare costantemente questo piccolo luogo-non luogo nel web. In primo luogo (gioco di parole non voluto) perchè il forum vive grazie al dialogo e la semplice lettura dei contenuti è antitetico al nostro concetto di musica, in secondo luogo perchè alla fine gli aggiornamenti a volte non arrivavano puntuali e si rischiava di pubblicare qualcosa giusto per riempire gli spazi vuoti.
Quindi se proprio si vorrà inserire qualche nuova review ed articolo sarà orientato soprattutto verso le comunicazioni, le playlists e le reviews degli artisti italiani emergenti.

Ci si becca sul forum.

Sgabrioz

Kylesa - Static Tensions (2009)

2009-06-04T12:56:00.002+02:00

Anno: 2009

Etichetta: Prosthetic records

Tracklist:

1. Scapegoat
2. Insomnia For Months
3. Said And Done
4. Unknown Awareness
5. Running Red
6. Nature’s Predators
7. Almost Lost
8. Only One
9. Perception
10. To Walk Alone

Line up
* Corey Barhorst - Bass
* Phillip Cope - Guitar, Vocals
* Laura Pleasants - Guitar, Vocals
* Eric Hernandez - Drums
* Carl McGinley - Drums

Ci sono due termini adatti a focalizzare questo disco e quei due termini sono probabilmente "intreccio" e "groove". Il primo riguarda il grande lavoro compiuto dalla band, sia nella fase di scrittura che di registrazione, sugli strumenti e le parti vocali. I semi del rinnovamento erano già presenti in Time Will Fuse its worth, ma apparivano più sporchi e acerbi. Le componenti sludge e metal, infatti, erano sicuramente più notevoli ma si rischiava di offrire una prova che fosse eccessivamente potente a discapito della melodia e della ricerca. In Static Tensions invece c'è una costante ricerca delle nuove soluzioni, dovuta ad un intreccio assolutamente ineccepibile tra gli elementi che erano già un punto di forza nei predecessori ma che ora appaiono calibrati. Confermare la scelte delle due batterie potenzia una sezione ritmica che spazia tra la jam prog e l'efficacia delle parti più incalzanti metal, tra la violenza sludge ed il groove. I riff e le parti di chitarra sono maliziosamente studiate e duettano alla perfezione, così come le due voci - maschile e femminile - ora si contrastano ora si completano. Il secondo elemento caratterizzante è il groove, la ripetività di certi riff o di certe battute rafforza quella maggiore sperimentazione sonora esaltata dall'ottimo lavoro di Laura Pleasant. A tutto questo aggiungete una pulizia che non significa tradimento delle sonorità che li hanno portati fino a questo punto, ma semmai un labor limae che ha portato a levigare un sound in partenza mastodon-melviniano e figlio di sonorità hardcore-sludge. Lo schema delle canzoni non è mai statico, ma in tensione pur presentando dei elementi comuni e che fungono da filo conduttore: questa è la mia personale spiegazione del titolo. Static Tensions è il capolavoro della scuola Kylesa, per ora rimane il punto più alto in tutto, a partire dall'ottimo artwork di John Dyer Baizley (cantante e chitarrista dei concittadini Baroness). Disco capace di accontentare tutti, da chi apprezza i brani più coinvolgenti e veloci (Insomnia for months, scapegoat, almost lost) ad i brani più compassati e complessi (running red, to walk alone, unknown awareness), senza offrire un momento di calo creativo o di sosta. Un disco su cui scommettere in questo 2009.

Sito ufficiale

Kylesa - myspace

Sgabrioz

Kylesa - Time Will Fuse Its Worth (2006)

2009-06-03T15:57:00.001+02:00

Anno: 2006

Etichetta: Prosthetic Records

Line-up:
Corey Barhorst - Bass, Vocals
Phillip Cope - Guitar, Vocals
Laura Pleasants - Guitar, Vocals
Jeff Porter - Drums
Carl McGinley - Drums

Tracklist:

1. Intro
2. What Becomes an End
3. Hollow Severer
4. Where the Horizon Unfolds
5. Between Silence and Sound
6. Intermission
7. Identity Defined
8. Ignor Anger
9. The Warning
10. Outro

Una lunga strada all interno della sofferenza..Ecco come si presenta l' ultima fatica degli statunitensi Kylesa, concitaddini di band come Baroness e Mastodon (nelle vicinanze).
Dopo un album d esordio tanto inaspettato quanto gradito quale To Walk A middle Course, il combo da alla luce un vero gioiellino che si staglia nella nuova scena "progressive". Non sperate però in tecnicismi cari a band come Dream Theater o Fates Warning, la materia è intesa in tutt'altro modo.Due batterie, due chitarre e tre voci...Un album dove l' hardcore, lo sludge, lo stoner e la psichedelia vanno a fondersi per dare vita a un maelstrom sonoro di rara bellezza e intensità...le derive psichedeliche, sono senza dubbio la novità di questo full length, inserite alla perfezione in pezzi come Where The Horizon Unfolds e Between Silence And Sound. Il lavoro della band è ottimo, ogni membro incastra la sua parte alla perfezione, anche la signora Laura Pleasants, che non porta certo la gonnella (nonostante sia davvero ammaliante) non si tira indietro con riff e vocals squillanti.
Un vortice sonico che non lascia prigionieri, che graffia selvaggio come una fiera ferita.
Un muro sonoro massiccio e impossibile da scaflire, si senta il carattere intimidatorio dei riff di Ignoring Anger e The Warning. Un avvertimento appunto. Le vocals coinvolgenti di Hollow Sever, per la quale è stato girato pure un video, il suono dilatato e tribale dei due minuti di Intermission, o i riff che rallentano e pestano come fabbri in Identity Defined. La sperimentazione ha avuto inizio per la band e i nostri in futuro sapranno sicuramente forgiare un sound ancora migliore.Un suono fangoso e pulviscolare tipico di band come Eyehategod, Neurosis, Taint, primi Mastodon.
Da apprezzare in tutta la sua pachidermica portata, lasciandosi trainare dalle sfuriate che sanno ancora di crust e hardcore.
Intrappolati nella loro palude sonora.

Neuros.

Baroness - Red Album (2007)

2009-06-02T18:58:00.002+02:00

Anno: 2007 Etichetta: Relapse Tracklist: Rays on pinion The birthing Isak Wailing wintry wind Cockroack en fleur Wanderlust Aleph Teeth of cogwheel O’ appalachia Grad Hidden track line-up: John Baizley – chitarra e voce Brian Blickle – chitarra Summer Welch – basso Allen Blickle – batteria

La Georgia (negli Usa, non in Europa, nda) si stà lentamente trasformando in una fucina inesauribile di grandissimi combo, amanti delle sonorità pe(n)santi, il cosiddetto heavy me(n)tal, dando i natali prima agli stratosferici Mastodon, poi ai potenti kylesa, ed infine ai creatori del disco oggetto di questa review. Dopo due split più orientati verso uno sludge miscelato con un post-core, le cui radici affondavano nella tradizione già creata da band come Neurosis e Isis, il quartetto di Savannah torna con il suo primo full-lenght: un battesimo del fuoco dove si giocano tutto, trovandosi al bivio tra la gloria e la polvere, tra l’essere un fac-simile iperderivativo o divenire una potenziale realtà, capace di trasformare le premesse in solide fondamenta. Il red album è capace di soddisfare i diversi palati a cui si presenta, grazie alle diverse anime di cui è composto, come un caleidoscopio dalle numerose sfaccettature l’immagine non è mai quella che appare in maniera statica, ma cresce e si evolve ascolto dopo ascolto. La struttura melodica rispetta, nella maggior parte dei casi, un’impostazione di stampo prog, con lunghe dissertazioni sonore che compongono un mosaico le cui tessere, rette da un duetto di chitarre in sincro, rendono dinamico ogni singolo brano. L’atmosfera si sviluppa in maniera ora frenetica, ora riflessiva, ma ciò che sicuramente incuriosisce è il modo in cui la tecnica di ogni singolo componente è capace di elevare il brano a struttura compatta. I muri sonori si ergono su un unico riff portante, al quale si agganciano le singole idee sviluppate, in maniera parallela, da voce, chitarre e sezione ritmica. Merita sicuramente una menzione d’onore la batteria, che è capace di creare tappeti di ritmiche sincopate e di taglio jazzistico, intarsiare mantra sonori sfruttando le proprie conoscenze prog, metal e stoner-psych. E’ questa ricchezza di sonorità e stili che permette al disco di volteggiare, in un valzer irresponsabile, tra le diverse influenze, creando un pot-pourri che rende così difficile la classificazione e l’utilizzo di un’etichetta musicale univoca, che riesca a ingabbiare in un termine tutta l’anima- o meglio le anime - che vivono all’interno del progetto baroness. All’interno del disco trovano spazio anche episodi acustici e strumentali (“cockroac en fleur”), oppure brani più veloci e diretti (teeth of a coaghwheel, O’appalachia) sferzanti di frenetica rabbia e mordente. Dilungarsi sugli elementi che compongono ogni singola traccia sarebbe quantomeno prolisso e superfluo. Basti sapere che si tratta di un’uscita imprescindibile di questo 2007 appena conclusosi, che proietta i baroness in una posizione di tutto rispetto, meritato e guadagnato attraverso jam sofisticate e ben sviluppate, nel panorama mondiale della musica heavy n’ loud. Nel nuovo corso, inaugurato da gentaglia come Kyuss e Neurosis, sicuramente si trovano band capaci di aprire il becco senza risultare soporiferi o la classica minestra già riscaldata.

Sgabrioz

Crime In Choir - Trumpery Metier (2006)

2009-06-02T18:52:00.002+02:00

Anno: 2006

Etichetta: GLS Records

Line up
Kenny Hopper: Rhodes piano
Jesse Reiner: Synthesizers
Jarrett Wrenn: Guitar
Tim Soete: Drums
Matt Waters: Saxophone
Jonathan Skaggs: Bass
Tim Green: Guitar

Tracklist:

Women of Reduction
Complete Upsmanship
Land of Sherry Wine and Spanish Horses
Grande Gallo
High Thin Circus
Measure of a Master
Trumpery Metier
The Hollow Crown
Octopus in the Piano

C’erano una volta gli At the drive-in, amici amiconi che si dilettavano a far rock strepitoso e contaminato, prendendo spunto da quello che capitava, ma riuscendo a rimanere allo stesso tempo eclettici, potenti, straordinari e legati ad uno stile rock più “canonico”. Apparentemente tale frase potrebbe sembrare un’antitesi continua, un’unica contraddizione in termini…un cortocircuito logico, in parole povere. Ma vi sfido ad ascoltarveli, ma credo che tutti voi sappiate chi siano gli ATD-I…

Bene, dal gruppo, dopo il 2001, nacquero i The Mars Volta, gli Sparta ed i Crime in Choir: tre gruppi completamente differenti tra loro. Trumpery metier è il terzo disco dei CIC, ed è il primo pubblicato con la nuova etichetta, la Gold Standard Lab di proprietà di Omar Rodriguez Lopez, amico ed un tempo negli Atd-i insieme a Jarrett Wrenn e Kenny Hopper. Questo lavoro è qualcosa di fenomenale, come non si sentiva da qualche anno: rivelazione e uno dei possibili dischi dell’anno, insieme a Return to cookie mountain dei TV on the Radio: pur essendo un disco completamente strumentale, riesce a non stancare, a non annoiare perdendosi in fraseggi ampollosi e arzigogolati, confusi quanto le indicazioni stradali ottenute dal vecchio arteriosclerotico e sordo incontrato per strada la domenica pomeriggio. Non c’è il desiderio di sviluppare trame onanistiche, pure e semplici costruzioni in cui il fine è impressionare per la “tecnica”. No, qui l’obiettivo è meravigliare, emozionare, stupire, colpire, accattivare, distogliere l’attenzione sul mondo e rivolgerla alla musica, costringendo l’ascoltatore a rimanere a bocca aperta per ogni singolo passaggio, accordo, scambio di battute tra gli strumenti. Non sono bravo nelle classificazioni, perché nei CIC c’è tutto: la batteria che viaggia tra il prog malato dei King Crimson, i Gong ed i Rush ed il math rock dei don Caballero e gli Shura, le vibrazioni sassofonistiche del jazz-core e della fusion, la chitarra malata di Fripp, Hendrix, Hackett nel periodo più cazzuto dei Genesis. C’è indie, c’è psichedelica flkoydiana come se Barrett fosse il direttore artistico di questo gigantesco festival sotto forma di supporto ottico. Volete la sperimentazione elettronica di Mike Oldfield? Ce l’avete. Volete i trip dello space rock hawkwindiano? Ve lo diamo noi! Questo lavoro è una bomba al neutrone pronta ad asportarvi ogni frammento di cattivo gusto per la musica. Dopo aver sentito questo, la vista dei blink vi farà venire l’orticaria, l’indiegay sarà più venefico dell’antrace, inizierete a temere J-Lo e astanti come il mobile in stile rococò di Zio Giovanni Maria teme i tarli.
Non troverete una canzone brutta, tutti suonano perfettamente e senza mancare mai di fantasia.

Sgabrioz

CIC - Myspace

Into My Plastic Bones - Words I Do Not Say (2006)

2009-05-30T16:06:00.002+02:00

Anno: 2006

Ettichetta: autoprodotto

Tracklist:
01 Screwed Finger 5:23
02 A Seagull Stole My Vodka Lemon 2:53
03 Bleeding Beauty 4:48
04 Dichotomy 6:27
05 Oil On Canvas 12:20

Un carillon impazzito, che ripete lo stesso giro cacofonico ma da cui si intravede una certa attitudine alla melodia. Un vinile graffiato, in cui la puntina ricade sempre negli stessi solchi, ripetendo incessantemente una traccia sonora, mentre echi lontani a tratti spaziali, a tratti psichedelici, irrompono in una marasma di sperimentale destrutturazione del suono. Parrebbe un disco di noise, invece è "Oil on canvas", brano di 12 minuti in cui rifuggono le varie sfaccettature del suono, nelle sue dimenzioni più sgraziate, ma che hanno appassionato i veri amanti del rock. La distorsione, il feedback, la ricerca degli effetti da Stockhausen fino a giungere ai lidi più icnandescenti del post-core e del noise. Tuttavia gli Into My Plastic Bones si presentano come brand crossover-sperimentale, sebbene le categorie sono relative e utili solo per avere delle coordinate iniziali. Il sound è complesso, sporco, ruvido e corposo, trio proveniente da Torino che nel 2008 muterà pelle e pubblicherà il suo secondo lavoro (entrambi in download gratuito sul loro sito). Dobbiamo dare un'interpretazione estesa del termine crossover, non limitandoci alla scuola tipica di Primus, Red Hot o Faith No More ma andando a cogliere il concetto da un punto di vista simbolico: lo scavalcare i genere verso la totale volontà di creare qualcosa ben oltre le barriere diarietiche. E qui c'è tutto, pur essendo un disco con pochi brani e strumentali. Impressionante la carica math che trasuda con forti citazioni di due band in particolare, Don Caballero e Irepress. Ma anche hardcore raffinato e bordate che si stagliano tra il progressive ed incedere crossoveristico e noise-jazz-core. Ci verrebbe automatico citare i classici esponenti del genere, ed è indubbio che la mentalità di questi ragazzi sia caratterizzata da un'instacabile desiderio di coniugare una spasmodica ricerca del sound godibile ed orecchiabile ( Bleeding beauty ne è l'esempio più palese), con la scelta di percorsi tortuosi e accattivanti, nella più pura follia sperimentale. Pluralismo sonoro, che alterna fasi più atmosferiche (vicine anche alle nuove correnti post-qualche cosa), ad altre più dure e massicce, che rimandano anche a Melvins, Tool ed Helmet. Un gran bell'ep, una band che potrebbe esplodere e diventar eun punto di riferimento. Naturalmente consiglio di sentirli e di procurarsi anche il nuovo episodio. Ne vedrete delle belle.

IMPB - Myspace

Download gratuito del disco.

Sgabrioz.

Antony And The Johnsons - The Crying Light (2009)

2009-05-28T20:48:00.003+02:00

Anno: 2009

Etichetta: Secretly Canadian

Tracklist:

1. "Her Eyes Are Underneath the Ground" (Antony & Nick Hegarty) – 4:24
2. "Epilepsy Is Dancing" – 2:42
3. "One Dove" (Antony & Barry Reynolds) – 5:34
4. "Kiss My Name" – 2:48
5. "The Crying Light" – 3:18
6. "Another World" – 4:00
7. "Daylight and the Sun" – 6:21
8. "Aeon" – 4:35
9. "Dust and Water" – 2:50
10. "Everglade" – 2:58

Sarebbe ridondante iniziare a riportare tutte le citazioni, di critica e "colleghi", riguardo al progetto Antony And The Johnsons ed il suo leader, Antony Hegarty. Le attestazioni di stima si susseguono con sempre maggiore frequenza, a partire dalla sua comparsa nel mondo della musica agli inizi del XXI secolo. Pupillo di Lou Reed e David Tibert (Current93), il ragazzone inglese classe '71 ormai è acclamato come portavoce ed icona della comunità gay, titolo di cui si presume vada fiero e ne sia soddisfatto. Ma ciò non dev'essere necessariamente sinonimo e sintomo di eccessi iconografici ed "estreme manifestazioni" che potrebbero sfociare nell'irriverenza, seppure esteticamente nobile e dignitosa, del burlesque e della parodia del gay a la Rocky Horror Picture Show. Lo stesso Boy George, a cui Antony ha dedicato una canzone in cui lo appella come sorella maggiore, ha sottolineato la grandezza di questo astro nascente del pop sofisticato ed elegante. Diamanda Galas, per fare un nome a caso, ha elogiato apertamente la voce immensa del trentenne proveniente dal Sussex. Credo che si sentisse veramente la mancanza di un disco di questa potenza lirica, da tempo non capitava di sentire una voce nuova che fosse allo stesso tempo così "classica" e tuttavia capace di cogliere sfumature adeguate ai tempi. Tutto in questo disco è praticamente perfetto, a partire dall'immagine rappresentata sulla cover frontale del disco. Un'istantanea che si divide tra una parvenza di sacralità del teatro giapponese, con un sentimento di decadenza barocca come a significare che il bello è destinato a cedere il passo all'inserobile scorrere del tempo. Ma nel disco c'è molto di più, in primis un approccio che travalica i generi e le situazioni, spingedosi a cantare della società umana. Cogliendola in trasversale ed attraversandola da capo a fondo, si interessa solo di piccoli momenti e aspetti che, seppure secondari, in realtà sono preziosi e significativi. Gli strumenti adottati sono il bel canto e degli arrangiamenti di eccellente spessore, che dipingono impressioni su tele candide. Le doti vocali spaziano dal tenorile al pop anni '80 alla costante ricerca di sfumature e virtuosismi canori, tra il rhtym n' blues di classe e l'eleganza della lirica classica. Senza perdere di vista la melodia ed il songwriting godibile e orecchiabile, The Crying Light offre momenti di travolgente passione ed emotività, pronta a toccarti dentro e travolgerti. Incantevole e seducente, vi troverete piacevolemente "turbati" dalla convinzione e forza con cui Antony canta e descrive momenti di pura teatralità. Uno dei possibili dischi del 2009, ma di cui si sentirà parlare. Sgabrioz

Paolo Nutini - These Streets (2006)

2009-05-27T14:13:00.002+02:00

Anno: 2006

Etichetta: Atlanctic Records

Line-up:
Donny Little - guitars/vocals
Paolo Nutini - vocals/guitars
Seamus Simon - drums
Michael McDaid - bass/keys
Dave Nelson - guitar/vocals/keys/percussion
Gavin Fitzjohn - huffy puffy blowey type things

Tracklist:

Jenny Don't Be Hasty
Last Request
Rewind
Million Faces
These Streeys
New Shoes
White Lies
Loving You
Autumn
Alloway Grove

Il Soul e il Blues, la musica nera. Musica che ha segnato intere generazione di colored americani, riuniti sotto gli stessi ideali di rivalsa sociale, e finalmente identificati attraverso un genere che unisce composizioni di rara espressività, non basate su complesse architetture sonore (come invece capita dall'altra parte dell'Oceano) ma sul semplice uso della voce, unico vero strumento di comunicazione. Il Soul non è solo anni '50, però: si diffonde rapidamente anche in Europa, ed è ancora oggi suonato in locali bui e fumosi, in Gran Bretagna e non solo. E' questo il caso del nostro Paolo Nutini, di chiare origini italiane ma nato in Scozia, da una famiglia non certo ricca e con qualche problema economico. Cresce con il Soul, ed impara presto a suonare la chitarra. Se aggiungiamo il fatto che il ragazzo ha anche una voce da non sottovalutare (è stato accostato a diversi nomi importanti della scena), di qui ad iniziare a scrivere qualche canzone propria, assolutamente senza pretese, il passo è breve. Il fatto è che Paolo è bravo, molto bravo. Non solo: è anche un bel ragazzo, un diciottenne che può fare breccia nel cuore delle teenagers di tutto il mondo; così, gli viene proposto il suo primo contratto discografico, che ovviamente accetta senza pensarci su due volte. Qualche piccolo ritocco da parte del produttore, e il gioco è fatto: ecco nascere These Streets. Da questo momento in poi, la sua vita si divide fra i palchi dei più importanti programmi “musicali” (se si può definire un programma musicale Top Of The Pops) mondiali. La prima cosa che uno potrebbe pensare è: il ragazzo ha davvero delle qualità, o è un altro successo costruito a tavolino? Io propenderei per la prima. Paolo Nutini ha innanzitutto un certo gusto musicale: le canzoni sono tutte molto semplici, ma ci sono delle trovate davvero notevoli (come, ad esempio, il contagioso ritmo groovy di New Shoes); ma, cosa importante, ha una voce stupenda, come non si sentiva da diverso tempo: maschia, strepitosamente sexy, espressiva. Chi lo ha visto live, ha sicuramente potuto apprezzarla in tutta la sua eccezionale bellezza. Il disco è più che piacevole. Certo, niente di nuovo sotto il sole, altrimenti avremmo gridato al miracolo. E' certo che due hits sicure come Jenny Don't Be Hasty e Last Request non possono che raggiungere il successo che meritano, e due lenti come Rewind e Autumn (questo in particolare molto struggente) non possono che entrare con prepotenza negli iPod di tutte le ragazzine europee (e forse anche americane). E' tutto azzeccato alla perfezione, tutto molto piacevole all'ascolto. E non mancano anche pezzi di notevole fattura: la title-track è probabilmente il picco dell'intero album, con la voce di Paolo supportata da una sola chitarra acustica, e New Shoes sembra un invito a ballare, con il suo ritmo estremamente contagioso. Una volta ascoltato tutto il disco è impossibile smettere di canticchiare. Siamo consapevoli di aver ascoltato dell'ottima musica, e di aver scoperto un nuovo talento. Da seguire.

Sito Ufficiale
Myspace
AlphaDj

Daylight Seven Times - Blood Coloured Sky (2006)

2009-05-25T08:45:00.002+02:00

Anno: 2006

Etichetta: Circle Pit

Tracklist:
1. Hard Times
2. Revelation
3. Solaris
4. That Time Is Now
5. Lost
6. Gravity
7. Autumn '99
8. The Myth Of The Cave
9. Endless 10. Lucky

Dati i numerosi apprezzamenti ricevuti dal brano Solaris, presente sulla compilation di Rock&Dintorni, ho deciso di scrivere due righe riguardo a Blood Coloured Skies. Innanzitutto: se cercate il gruppo del secolo capace di rivoluzionare per sempre la musica rock con qualcosa di mai sentito state lontani da questi tre (ora quattro) ragazzacci. Se invece quando vi accingete all'ascolto di un qualsiasi album desiderate trovarvi sincerità, stile e freschezza che sprizza da ogni singola nota, questo è il full-lenght che stavate cercando!
I D7T non propongono nulla di mai sentito: partono da una matrice HC anni 90 (No Use For A Name, NOFX) riattualizzandola incorporando influenze emo (di quelli sani) e alternative rock (Juliana Theory, The Get Up Kids), tirando fuori un suono completamente personale e genuino.
Le capacità tecniche del gruppo sono ottime. Edoardo (voce, chitarra) ha una voce che non può lasciare indifferenti per via dell'espressività ed emotività che la caratterizza, allo stesso modo i suoi riff di chitarra. Sergio scava linee di basso che danno profondità al suono complessivo, ma il vero collante che rende tutto più omogeneo è la batteria di Dario (ex-Sottopressione :yeah: ): sempre varia e che riesce a rendere le canzoni energiche e spigliate. A tutto ciò aggiungiamo dei testi sempre di ottimo livello (cosa per niente scontata a livello italiano) e ci troviamo così di fronte ad un prodotto che non ha nulla da invidiare ai gruppi americani e che potrebbe tranquillamente stare nel catalogo della Vagrant o della Drive Thru.
La prima metà di Blood Coloured Skies si attesta su livelli davvero molto alti. La tripletta d'apertura lascia sbalorditi: Hard Times, Revelation (splendido l'intro di pianoforte) e la conosciuta Solaris sono canzoni di un livello decisamente superiore alla media. Si prosegue con Lost e That Time Is Now che rivelano l'anima più pop del gruppo passando per Gravity (dotata di un testo splendido:and all my fears just fade away as I look in your eyes and they're filled with hope), la traccia più legata all'hardcore, e alla semi-ballad Autumn '99. Ci troviamo poi di fronte a The Myth Of Th Cave dov'è la batteria di Dario a farla da padrone e subito dopo a Endless, brano con una grandissima coda strumentale. Finiamo in bellezza con Lucky che rialza il livello dell'opera a quello della prima parte.
Per concludere posso solo consigliarvi di ascoltare quest'album, perchè i Daylight Seven Times hanno classe da vendere e se avranno la fortuna di trovare gente dispostata a supportarli anche dall'altra parte dell'Oceano (dato che nell'Europa centrale e in Giappone sono già apprezzati) potrebbero davvero sfondare. Speriamo bene!

Sounds Like: The Get Up Kids, No Use For A Name, Juliana Theory

Alessandro Sacchi

East Rodeo - Dear Violence (2009)

2009-05-24T18:54:00.003+02:00

Anno: 2009

Etichetta: KapaRecords/Trovarobato/ Publishing:A Buzz Supreme

Line-up:

Nenad Sinkauz: guitar/vocal (Croatia)
Alfonso Santimone: keyboards, live electronics,noises (Italy)
Alen Sinkauz: bass,loops (Croatia)
Federico Scettri: drums (Italy)

Tracklist:

1. Soldato NATO
2. Transiraniana
3. Same Step
4. Clown
5. Medezhija
6. Ultima Volta che il Pesce Abbocca
7. Puž
. For My Mouse

Data di uscita italiana: 1 giugno 2009

Dopo un interessantissimo lavoro di esordio intitolato Kolo e i complimenti ricevuti, tra gli altri, da Marc Ribot e Greg Cohen, gli East Rodeo - gruppo multietnico formatosi a Padova nel 2002 - tornano con un nuovo lavoro intitolato Dear Violence che si propone tra le uscite più interessanti del mercato discografico italiano del 2009.
L'attuale formazione è composta dalle menti storiche del gruppo, i croati Alen (basso) e Nenad Sinkauz (voce e chitarra), e dai due italiani Alfonso Santimone (tastiere) e Federico Scettri (batteria), per la prima volta nella band.
Il titolo vagamente ossimorico e l'impatto raffigurato nel dipinto in copertina preannunciano i continui incontri/scontri tra silenzio e rumore, tra jazz e rock, tra psichedelia e ritmiche forsennate che si attuano nello spazio delle 8 tracce che compongono il disco, splendidamente mixato dall'onnipresente - quando si tratta di musica italiana di qualità - Giulio Ragno Favero (Zu, Il Teatro degli Orrori, One Dimensional Man, Putiferio).
Rispetto al precedente "Kolo", nel nuovo lavoro si percepisce una maggiore ricerca della tensione: il gruppo sembra giocare ad ipnotizzare l'ascoltatore con suoni insinuanti e persuasivi, per poi stordirlo con riff acidi ai limiti del noise. Un contrasto questo che è chiaramente esemplificato in "Soldato NATO" dove passaggi cupi che ricordano i Fantômas più "ambient" si alternano con esplosioni noise/math vagamente somiglianti a quelle dei siciliani Uzeda.
In "Transiraniana" la ritmica simil-math di Federico, il basso pulsante di Alen e i sibili volutamente ripetitivi della chitarra di Nenad creano una trama fitta ed ipnotizzante dal quale è impossibile districarsi rimanendo indifferenti.
Il grande lavoro di mixing effettuato da Giulio Favero è chiaramente riscontrabile in "Clown", pezzo da ascoltare al massimo volume proprio per rendersi conto della qualità sonora del disco; un aspetto, questo, da non trascurare.
In "Medezhija" ritmiche e testi di chiara matrice balcanica si fondono con un folle trash jazz di Zorniana memoria, mentre schizofrenia e sperimentazione elettronica la fanno da padrone nella sorprendente "Ultima volta che il pesce abbocca".
C'è spazio anche per sprazzi di momenti delicati e sognanti, come accade nella prima parte di "Puž" o nella conclusiva "For My Mouse", dove rispettivamente pare quasi di ascoltare la fusione trip hop dei Massive Attack e il post rock sognante dei Karate.
Badate bene che i diversi gruppi citati nel testo sono soltanto sensazioni di chi scrive e solo alcuni di questi sono anche ispirazioni reali e dichiarate dal gruppo. Quello che troverete in "Dear Violence" è in realtà un melting pot riuscito, coeso e soprattutto originale, frutto di una precisa identità sonora di un gruppo realmente unico, non solo in Italia.

http://www.eastrodeo.net/
http://www.myspace.com/eastrodeo

Mr. Bungle82.

Vanessa Van Basten - La Stanza di Swedenborg (2006)

2009-05-23T14:06:00.004+02:00

Anno: 2006

Etichetta: Eibon / Coldcurrent / Noisecult / Radiotarab

Line-up:
Morgan Bellini: guitars, synth, sampler, sequencer, mic, software, fx, harmonica, glockenspiel, percussions
Stefano Parodi: bass, synth

Tracklist:

1. La stanza di Swedenborg
2. Love
3. Dole
4. Giornada de Oro
5. Il faro
6. Floaters
7. Vanja
8. Good Morning Vanessa Van Basten

"Mi chiami pure se ha bisogno... o se ha paura". -"Cara ragazza, io non ho paura. Ho già assistito dei moribondi: la mandibola scende un pochino e poi è finita, il più delle volte non succede nient'altro". -"Tutti gli spiriti si trovano in una stanza intermedia, che noi chiamiamo 'la stanza di Swedenborg'. Ma lei non ci resterà a lungo, lei passerà dall'altra parte, verso la luce, ma deve cercare di restare là almeno qualche minuto. Qualcuno la chiamerà da dentro la luce, forse si sentirà afferrare, ma lei cerchi di resistere e di non muoversi da là. E ora mi risponda: un colpo vuol dire no, due non lo so e tre colpi vogliono dire sì". -"Non vada in direzione della luce. Non lasci la stanza di Swedenborg." Sono parole che citano The Kingdom di Von Trier, perfette per inoltrarsi nell’universo dei Vanessa Van Basten. Un monicker curioso, alla luce di quello dei francesi Overmars. Non è un nuovo amore verso il calcio olandese, ma una vena oscuro/parodistica che caratterizza queste band. I Vanessa Van Basten però sono italiani, e di questo, dobbiamo andarne orgogliosi, perché dopo l’ep omonimo, ci si aspettavano grandi cose dal duo genovese composto da Morgan Bellini e Stefano Parodi. E l’attesa non è stata vana, anzi, ripagata nel migliore dei modi, con uno dei debut più belli della musica italiana degli ultimi dieci anni, e non occorre fare distinzione di genere, poiché un album come La Stanza Di Swedenborg può piacere a una gamma eterogenea di ascoltari, poiché intriso di un alone quasi magico, caldo, sempre coinvolgente, nonostante le tinte cupe, poiché emerge l’amore per la musica, sentimento puro, che ha portato la band ad amalgamare suoni sì distanti l’uno con l’altro, ma riuscendo a scovare il filo rosso capace di unirli ed elevandoli a uno status omogeneo e superiore. Loro stessi amano definirsi heavy post-rock, e chi siamo noi per contraddire questa affermazione? La tiltetrack si apre magniloquente ed eterea dove chitarre pesanti figlie del genio di Justin Broadrik si stagliano all’orizzonte, prediligendo il versante Jesu dell’artista britannico, ma non disdegnando excursus potenti nel passato dei Godflesh. Il tutto ricamato a dovere da chitarre acustiche di sottofondo, che avanzano di pari passo a loop sintetici ed evocativi, come i solenni rintocchi della drum machine che accompagna il tutto. E il finale esplode in un calideoscopio di suoni che è un tutt’uno con i quaranta secondi acustici di Love, piccolo anfratto sicuro prima della cangiante Dole. E ora emerge davvero l’amore verso il nuovo corso dei Jesu, melodia e compatta potenza, senza mai alzare eccessivamente i toni, scandendo il tempo con riff taglienti e gioeilli elettronici, mentre soffocate voci si odono in lontana, e non è eresia sentire nel mood della song un parallelo con gli ultimi Katatonia, decadenti e bellissimi, ma rinnovati nel sound, menrte la luce si spegne sulla song, trainata da delicati momenti che sanno di Grails. E nei secondi finali viene ripreso il tema iniziale, chiudendo in bellezza questo maestoso quadro musicale. Un quadro musical lieve come la brezza che soffia sulla costa e porta via lentamente le nuvole, soffusi arpeggi di chitarra memori della musica folk aprono le danze per Giornata De Oro, e mai titolo fu più azzeccato, visto il carattere solare e rilassato del componimento, onesto nelle sue pase e nei suoi campionamenti, mentre i riff si inchinano rispettosi, e mostrano il loro lato più dolce, per non rovinare la pace creata, e allora si inseguono, con gli arpeggi acustici, giocano e si divertono, come bimbi su verdi colline. Mentre tappeti di keys annunciano che il sole tramonta, ed è ora di rincasare. Il Faro è ancora più silente, un piccolo spazio dove raccogliere i pensieri, alla sera, ammirando il mare, citando i Pink Floyd e i figli Labradford; keys che disegnano i bordi e chitarre acustiche che vanno a riempire in maniera delicata gli spazi, in maniera ordinata. Ricordano forse, quello della loro Genova. L’incedere evocativo di Floaters è evocativo e disteso, come se l’album avesse definitivamente cambiato veste, e la potenza dell’inizio fosse solo uno scherzo di classe, e sussurri lontani si mischiano a riff solari, che paiono volare sopra le nuvole, ancora più su fino a brillare della luce del sole, non ci sono parole per descrivere la bellezza di questa canzone, e anche alla fine, quando i ritmi si alzano, non si può evitare di fare gli occhi dolci, e lasciarsi trasportare lontano. Un viaggio verso l’ignoto che le distorsioni di Vanja impreziosiscono, ma alienano la song dal proprio essere, succhiandone il midollo, riducendo il tutto a distorsioni dal sapore drone, ma pregne sempre di melodia. E il grido finale di Good Morning, Vanessa Van Basten, è liberatorio e intimo nonostante la sua strabordante carica di potenza, ma è una potenza controllata, mediata da sentimenti puri e solari, e scherzosamente fa finta di lasciarci, in qualche minuto di silenzio, ma poi torna, rinnovata, acustica, sussurrata, commovente. Si chiude così questo capolavoro moderno della musica italiana e non, e non possiamo far altro che attendere il seguito. Entrate anche voi nella Stanza Di Swedenborg.

Neuros

Open Hand - You and Me (2005)

2009-05-22T14:47:00.003+02:00

Anno: 2005

Etichetta: Trustkill Records

Tracklist:

"Pure Concentrated Evil" (Isham) – 1:34
"Her Song" (Isham) – 3:12
"Tough Girl" (Isham, Helmericks)– 2:54
"You and Me" (Isham) – 4:10
"Tough Guy" (Isham) – 3:07
"Jaded" (Isham) – 1:59
"The Ambush" (Isham) – 2:17
"Take No Action" (Isham, Helmericks) – 2:03
"Newspeak" (Isham) – 2:15
"Crooked Crown" (Isham, Epley) – 3:32
"The Kaleidoscope" (Isham) – 3:08
"Waiting for Katy" (Isham, Arnovich) – 2:43
"Trench Warfare" (Isham) – 3:41
"Hard Night" (Isham) – 5:02
"Elevator" (Bonus Track) (Isham) – 3:45

Line-up:

Justin Isham - guitar, vocals, production, engineering, mixing
Paxton Pryor - drums
Michael Anastasi - bass guitar
Sean Woods - guitar

Questo è uno dei primi lavori degli Open Hand, del 2005, che in passato era stato preceduto da un lp e da un ep. il gruppo era partito con un crossover solido imbevuto di emo e qualche tocco di garage... ma con "You and me" queste caratteristiche si ritirano, mentre affiora una matta voglia di Queens of the stone age e Fu Manchu. Si capisce tutto alla prima canzone: "Pure concentrated evil", un missile di un minuto e mezzo, sopra una ritmica incalzante ecco acidi riff e una voce che si rifà moltissimo ad Homme... mentre emerge lo stile di Rated R nella morbida e psichedelica "Her Song". i due singoli "Tought Girl" e "Tought Boy" sono le manifestazioni più emo del gruppo. personalmente preferisco (e di gran lunga) lo stile di canzoni come la fantastica "You and me", avvolgente, morbida nonostante gli strumenti siano grezzi e ruvidi (e il merito è del cantante-chitarrista Justin Isham), per non parlare di "Jaded" o della bellissima "The Abush", vero e proprio crossover desertico, per capire questa definizione bisogna ascoltarsi la canzone comunque, si vede un bellissimo incrocio fra i Deftones e i Qotsa. Le migliori prove sull' emo sono la ballata "Trench Warfare" e la dinamica "Crooked Crown". Purtroppo emergono anche alcuni difetti: molte canzoni mi fermano troppo presto (vedi l' armonia e l' ipnosi di "Newspeak"), così come non convincono certe attitudini emo o addirittura garage (la voce femminile di pezzi dall' anima hardcore "Tought Girl" e "Take no Action", che stona abbastanza con quella di Isham, mentre si fa accettabile in "Whaiting for Kathy"). Non rimane che concentrarsi sui pezzi più psichedelici già citati, a cui aggiungo "the Kaleidoscope" e "Hard Night", per non parlare della bonus track "Elevator", una delle migliori "ballate" del disco.
Tirando le somme non si può che essere soddisfatti da questo lavoro... Un ottimo intreccio di stili condito da belle armonie psichedelichecche si alternano a pezzi dal gran ritmo. Magari i puristi hard rock storcerando un po' il naso verso alcune parti un po' ruffiane ed emo, ma considerando la giovane età della band bisogna per forza guardare con ottimismo al futuro.

Seba.

Oak's Mary - Mathilda (2009)

2009-05-21T21:12:00.004+02:00

Anno: 2009

Etichetta: Fox Records

Tracklist:
01. Mathilda

02. Two Colours
03. I live no more
04. Señorita
05. Anymore
06. Clap my Hands
07. A perfect day
08. Saturday night
09. I never found my way
10. Sexy girl
11. Inside my head

Line-up:
Pietro Seghini - voce, chitarra, hammond e piano.
Riccardo Cavicchia - chitarra e voce.
Marco Sarracino - basso, voce e Rhodes Electric Piano.
Marco Barbieri - batteria e percussioni.

Capita spesso di trovare dei dischi che siano destinati ad essere la colonna sonora di una evenzienza particolare. Accade talvolta - se siamo fortunati - che quel determinato album lo si ascolti in quel preciso momento che ne svela tutte le carte. Come se l'atmosfera ed il clima fossero capace di amplificare il piacere che si ha ascoltando il disco. Il nuovo lavoro degli Oak's Mary rientra in uno di questi casi, fortunato me che l'ho iniziato ad ascoltare seriamente proprio in questa metà di maggio caldo ed estivo. In pratica è un disco ESTIVO, vacanziero e pronto per le scorribande lungo i vostri road trips di luglio inoltrato. Il quartetto piacentino pubblica sotto la Fox Recordsil terzo full lenght, seguito di quel "Car Wash" che ha strappato ottime recensione sulla stampa nazionale ed estera. Mathilda riesce non solo a confermare le promesse, ma ad andare ben oltre, trasformando quella che sarebbe potuta essere una interessantissima proposta in una solida realtà. Quest'ultima frase mi ricorda lo spot dell'Immobiliar dream, ma tant'è. Undici brani che si snodano tra lo stoner rock desertico di queens of the stone age (quelli dei primi tre lavori, per intenderci) e lo stile caliente e rock di Brant Bjiork (Jalamanta, Chè, BB and the Bros), tanto per stimolare l'appetito. Quello che veramente risalta è la capacità compositiva: non c'è un riempitivo, un susseguirsi di ottime tracce al tempo stesso godibili e personali. Tra il rock n'roll di certi Eagles Of Death Metal ed il Desert degli earthlings?, passando per la psichedelia ed un'ottima dose di fuzz e wha-wha. E' difficile riuscire a trovare un brano che svetti sugli altri: potremmo apprezzare maggiormente la psichedelia di "clap my hands" o lo spirito scanzonato e festaiolo della Hommiana "two colour". Catchy ma senza rinunciare al rock, Mathilda si presenta in tutta la sua freschezza anche e soprattutto grazie alle capacità dei singoli musicisti. Nessun tentativo di sboroneggiare con la tecnica, ma solo desiderio di divertirsi, divertire e saper bilanciare riffs e melodia, ottime linee di basso e una batteria (Marco Barbieri) contropallatissima. Notevole anche l'uso incrociato delle voci (dal timbro "californiano") di Pietro Seghini e Riccardo Cavicchia e gli interessanti innesti del piano rhodes del bassista Marco Sarracino. Ottima sorpresa, Italiana, di una scena che ormai è un punto fermo. Welcome Mathilda!

Links:
www.oaksmary.com
www.garbagedumpeagency.com
myspace.com/oaksmary

Sgabrioz

The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968)

2009-05-20T19:53:00.002+02:00

Anno: 1968

Etichetta: Decca Records - ABKCO

Line - up

Mick Jagger - vocals, backing vocals, harmonica
Keith Richards - acoustic and electric guitar, bass, vocals
Brian Jones - acoustic slide guitar, backing vocals, sitar, tamboura, mellotron, harmonica
Charlie Watts - drums, percussion
Bill Wyman - bass, backing vocals, percussion

Track list

Sympathy for the Devil
No Expectations
Dear Doctor
Parachute Woman
Jigsaw Puzzle
Street Fighting Man
Prodigal Son
Stray Cat Blues
Factory Girl
Salt of the Earth

Dopo il tentativo (direi riuscito, anche se non pienamente) di staccarsi dai groppi beat dell'epoca con l'album Aftermath e la voglia di maturità artistica con l'album Their Satanic Majesties Request (non un brutto album, ma la psichedelica non fa per i loro, soprattutto in un periodo in cui questo genere stava definitivamente prendendo il volo) i Rolling Stones sono alla ricerca di una collocazione. Decidono di farlo con Beggars Banquet, desiderosi di ritornare sguaiati, irriverenti e stradaioli come qualche anno prima. Ripartono dalla strada. Paladini degli abitanti della strada, delle persone comuni. Per sedare un po' le varie anime della band viene assunto, come produttore, Jimmy Miller, che aveva già lavorato con i Traffic (tra l'altro, un membro dei Traffic è presente in questo album) e Spancer Davis Group. Tutto ciò, andò a scapito di Brian Jones, già caduto in una forte depressione a causa della ricerca di un ruolo preciso nella band, il tutto accentuato da droghe e abusi vari. Infatti il suo contributo all'album sarà minimo, o per lo meno non a livello degli album precedenti (morirà solo 7 mesi dopo l'uscita dell'album).
Già dalla copertina si evince la dimensione e l'abito del disco: un bagno sporco, dismesso e con le mura imbrattate a più non posso. Infatti la copertina fu censurata e fino al 1983 la cover fu un foglio bianco dove sopra fu stampato, con caratteri eleganti, il nome del gruppo e dell'album. In basso a sinistra fu stampata la parola R.S.V.P. Abbreviazione del francese, Répondez s'il vous plait.
Qualche riga sopra parlavo del desiderio dei Rolling Stones di ritornare sulle strade. Ecco infatti Sympathy for the Devil, vero manifesto satanico al ritmo di samba, nonché uno dei singoli più noti del gruppo. Basso pulsante, Jagger a recitare nelle vesti del diavolo (Proprio come se ogni poliziotto sia un criminale ed ogni peccatore un santo/Come capo e coda/Chiamatemi solo Lucifero/Perchè ho bisogno di un limite /Quindi se mi incontrate /Abbiate un po di gentilezza /un po di compassione /ed un pizzico di tatto /Usate tutta la vostra diplomazia ben assimilata /o porterò la vostra anima alla perdizione). Finale in jam sessions, dove svettano i riff taglienti e sbilenchi di Richards (non da meno le secondi voci in un uh hu hu che ha fatto storia e il piano di Hopkins).
Se il diavolo arriva, le persone normali se ne vanno. Questo è il tema di No Expectations, altra chicca acustica, dove i 4 elementi (la chitarra acustica di Richard, quella slide di Jones, il piano di Hopkins e il basso di Wyaman) riescano ad evocare semplicemente, ma in maniera magistrale il senso dell'abbandono e della partenza.
Altra canzone, altro cambio d'anima. In Dear Doctor viene fuori la vena country (sound che verrà ripreso nel successivo Let It Bleed), canzone ironica che tratta di un tizio che va dal dottore perchè deve sposarsi ma poi scopre che la sua sposa è scappata con suo cugino e sentendosi così notevolmente sollevato.
In Parachute Woman ritorna il tema (già trattato in Aftermath) della donna vista ora come angelo ora come puttana. Qua siamo per la seconda versione, la donna paracadute, capace di arrestare e di raccogliere tutte le passioni e i desideri di un uomo. Blues stradaiolo più che mai, con un Richards preso a disegnare grezzi riff concentrici impreziositi dall'armonica di Jagger.
La successiva Jigsaw Puzzle è dominata dalle visioni di una persona intenda a rimettere insieme il suo puzzle appunto, composto da una varietà infinita (il gangster, il cantante, il vescovo, solo per citarne alcuni) di persone che nella vita privata sono l'esatto opposto della loro vita pubblica. Lo schema è musicale è sempre il solito. La leggera batteria di Watts, le due chitarre, una acustica, una elettrica, di Jones e Richard a duettare sopra il basso di Wyman con il piano di Hopkins libero di fluttuare tra tutti gli strumenti.
Il '68 è anno di rivolte e di agitazione giovanili e da qui nasce Street Fighting Man. L'iniziale riff di Richards (vero marchio di fabbrica della band, riprende nel mood quello di Jumpin Jack Flash, pezzo singolo uscito a maggio del '68 e poi tenuto fuori dal disco), la batteria “da marcia militare” di Watts, il redivivo Jones che suona il sitar e le parole di Jagger (Amico, sento dappertutto il rumore dei piedi che marciano e che caricano perche, amico, l'estate è arrivata ed è il momento giusto per combattere per le strade ma cosa può fare un povero ragazzo se non cantare per una rock n roll band Perche in una Londra che dorme non c'è spazio per un combattente di strada, no! ) ne fanno sicuramente una delle canzoni più massicce e impegnate dei Rolling Stones.
Prodigal Son è un adattamento di That's No Way To Get Along di Robert Wilkins, veloce canzone country folk. Con Stray Cat Blues ritorna il blues. Un blues sinuoso, che narra le sensazioni e le emozioni di un adescatore di minorenni. La canzone si snoda tra l'ennesimo straordinario giro di basso di Wyaman, con un un Richards impegnato in una serie di riff assordanti e stridenti. L'insaziabile Jagger sussurra nel microfono (Scommetto che tua madre non sa che mordi così. Scommetto che non ti ha mai vista graffiarmi la schiena). Un attimo di silenzio, le percussioni di Watts e poi la band si rimette in moto in un finale da leggenda, con tutti gli strumenti perfettamente allineati e fusi in un suono unico. Factory Girl è un altro pezzo country-folk sullo stile di Prodigal Son, ma il finale è tutto per Salt Of The Earth, dolce ballata (ancora su gli scudi il piano di Hopkins) che va a chiudere il cerchio, grazie al coro gospel sul finale, con la voglia di popolo, di strada, di persone umili che traspare da tutto il disco.
Brindiamo alle persone che lavorano duramente. Brindiamo al Sale della Terra. Brindiamo ai due miliardi di persone. Pensiamo agli umili.

Sciarpi.

Rolling Stones - Aftermath (1966)

2009-05-18T15:18:00.003+02:00

Anno: 1966

Etichetta: Decca Rec.

Line - up
Mick Jagger - Vocals, harmonica
Keith Richards - Guitar, vocals
Brian Jones - Guitars, marimba, bells, dulcimer, sitar, harpsichord, harmonica
Charlie Watts - Drums, percussion, marimba, bells
Bill Wyman - Bass, marimba, bells, piano, organ, harpsichord

Track list
1. Paint It, Black
2. Stupid Girl
3. Lady Jane
4. Under My Thumb
5. Doncha Bother Me
6. Think
7. Flight 505
8. High and Dry
9. It's Not Easy
10. I Am Waiting
11. Going Home

Aftermath non è l'album più bello dei Rolling Stones, ma sicuramente è uno tra i più fondamnetali, sotto diversi aspetti. Il primo, quello più evidente, è la scrittura dei pezzi tutti a firma Richards/Jagger, binomino che firmerà da li in poi tutte le altre canzoni degli Stones. Il secondo punto è l'evidente rottura (sia a livello musicale sia a livello tematico) che questo disco vuol dare con il recente passato degli Stones. In questo album i Rolling Stones cercano di togliersi l'etichetta di gruppo beat, di gruppo facente parte della British Invasion. Volevano togliersi di dosso i primi anni '60, di distaccarsi dai Beatles e di affondare ancora di più nel blues. Così come un anno prima per Beatles (vedi Rubber Soul, uscito nel 65), i Rolling Stones avevano l'intenzione di creare un disco che avesse canzone legate da un preciso filo conduttore e non solo di singoli e hit da classifica. Non solo sesso, droga e rock 'n' roll ma anche un blues sporco, capace di offondare le proprie le proprie radici sulla strada: blues dei neri cantanto da bianchi. Non per questo si può considerare senza essere accusati di blasfemia, i Rolling Stones come il più grande gruppo blues-rock bianco (o rythem&blues se preferite). E questo Aftermath è il primo mattone. Ultimo, ma non meno importate, è la ricerca e il seguente utilizzo di strumenti non propri del rock. Qua sta tutta l'abilità di Brian Jones (qualità che sarà croce e delizia per la sua persona). Jones introduce nel gruppo l'uso del sitar (ispirato da George Harrison dei Beatles che lo incomincio a suonare proprio in Rubber Soul), oltre a suonare il dulcimer, le marimbas, l'armonica, la chitarra e le tastiere. Nel complesso è un disco semplice, ricercato più nella strumentazione che nel suono, ma allo stesso diretto, spiazzante con un messaggio ben preciso dall'inizio alla fine: la vità è sporca, l'illusione è male, la disillusione è bene ed è l'unica arma che ci abbiamo per salvare la pelle. Significativa è anche la copertina dell'album. Fino ad ora gli Stones nell'album si presentavano tutti e 5 in posa: lo sono anche qua, ma l'immagine è sfuocata a testimonianza che alla fine tutto è destinato a svanire. L'album si apre con Paint It, Black, una delle canzoni più belle del disco. La batteria marziale di Watts, mitigata dal sitar di Jones fanno da tappeto al canto ora ribelle ora malinconico di Jegger. La controrivoluzione dei Rolling Stones nelle parole di Jagger (I look inside myself and see my heart is black I see my red door and it has been painted black/Maybe then I'll fade away and not have to face the facts ), dove la vita non è macchine e colori primaverili (con riferimento all'età dell'Oro di Elvis), ma è solo un buco nero da dover far proprio, idealmente rappresentato dall'ipnotico giro di basso di Wyman. Anche la successiva canzone, Stupid Girl, è un manifesto contro la donna, dedita solo ad occuparsi di cose futile nella vita (vedi la canzone precedente). Sempre sugli scudi il duo Watts/Wyman, ma i riff secchi di Richards e la voce da oca nel ritornello di Jegger tolgono il senso di malinconia che si respiravca in Paint It, Black. Lady Jane è invece una dolce ballata d'amore, dove stavolta come protagonista è il dulcimer suonato da Jones. Il suono si sporca con Under My Thumb, dove Jones suona l'ennesimo strumento diverso, la marimba. Un Jegger guascone, firma un altro pezzo dove la sottomissione della donna e la sua inferiorità sull'uomo (tema che sarà uno dei capi saldi del nascente hard rock) la fa da padrone (Under my thumb/ The Girl who once had me down/ Under my thumb/ The girl who once pushed me around/ It's down to me.."). Doncha Bother Me e Think si possono legare insieme. Il primo un pezzo blues con tanto di armonica (ancora Jones), il secondo un pezzo blues-rock dove i 5 elementi raggiungo si equilibrano a vicenda, un modo di suonare che sarà ripreso anche negli album successivi. Flight 505 si apre con il pianoforte, ed è forse l'unica canzone dall'animo beat, ma è disordinata, scomposta: un aereo senza controllo in caduta libera (No idea of my destination and feeling pretty bad) . Altra chicca è il country blues di High and Dry, che insieme alla vivace Its No Easy, portano alla splendida I'm Waiting. Jones riprende un a suonar il dulcimer che insieme al basso di Wynam richiamano il disincanto di inizio album, espresso dalle parole di Jegger (I am waiting, I am waiting/ Waiting for someone to come out of somewhere ). L'album si chiude con Going Home, spettacolare canzone in free form di 11 minuti. Immenso il lavoro di Wyman al basso, precise le chitarre di Richards e Jones, con un Jegger che cavalca tutti gli strumenti con una prestazione vocale da incorniciare. Le pietre incominciarono definitivamente a rotolare...

N.B: la versione di Aftermath tratta è quella uscita in Usa. Nella versione inglese ci sono 3 canzoni in più (la prima la splendita Mother's Little Helper) e l'ordine delle tracce è diverso ma non c'è Paint It, Black.

Sciarpi.

The Beatles - Revolver (1966)

2009-05-16T15:39:00.002+02:00

Anno: 1966

Etichetta: Parlophone

Tracklist:
1. Taxman
2. Eleanor Rigby
3. I'm only sleeping
4. Love you to
5. Here, there and everywhere
6. Yellow submarine
7. She said she said
8. Good day sunshine
9. And your bird can sing
10. For no one
11. Doctor Robert
12. I want to tell you
13. Got to get you into my life
14. Tomorrow never knows

Con Revolver i Beatles affinarono ancor più la loro qualità migliore: il saper coniugare un sound che potessere essere ascoltato, o meglio accettato da chiunque con pezzi che spesso avevano comunque risvolti artistici di rilievo. I Beatles rimanevano un gruppo principalmente pop, più che rock: in ogni canzone di Revolver possiamo ascoltare un gruppo educato, composto, che in fase di compisizone partiva principalmente da una solida base melodica, e non si lasciava prendere la mano dalle folli jam che tanti altri gruppi stavano sperimentando. Nel 1966 il formato su cui esprimersi era diventato per tutti l' album (e i Beatles erano stati fra i primi ad intuirlo l' anno prima), ed in territorio pop il guanto di sfida al loro primato era già stato lanciato dai Beach Boys (pardon, da Wilson), a cui il quartetto di Liverpool non rispose con un prodotto così complesso e raffinato come Pet Sounds, preferendo piuttosto affidarsi a pezzi più sobri, su cui veniva dosata con parsimonia ogni singola idea. Il tutto fu poi condito da una produzione sontuosa, che garantì un appeal straordinario. Revolver è spesso ricordato come un disco psichedelico: in realtà lo è in parte, e non poteva essere altrimenti, visto quanto si espandeva la moda psichedelica, la passione per strumenti esotici e insoliti. I Beatles risposero con tre pezzi che mischiavano il gusto pop melodico a queste nuove affascinanti soluzioni: l' assonata (è il caso di dirlo) "I'm Only Sleeping", condita da un assolo in backward guitar, la tambureggiante "Love You To", che trasuda suggestione indiani non solo dal sitar ma anche dalle ritmiche, e la conclusiva "Tomorrow Never Knows", uno dei pezzi migliori del lotto, l' episodio che rappresenta al meglio la psichedelia vista dai Beatles. A fornire la giusta dose di acidità erano sempre e comunque gli sforzi fatti in produzione. Il gruppo cercava comunque di rimanere su territori ben conosciuti, ed su questi territori i pezzi che spiccano di più sono "Eleanor Rigby", canzone riuscitissima a livello melodico, tutta basata su archi e intrecci vocali, e "She Said She Said", un rock and roll poco abrasivo nel sound ma che osa (e colpisce) con alcuni cambi di tempo repentini. Per il resto, si cerca in tutti i modi di ricamare sul materiale a dispozione, robusto ma non trascendentale: "Got to Get You Into My Life" ha un incedere frizzante, grazie alla sezione di fiati, mentre "Good Day Sunshine" è arrangiata con pianoforte e handclapping. Idee centellinate per arricchire ogni singolo pezzo e farlo risalatare dallo sfondo di "normalità" su cui altrimenti si staglierebbe. Quando manca l' orpello che faccia risaltare il pezzo, la canzone colpisce di meno, ed ecco perchè "And Your Bird Can Sing" e "Doctor Robert" suonano come i pezzi sostenuti di turno, "Here, There and Everywhere" e "For No One" come le ballate di turno. La fortuna della musica dei Beatles rimane così legata alla qualità ed originalità della produzione. "Yellow Submarine" è invece l' episodio dove, invece, manca completamente la qualità del sostrato melodico: una cantilena elementare, quasi infantile, dove le intromissioni dell' orchestra e il successivo l' ingresso di alcuni campionamenti più rumoristici non serve a risolevvare il pezzo dalla sua aura di mediocrità, rendendolo anzi ancor più stucchevole. Revolver vendette tantissimo e di conseguenza entrò nella leggenda. Considerando che questo era da sempre l' obbiettivo primario dei Beatles, il disco centrò perfettamente il bersaglio. E a noi rimangono fra le mani 35 minuti di buona musica, nient' altro.

Seba.

James "Jimi" Marshall Henxdrix: breve guida all' ascolto.

2009-05-15T15:30:00.003+02:00

Are You Experienced? (MCA, 1967)

Una gavetta come sessionman di Wilson Pickett, Tina Turner, King Curtis e Little Richard (il quale si lamentava addirittura che il giovane Jimi gli rubasse il palcoscenico) , viene messo sotto contratto da Chas Chandler (ex Animals) , che nel regno unito gli fa registrare il primo disco. Partendo dalla cover di “Ehy Joe “ ,così sorprendentemente valorizzata dal chitarrista, in una veste Blues di alto stile. Uno stile che padroneggia benissimo, aggiungendo tecnica e cuore ( Red House, I Don't Live Today) il vero capolavoro è la superba “ Third Stone From The Sun” , fondendo anche le ritmiche jazz, Jimi crea una gemma di inestimabile valore artistico che regge perfettament eil paragone con tutto ciò
che la psichedelia aveva proposto in quegli anni. Un disco fondamentale per il Rock proposto in tutte le salse, richiami alla black music ( Highway Chile ,sempre sottovalutata, ha un Pattern che farà storia in materia) , e a radici tribali ( la convulsa Manic Depression e la ruffiana Stone Free dimostrano che il batterista Mitch Mitchell non era esattamente un elemento scenografico) . Come se non bastasse, centra riff che faran parte dell' ABC dei chitarristi che verranno ( Purple Haze e Foxy Lady in primis) e soluzioni artistiche che ispireranno il songwriting di artisti di più correnti ( 51st Anniversary tra l'altro sembra aver ispirato gli esordi anche dei The Cure) , inconfondibile il suo tocco anche quando la sua chitarra ,oltre che a colpire, vuole accarezzare orbite di dolci ballad (The Wind Cries Mary)

Axis: Bold as Love. (MCA, 1967)

Forse non aveva tutti i torti il giornalista (è Noel) che nell'intro “EXP” ,annuncia l'avvento di un alieno (con tanto di effetti chitarristici che ne simulino l'atterraggio ) in un divertente gag con il chitarrista, per il periodo è assoluta avangarde. Dopo pochi mesi dal primo disco, l'album della triade che solitamente vien sottovalutato , il più tributario verso la musica nera . Eppure i risultati sono stupefacenti anche in questo caso. L'apertura è affidata alla languida “ Up from the Skies” ,jazzata nella sensualità pacata degli esperimenti del trio; che accelerano in “ Spanish Castle Magic” , dal ritmo contagioso e incursioni spettacolari delle 6 corde. Perchè quando Jimi si lancia nei suoi virtuosismi sa essere realmente devastante (“Ain't No Telling” ) , e non è nemmeno detto che ciò debba essere fatto in un contesto puramente rock, note magiche si disegnano nell'aria di “ Little Wing” , creando probabilmente l'atmosfera del brano più fascinoso e catartico della raccolta. Non mancano di certo i riferimenti all' hard blues (“ If 6 Was 9” e la titletrack, a tratti Crooneristica ) e al rock and roll revival ( “ You Got Me Floatin'” con tanto di coretti retrò e il falsetto di “ Wait Until Tomorrow” a narrare le vicende di due sfortunati amanti) . C è sicuramente più spazio per il bassista (ex chitarrista) Noel Redding , autore di una splendida prova nella sezione ritmica di “Little Miss Lover” e vocalist di “She's So Fine” (che in fin dei conti è il brano meno coinvolgente del disco, anche perchè Jimi si sa, non apprezzava molto che qualcuno lo sostituisse dietro al microfono). L'episodio più atipico del disco resta “ Castles Made of Sand” , tra chitarre registrate al contrario e un cantato/parlato vicino a ciò che una decina d'anni dopo si chiamerà sotto il nome di Rap.

Electric Ladyland (prima stampa, MCA 1968)

!Have You Ever Been To Electric Ladyland? The magic carpet waits for you so don't you be late “ , ed è bene che prendiate a cuore questo invito del chitarrista,se non avete mai ascoltato quest album, fatelo. Per capire come un disco rock può rimanere al passo con gli anni anche passati 30 anni, e certo non solo per la perfetta produzione di questo disco ( la perfezione dell'artista arrivava al rifare una take anche 50 volte per ottenere il suono che voleva) , ma per la continua ricerca nella contaminazione del blues, materia difficile, e lui nemmeno sapeva leggere gli spartiti. Non si direbbe però dalla splendida “Voodoo Child” (con Jack Casady al basso e Steve Winwood all'organo Hammond, i problemi con Noel erano già insanabili a quanto pare ) o alla frenesia di “Gypsy Eyes” . Un disco che possiede un dinamismo moderno anche nella scelta dei singoli ( vennero scelte la melodica “ Burning of the Midnight Lamp” e la trascinante “ Crosstown Traffic” , dedicata all'altra faccia della medaglia dell'esser idolatrati) e il gusto di legare con un filo immaginario le composizioni (psichedelia solista in “ Rainy Day, Dream Away”, e la chitarra sembra continuare una pregrassione solistica in “ Still Raining, Still Dreaming” , uan vera pioggia di note che proseguono oltre il cantato). Sicuramente tra i tre album,è il meno immediato, pezzi come “1983” ( suite lisergica che intavola un viaggio da 13 minuti sulle ali di sei corde e poderose rullate che delicatamente sfuma via sulla coda strumentale “ Moon, Turn the Tides...Gently Gently Away” , ha l'effetto di un anima che sembra dondolare tra un orecchio e l'altro dell'ascoltatore) .
Il trio di chiusura è monumentale, l'interessante effettistica in “House Burning Down” da strada alla spettacolare “All Along the Watchtower”, probabilmente una delle migliori cover della storia della musica, ricca di phatos e gravida di una tensione liberata da un orgasmico assolo finale, riarrangiata in maniera opposta al minimalismo Dylaniano. “Voodoo Child (Slight Return)” termina in capolavoro di circa 5 minuti di creatività esplosiva , senza schemi. È lo schema.

Band Of Gypsys (MCA, 1970)

Tra beghe legali e la mafia dei Black Panthers , venne registrato quest album dal vivo . Il trio Black del momento, Hendrix affiancato da due stelle (Buddy Miles alla batteria e Billy Cox al basso ) . Ci sarebbe da contare i furti che negli anni successivi ci son stati nei confronti della jam di questo live, a partire dai funky riff di “Who Knows”(intorno al settimo minuto raggiunge l'apice ) , “Machine Gun” lascia dilatare un affresco di Rock scuola Cream, Blues imbevuto di psichedelia che supera i dieci minuti, citazioni testuali e musicali (rullate come proiettili, 20 anni prima di One dei Metallica) alla guerra in Vietnam. Distorisioni, Cori, buio. Il silenzio e poi è solo Jimi.
“Changes” ha un andazzo quasi country rivestito di elettricità e il tipico tocco della musica nera, trascinante e asciutto, tagliato solo dal wah wah , cantato da Cox. Udendo le prime note di “Power To Love”, ci si accorge ancora una volta dell'importanza del musicista di questa biografia, il primo minuto gli vale il conio del detto tipico “un intro Hendrixiano” , ne segue una giostra di jam tra il funk/blues e il folk, la sintonia è presente ed è palpabile. Come il gradimento della platea che quasi non si accorge di quanto la band abbia provato poco prima di esibirsi a questi livelli.
“ Message Of Love” è proposta nella sua versione più ispirata, genialità assoluta negli inserti solistici, merito anche del drumming di Buddy Miles, un vero metronomo. Il pubblico accoglie con entusiasmo la scelta di collaborare in “We Gotta Live Together” , un funky stomp celebra il brano, anche in questo caso, riuscito. Cox&Miles ripresero il tema della serata ,pubblicando “Band of Gypsys :return” anni dopo, intanto il marziano era tornato nel suo pianeta, ma resta un gran bel disco,con nuovi arrangiamenti,consigliato a chi ha gradito il primo evento.

First Rays Of The New Rising Sun (1997)

Ebbene si, gli inediti degni di nota di Hendrix terminano con due album, pubblicati postumi, che insieme avrebbero fatto parte del nuovo disco di Jim, la carica selvaggia lascia spazio ad una vena decisamente più intimistica, e ovviamente non sappiamo di quanti pezzi l'artista avrebbe successivamente corretto:

Disco 1:
Rainbow Bridge

Ascoltando “Pali Gap” , oltre che a rimanere a bocca aperta per la naturalezza nella quale viaggia funambolicamente tra le note, noterete quanto il disco si distacchi abbastanza dal lavoro precedente (ad esclusione di “Earth Blues” con il suo coro gospel e “Dolly Dagger” sulla scia di Axis).” Room Full Of Mirrors” lavora duro su percussioni e sovraincisioni di chitarre che duettano anche con la stesso timbro vocale. “Hey Baby (New Rising Sun)” resta una della ballad più pregevoli del repertorio, melodicamente efficace già dai primi ascolti. “ Izabella” sperimenta tonalità più solari, arrangiata sotto i canoni della black music moderna e le affilate soluzioni di un plettro davvero infuocato. Quest ultimo diventa poi la luce nell ombra di alcuni brani che sembrano incompiuti , ma nonostante ciò,degni di nota : “Little Drummer Boy-Silent Night” e “ Hear My Train A-Comin'” ( undici minuti son sicuramente troppi) e il proto punk di “Stepping Stone” . Star Spangled Banner vien proposta in una versione più curata ( e meno affascinante della celebre versione storica)

Disco 2
Cry Of Love

Il disco più vicino al Soul della discografia, lo dimostra la carica “Freedom” e le venature rock di “Ezy Rider” , l'album è più morbido del suo “gemello”, riscosse un moderato successo commerciale (sarà anche perchè Mitch Mitchell torna in supporto dell'artista, e la zuccherosa “Angel” si più elencare tra le melodie più ispirate&catchy dell'artista) , confezionando al suo interno godibili brani con anche ottime intuizioni ( l' arpeggio di “Night Bird Flying” , la fantasia di “Astro Man”) che però infondo nulla aggiunge ne toglie alla memoria complessiva di Jimi (si sfiora il Lo-Fi con “Belly Button Window” )

Live&Disco Postumi&Amenità varie :

c è da dire una cosa, tra l'avidità di Chandler e una non precisissima legge sul Copyright del periodo, il mercato è stato letteralmente invaso di prodotti che catturino almeno una nota di Hendrix. Dalle Demo ai live, fino a giungere alle jam session e scarti di sovraincisioni. Dell' 80% di sta roba potete farne tranquillamente a meno (a meno che non vi vogliate ascoltare la trecentesima versione di Fire ,ecc ) ,vale la pena solo spendere due parole sui prodotti che solitamente sono più in risalto su questo diluvio commerciale e chicche varie:

Live At Woodstock : non penso devo aggiungere molto qui, esibizione spettacolare, graffiante, dal suono crudo. Da avere
In The West : fossi in voi,lo eviterei, ci sono inediti si, ma sembra si voglia davvero grattare il fondo di un barile che grida pietà.
War Heroes : vale il discorso fatto sopra. Ma se proprio dovete ascoltarvi uno dei due,vada per questo.
You Can Be Anyone -Timothy Leary : un occasione per sentirlo suonare il basso , l'amico Buddy Miles alle pelli, godibile.
Isle Of Wight: se ne parla sempre tanto, il Woodstock dei poveri, ma il concerto non andò bene, clima ostile, Jimi che non recupera la stanchezza dal viaggio, è un po' appannato...
Live at Berkeley- 2nd Show : decisamente meglio. Da avere
South Saturn Delta: è pure del catalogo della famiglia di Hendrix,ma non ne trovo il senso. In bilico tra una raccolta,inediti e due alternate version, ma prendere un disco per una nuova versione di All Along The Watchtower ,non so se convenga.
The Ultimate Experience: best of fatto come la faccia loro, da evitare.
BBc Session: in doppio disco, tutte le apparizioni di Jimi alla radio e televisione. Con cover inedite, Jingle per radio one per la stessa radio,intermezzi di intervista, e più spazio (una volta tanto) ai brani di Axis. Qualità ottima, da avere.

Live at Monterey: tour del primo disco, merita.
Concerts: raccolta,inutile.

The Jimi Hendrix Experience Box Set : 4 cd ( e se non erro, 1 dvd ) , il prezzo è alto, ma è il must per gli appassionati di alternate versions ,unrelased e live rari di brani. Qualità ottima.

Gidan Razorblade

DESERT SOUND vol. 3 third way to get a trip (Compilation in dl gratuito su Perkele.it)

2009-04-30T13:50:00.004+02:00

DESERT SOUND III

Dopo i primi due volumi che hanno suscitato interesse in tutto il mondo, torna la compilation realizzata dall'unico portale italiano dedicato allo stoner, al doom e alla psichedelia Perkele.it. Lo staff di Perkele sta ultimando le selezioni per DESERT.SOUND Vol. III, il terzo capitolo dell'unica compilation heavy psych made in Italy. Segno di un panorama musicale in continua espansione, DESERT SOUND ha lo scopo di fotografare un'istantanea di una scena in continua evoluzione. Puro e bollente rock'n'roll, psichedelia, desert rock, doom, hard rock classico e asfissiante stoner sound si inseguono, coprendo a 360° le sonorità vulcaniche partorite dalla nostra penisola. Dopo i primi due capitoli - scaricabili gratuitamente - anche questo terzo volume sarà disponibile in download gratuito. Tanti gruppi interessanti, nuove scoperte e alcune guest d'eccezione. Restate sintonizzate e.... follow the smoke!
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The Italian stoner psych doom portal Perkele.it is proud to present DESERT SOUND Vol. III. The third chapter of the trip, a heavy-psych compilation made in Italy! Symptom of a musical panorama constantly growing, DESERT SOUND Vol. III is a hot n' awesome mix of pure and very rock'n'roll, acid psychedelic sound, desert rock, evil doom, hard rock and huge stoner sound, covering at 360° the volcanic sound produced by our peninsula! The compilation is a free download double disc, featuring incredible shots, new entries and special guest stars. Stay tuned and... follow the smoke!

Questi sono i 28 brani partecipanti, in ordine alfabetico:
ALCOHOLIC ALLIANCE DISCIPLES - Blues For The Heretic Confraternity Of Drinkers (6:02)
ATOMIC WORKERS - You (5:33)
BLACK RAINBOWS - Bulls & Bones (3:08)
BRETUS - The Only Truth (6:55)
COSMOTRON - Gila Monster (2:49)
DOOMRAISER - Vanitas (15:07)
ELECTRIC SWAN - In The Hush Of Daze (5:01)
EVILGROOVE - Smell The Burn (3:43)
EX - Stoned Wizard (5:30)
GANDHI'S GUNN - Lee Van Cleef (4:16)
GODWATT REDEMPTION - Pachiderma (7:08)
GRAND SOUND HEROES - Desert In A Drop (4:47)
GUM - Water (6:10)
L'IRA DEL BACCANO - Sussurri Di Nascita Celeste-Grateful To Jerry (8:29)
LIP COLOUR REVOLUTION - Smoking May Reduce The Blood Flow And Cause Impotence (3:50)
LOUD NINE - Golem (3:45)
MAD CITY ROCKERS ft. JOHN GARCIA- Stronger [Radio Web Version] (3:23)
MISTY MORNING - Astrosarcophagus (7:09)
MONTEZUMA - The Call Of Montezuma (6:17)
OAK'S MARY - Sexy Girl (4:28)
P. C. TRANSLATE - G(a)in Floor (5:21)
SESTA MARCONI - Skeletons Party (7:13)
TEVERTS - Shine (6:15)
THOMAS HAND CHASTE - Gotham (4:38)
THE BRAIN WASHING MACHINE - Ritual (3:35)
THREE EYES LEFT - Silentium Aurum Est (7:37)
TOMBOSLEY - Little Lover Big Gun (5:29)
ZIPPO - Ask Yourself A Question (5:31)

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Toto - Toto

2009-04-29T10:57:00.003+02:00

Toto - Toto

Anno: 1978 Etichetta: Columbia records

Tracklist: 1. Child's Anthem (D. Paich) - 2:46

2. I'll Supply The Love (D. Paich) - Voce: Bobby Kimball - 3:46 3. Georgy Porgy (D. Paich) - Voce: Steve Lukather - 4:09 4. Manuela Run (D. Paich) - Voce: David Paich - 3:54 5. You Are The Flower (B. Kimball) - Voce: Bobby Kimball - 4:11 6. Girl Goodbye (D. Paich) - Voce: Bobby Kimball - 6:13 7. Takin' It Back (S. Porcaro) - Voce: Steve Porcaro - 3:47 8. Rockmaker (D. Paich) - Voce: David Paich - 3:19 9. Hold The Line (D. Paich) - Voce: Bobby Kimball - 3:56 10. Angela (D. Paich) - Voce: Steve Lukather - 4:45 Line-up: Bobby Kimball - voce Steve Lukather - chitarra e voce David Hungate - basso Jeff Porcaro - batteria e percussioni David Paich - tastiere e voce Steve Porcaro - tastiere e voce

Vedi la cover album e hai davanti il futuro.
A posteriori non c’è specchio migliore per descrivere la carriera dei Toto. Le stelle, il sogno, l’universo, un’atmosfera magica che riusirono a sprigionare in ogni loro album, e poi la spada, una spada che trafigge questi sogni, a simbolo della morte prematura di Jeff Porcaro, stroncato da un infarto causato dai pesticidi spruzzati da egli stesso nel giardino di casa sua, un’allergia beffarda, che lo colpì nel luogo a lui più caro. Ma una spada come simbolo, soprattutto, di non arrendersi, di volere continuare ad esserci e a combattere, come testimonia l’ultimo grande album Fallino In Between. E a posteriori possiamo osservare un moicker, che per quanto buffo, rappresenta l’amore per la musica a 360 gradi, infatti come spiegato da Jeff Porcaro stesso in un'intervista del 1988 ad Amsterdam (Live stratosferico), indica l'intento musicale gruppo, cioè quello di prendere ispirazione da tutto ("come from totos"), da cui ne deriva un genere dalle molteplici influenze e sfaccettature. Abbracciare il pop, il rock, la classica, il prog, l’elettronica, l’hard n’heavy, non era fatto comune e soprattutto pensabile, ma andarono oltre gli schemi, con grande prova di professionalità e soprattutto umanità, poiché un mix di tal genere, poteva implicare un utilizzo della tecnica fine a stessa, e invece no, poiché tutte le composizioni dal debut a oggi della band californiana, non son mai state banali, fredde, macchinose, ma cariche di pathos, emozionali come poche, nelle quali i sentimenti positivi avevano la meglio si tutto.
Era il 1978 quando questi giovani consegnarono alle stampe un autentico gioiello, destinato a rimanere nelle storia della musica tutta. Dieci gemme da custodire il cui livello compositivo e soprattutto esecutivo è di una qualità impressionante, con pochi confronti nel genere,
e le tracce stesse risultano talmente godibili e orecchiabili, da essere (alcune di loro) ancora oggi considerate dei veri e propri anthem (vedi ad esempio il ritornello di "Hold the Line"). L'esecuzione è come detto impeccabile, e ha nei suoi punti di forza le tastiere usate davvero in modo geniale ed elegante, e le chitarre che seguono e accompagnano. Anche gli altri strumenti fanno il loro dovere e il cantato, sia singolo che quando supportato dalle backing vocals, è in se davvero splendido, caratteristico e riconoscibile, poggiato e si integrato con le parti melodiche in un tutt'uno davvero incredibile quanto a legame che si viene a creare.
L’album si apre in maniera inaspettata con la mestosa ed epica strumentale "Child's Anthem" e si sente subito il pianoforte che entra in maniera poderosa a dettar legge, per bellezza e grazia con la quale è suonato. Ben presto tale strumento viene accompagnato da una grande chitarra, seguita a ruota da keys che ne fanno il verso in un climax che continua a salire fino arggiungere un nuovo acuto di piano che completa alla perfezione una esecuzione da brividi, per questo pezzo sì breve ma intenso, veloce, spettacolare in una sola parola. A seguire entra con un divertente ritmo di batteria la solare "I'll Supply the the Love", molto veloce e dinamica, permeata sempre di romanticismo. Splendida la chitarra nell'assolo quasi disfattista e la voce di Bobby Kimball, accompagnato dalle backing vocals, che entrano in gioco per la prima volta e lo fanno davvero in grande stile. Ottimo anche il motivo sostenuto da chitarra e keys in crescendo in conclusione della song, davvero divertente e poderoso. Ed ecco che arriva la famosissima "Georgy Porgy", song decisamente lenta e particolare, con tutti gli effetti sonori che presenta al suo interno, un calideoscopio sussurrato dove le keys di sottofondo stendono il giusto tappeto ai ritmo solare creato da Jeff e alla chitarra scanzonata di Steve, con il contributo alle backing vocals di Cheryl Lynn. I ritmi si placano ancora con "Manuela Run", che inizia come sempre con un geniale sottofondo di keys che supportano la chitarra pizzicata di Lukather che sfocia in un solo semi-acustico di rara fattura, sostenuto dal poderoso basso di Hungate e dai piatti di Jeff. Un mid tempo nel quale risalta alla perfezione anche qui la voce, davvero legata come non mai agli strumenti. Le lyrics, come tutte del resto, è splendida e molto, molto ispirata. E si prosegue con "You are the Flower", track dolce ma mai mielosa, forse leggermente sotto tono rispetto alle altre citate fino ad ora, ma dotata di un pathos molto singolare e ipnotico. Carica di ritmo e di potenza arriva invece "Girl Goodbye", una vera e propria marcia trionfale, dalla intro possente, e un prosequio dove gli strumenti raggiungono il massimo in quanto a esaltazione, soprattutto nelle keys. Deciso anche il refrain, memorabile nel suo incedere nonostante addolcito dal coro delle backing vocals, che fanno da supporto alle vocals soul di Bobby. Discorso diverso per "Takin' it Back" che parte subito con un carico di dolcezza infusa, che mette quasi tenerezza, per poi proseguire come pezzo lento e scandito benissimo dalle vocals. Stavolta refrain è un pò sottotono rispetto alla media della song, ma sempre molto romantica. E decco che ci avvolge la bella "Rockmacker", pezzo dal ritmo splendido, non irrompente ma incalzante, dalla ottima chitarra e un basso in grande spolvero, che necessita assolutamente di una nota di merito. Bello anche l'assolo, eseguito impeccabilmente.
Ed ecco che arriva lei.
La song regina.
Dobbiamo arrivare alla penultima canzone per trovare forse il pezzo più famoso della band, che ormai è, assieme a poche altre canzoni, il vero e proprio simbolo del gruppo. L’immortale"Hold the Line". Quanti non l’hanno cantata almeno una volta nella vita, con quel suo motivo di base, sia eseguito con la tastiera che con la chitarra, è di quelli che hanno fatto la storia, così come il famosissimo refrain, che penso quasi nessuno non abbia avuto l'occasione di ascoltare, magari anche senza sapere di che canzone si trattasse, come capitò al sottoscritto, e innamorandosi della band.
“Hold The Line, Love Is Always On Time”.
Comunque sia Hold the Line merita tutto il successo che ha avuto, perchè è davvero speciale, un concertato di decisione, musica e ritmica fatto canzone. Decisamente sopra la media anche l'assolo, carico di pathos nella sua “semplicità” che è una ciliegina sulla torta per un pezzo unico magnifico. E si chiude in maniera superba con la song probabilmente più romantica di tutto il CD, ovvero la bellissima "Angela", i quali flauti e pianoforte risuonano ancora nelle orecchie dopo
averla sentita. La voce è colma di emozioni, la chitarra che ricama le keyboards è stupenda, e anche nelle sequenze dinamiche il livello musicale è altissimo, ma senza perdere una vena di dolcezza, come è giusto che sia.
Ed è così che si chiude il primo capitolo della band, ignara all’epoca di aver composto un masterpiece della musica tutta, uno dei più grandi connubi tra questa e i sentimenti più puri che risiedono all’interno di noi.

Neuros

Led Zeppelin - II (1969)

2009-04-28T12:23:00.002+02:00

Anno: 1969

Etichetta: Atlanctic Records

Tracklist:

1 - Whola lotta love
2 - What is and what should never be
3 - The lemon song
4 - Thank you
5 - Heartbreaker
6 - Living loving maid (she’ s just a woman)
7 - Ramble on
8 - Moby Dick
9 - Bring it on home

Woodstock è dietro l’ angolo, con i suoi ritmi psichedelici, il suo acid blues e la sua dose di droghe e ideali. Il sessantotto rivoluzionario è vivo nella mente dei giovani europei: il fuoco della ribellione non si è estinto, ma brucia con più insistenza. E la scintilla pronta a far scoccare un incendio di dimensioni spropositate si chiama Rock: grezzo, potente, veloce, scatenato. I Led Zeppelin rappresentano tutto ciò, ed il loro secondo disco rappresenta il capolavoro del Rock puro e semplice. Il blues si trasforma, perde la sua carica triste e introspettiva, per diventare aggressivo ed esibizionista. E’ allegro ed egocentrico, è passionale e furioso questo nuovo Rock. E’ stanco di aver subito soprusi negli anni trascorsi in solitudine. Il quartetto inglese, durante il loro primo tour americano, registra questo disco, Led Zeppelin II, numero cardinale utile solo a specificare che la musica va ben oltre i simboli, i nomi e le copertine, ma è nell’ anima dell’uomo e scorre nelle sue vene, come sulle corde della Gibson di Page scorrevano quei riffs potenti quanto struggenti. Il disco si apre con uno dei grandi classici degli Zeppelin, uno dei capisaldi del rock: “whola lotta love”: il riff è spasmodico e incalzante, segue la voce di Plant in una simbiosi perfetta: è il miracolo della vita: dai gorgheggi quasi animaleschi di Plant si esplode in un’ assolo fulminante, seguito fedelmente dalla maestri di Bonham e dal basso di Jones. E’ il turno di “What is” dopo un inizio pacato, la quiete è infranta dal suono della chitarra che si ribella al giogo a cui è sottomessa e decide di far sentire la sua voce: la rtitmica è composta da tonalità alte e basse, intervallate tra loro. E’ un altro elemento del disco, non puoi mai rilassarti..quando meno te l’ aspetti, vieni afferrato e scagliato nel mezzo della tempesta sonora che si crea intorno a te. Il picco più altro lo si raggiunge in ogni singolo istante: da “ the lemon song”: rock and roll all’ ennesima potenza, concentrato in pochi minuti: è sempre più veloce, in rotta di collisione con i vecchi canoni del rock. Dopo essere stremati dai primi tre pezzi, arriva una ballad ” Thank you”. E’ qualcosa di incredibilmente delicato e struggente, come l’ arpeggio in apertura, sembra tutto incantato: dal tempo dato dalla batteria, al flauto che pare sentirsi in lontananza. Ma è solo un paradiso apparente: l’illusione è pronta a spaccarsi come il cristallo, anche qui Il rock irrompe e brucia tutto quello che trova. E dal grazie di prima, il rock incarna Lo spezzacuori di “heartbreaker”, uno dei miei pezzi preferiti in assoluto, perché è il prototipo della canzone: saturo di aggressività, di sonorità settantine ( pur essendo uscite nel ’70) e il cantato sarà padre di una generazione di rockers, che vedranno gli AC|DC come veri e propri modelli di vita. Stesso stile, ma con la presenza di coretti affascinanti è “Living loving”, altro punto di celestiale bellezza di questo disco. La magia continua ininterrotta ed il rock ormai ci ha quasi sottomessi., ma c’è un labile speranza di spezzare la maledizione: superare indenni la carica folk e blues di “Ramble On”. Potrebbe essere difficile, quasi impossibile ma, ahimé, ogni speranza verrà fiaccata dall’ assolo di batteria di Moby Dick., dopo aver subito il fascino di un intro da togliere il fiato, arriva il nostro boia: 3 minuti 50 secondi di tom, piatti e doppio pedale che ci lasciano tramortiti e schiavizzati. Non abbiamo neanche il tempo di rialzarci da questa mazzata sonora, che completa il lavoro “ Bring it on home”. Come ad indicare “ riporta a casa le ossa..se sei ancora capce di camminare”. Non ce l’ abbiamo fatta, il Rock è dentro di noi e noi siamo suoi schiavi, ora non ci lasciare più e vedremo il mondo in un altro modo…tutto più rock and roll….

Sgabrioz

Led Zeppelin - Led Zeppelin I (1969)

2009-04-07T16:34:00.003+02:00

Anno: 1969

Etichetta: Atlantic Records

Tracklist:
1. Good Time Bad Times
2. Babe I'm Gonna Leave You
3. You Shooke Me
4. Dazed And Confused
5. Your Time Is Gonna Come
6. Black Mountain Side
7. Communication Breakdown
8. I Can't Quit You Baby
9. How Many More Times

Ci saremmo potuti chiamare i Vegetali o le Patate... Che cosa significa Led Zeppelin? Non significa niente. (Jimmy Page)

Era il 1968. Il giovane chitarrista Jimmy Page, appena concluso il “tirocinio” prima come bassista e poi come chitarrista negli Yardbirds al fianco di Eric Clapton e Jeff Beck, decide di formare un nuovo gruppo, i New Yardbirds. E' alla ricerca di un cantante. L'attenzione ricade su Robert Plant, un perfetto sconosciuto che milita a tempo perso negli Hobbstweedle e che si esibisce nei dintorni di Birmingham. Manca il batterista. Plant suggerisce a Page un suo amico, un ragazzone che fin da bambino aveva l'abitudine a percuotere tutto quello che trovava a tiro: John Bonham. Manca il bassista. Page deve subire il rifiuto all'ultimo momento di Chris Dreja, il bassista degli Yardbirds ritiratosi dalla musica per dedicarsi alla fotografia (infatti realizzerà l'artwork di questo album). Così decide di affidarsi a John Paul Jones, una persona mite e dai modi schivi che aveva già collaborato con Jeff Beck per la realizzazione dell'album Truth. Nascono così i New Yardbirds, ma il nome dura il tempo di qualche esibizioni dal vivo. Fu scelto il nome Led Zeppelin. Tante sono le leggende sul significato e l'origine del nome, ma visto che gli uomini nascono e muoiono mentre le leggende sono eterne, preferiamo non saper la verità e rimanere nel mistero.
Questo è primo capitolo del libro Led Zeppelin, Led Zeppelin I.
Si sa che le cose, come nella vita, stanno nell'aria ma la differenza fa chi per primo le afferra. I Led Zeppelin non afferrarono mai niente di nuovo però in realtà fecero un passo ancora più importante: dare una nuove veste, più estrema, incisiva e d'insieme, ad elementi e contenuti che altre band ed artisti solitari avevano già prodotto e sviluppato negli anni immediatamente precedenti alla nascita dei Led Zeppelin. Questa è la prima chiave di lettura per questa band e per quello che ha rappresentato nel panorama rock nel decennio che va dal 1969 al 1979.
Parlavamo di elementi ed è giusto soffermarsi ancora un attimo, prima di entrare nel merito del disco, su questo fatto. Jimmy Page (chitarrista giovane ma ricco di inventiva, classe, personalità e metodo) riesce a combinare il blues di Clapton, i riff secchi di Beck e i riff psichedelici ed acidi di Jimmy Hendrix. Robert Plant esalta l'immagine del rocker edonista, che non predica il mal di vivere bensì il vivere male, è un angelo con un microfono ma dalla profonda carica sessuale, dotato di una grande estensione vocale, sempre pronto a fottersi la prima donna che passa per poi arrivare fino alle lacrime quando decide di lasciare la sua amata. Bonzo Boham, uno schiacciasassi dietro le pelli, un furia da domare (sia con le bacchette in mano sia senza). John Paul Jones, grande tastierista e bassista di classe, vero elemento di equilibro del gruppo.
La differenza tra i Led Zeppelin e gli altri gruppi è questa: gli elementi. I Rolling Stones avevano un grande guitar hero ed un frontman carismatico ma sono sempre stati un gruppo legato al rhythem&blues, Jimmy Hendrix aveva una classe ed una personalità troppo forti per poterle dividere in una band, gli Yardbirds (ed anche i Cream) erano un gruppo troppo legato al blues.
Ed ecco perchè con questo disco possiamo parlare tranquillamente di un nuovo genere che, se pur nella sua apparente rivoluzionarietà, non fa altro che unire ed estremizzare diverse componenti: l'hard rock.
Si parte con Good Times Bad Times. Il primo minuto è suonato come una classica band appartenente alla British Invasion: buon ritmo e ritornello orecchiabile. Ma già dopo il primo minuto e mezzo la situazione cambia drasticamente: Page piazza un assolo nervoso e tagliente al tempo spesso e tutta la canzone si snoderà tra le percussioni di Bonham e Plant che promette amore eterno (I'm gonna love you each and every day/You can feel the beat within my heart).
La seconda traccia, Bebe I'm Gonna Leave You, è già una ballata romantica (riadattamento di un pezzo scritto 20 anni prima da Anne Bredon). La canzone si divide in due parti che si alternano più volte tra loro. Si inizia con Page alla chitarra acustica che si adagia sul basso di Jones, Plant che cerca di spezzarci il cuore (Babe, Baby, baby, I'm gonna leave you. I said baby, you know I'm gonna leave you.). Ma nella seconda parte, Bonham si scatena, frustando la batteria in maniera impressionante dove Plant continua ad urlare come un ossesso alla sua amata (Baby, baby, baby.That's when it's callin' me. I said that's when it's callin' me back home).
Ho detto che i Led Zeppelin non fecero altro che unire ed estremizzare alcuni elementi già sviluppati da altre band? Bene, è il caso di You Shook Me, un pezzo scritto da Willy Dixion. Già Jeff Beck aveva realizzato una cover di questa canzone (non arrivava a durare più di 3 minuti). Ma questa è un altra storia. Un tipico un pezzo blues, con un Boham stranamente tranquillo ma preciso come un orologio, dove passano in rassegna prima la tastiera di Jones, l'armonica di Plant che si trasforma come per magia in un ipnotico interminabile assolo di un Page in stato di grazia. In tutto questo non poteva mancare la voce angelica di Plant che urla in modo isterico frasi con riferimenti sessuali abbastanza espliciti. (I have a bird that whistles/And I have birds that sing./I have a bird that whistle/And I have birds that sing).
Questi sono i Led Zeppelin, che ci piaccia oppure no, ma il fatto rimane oggettivamente innegabile.
Breve pausa. Siamo a Dazed And Confused, un pezzo scritto da Jacky Holmes già suonato nel '67 dagli Yardbirds. In questa quarta traccia si fondono blues, rock e musica psichedelica. Un pezzo oscuro, indemoniato, dove nella parte centrale Jimmy Page usa addirittura un archetto per suonare la chitarra con un Plant al limite della misoginia (Lots of people talkin', few of them know, Soul of a woman was created below).
Your Time Is Gonna Come è una ballata melodica con un leggero accento folk, dove Plant riesce a dimostrare di aver una bella voce senza dover per forza urlare. Anche Black Mountain si muove in punta di piedi, tra le soffici percussioni di Bonham e la litania acustica di Page.
Ma con Comunication Breakdown il tiro dell'album torna sui livelli iniziali e la musica non cambia di un millimetro: sezione ritmica potente, Plant isterico sempre alle prese con problemi di cuore e un Page che si destreggia tra mille riff.
La successiva I Can't Quit You Baby (anche questo di Willy Dixon) è, dopo You Shooke Me On, un'altra ballata blues. Magistrale il duetto tra la voce acuta e disperata di Plant (Yes you did babe. Ohh/Said you know I love you baby/My love for you I could never hide) e i riff lisergici e infiniti di Page.
L'album si conclude con How Many More Times (altro riadattamento, questa volta di un pezzo di Howlin' Wolf), lunga cavalcata blues di otto minuti, dove la parte centrale riprende il suono dilatato di Dazed And Confused e le percussioni potenti di Bohnam la fanno da padrone. Il finale è tutto quello che di bello ci possa essere nel rock.
Alla fine del disco ci rimangono solo due cose: il silenzio è un possente dirigibile che vola nell'aria.

Sciarpi

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MC5 - Kick Out The Jams! (1969)

2009-04-07T14:11:00.002+02:00

Anno: 1969

Etichetta: Elektra

Tracklist:
1.Ramblin’ rose
2.Kick out the jams
3.Come together
4.Rocket reducer no.62 (rama lama fa fa fa)
5.Borderline
6.Motor city is burning
7.I want you right now
8.Starship

Gli MC5 (Motor City 5) sono stati sicuramente uno dei gruppi più influenti ed attuali di sempre, perchè con la loro miscela incendiaria di hard rock, protopunk e suoni valvolari, incarnarono più di tutti il trinomio “sex, drugs & rock n'roll” sia nell'aspetto che nelle sonorità, riuscendo a scatenare quelle reazioni a catena che tutt'oggi non si sono ancora fermate e, sperando che il dio del Rock non voglia, non si fermeranno mai. Tutta l'anima della band di Detroit è racchiusa in quell'urlo nell'apertura della title-track del disco, recitando come un inno alla ribellione e alla vita il titolo del disco live: kick out the jams!, giungendo un “motherfucker” che farà storia e che all'epoca venne censurato in tante esibizioni live. Socialmente pericolosi per l'America buonista, gli MC5 furono gli artefici di quel Detroit rock, anticipando movimenti come il punk, il garage, il noise e persino lo stoner rock: fuzz come se nevicasse, bordate devastanti, amplificatori che vomitano scariche di decibel e di musica aggressiva nonostante la loro semplicità di una band che creava canzoni e dischi con quello che c'era in circolazione, ma caricandolo di elettricità dissacrante, icoclasta e di scioccante irriverenza. Probabilmente uno dei migliori live della storia del rock, che potrebbe figurare benissimo affianco a dischi storici come Made in Japan dei Deep Purple o l'esibizione di Jimi Hendrix a Woodstock. La carica che si sente sprigionare lungo le tracce dell'album è maledettamente irresistibile, merito di un cantante dalla voce accattivante come Rob Tyner e dal groove tirato fuori dalle chitarre marce e graffianti dell'asse Kramer-Smith, la cui differenza con Ron Asheton degli Stooges è che quest'ultimo crea delle melodie più cupe e più distorte, mentre il nostro rimane affascinato dalla potenza e dalla voglia di sudare ed esibire il proprio egocentrismo in pose da macho delle sei corde. “Tirate fuori le palle, figli di puttana” è solo una delle traduzioni di un disco che si colloca tra i più importanti e tirati degli ultimi 40 anni, rimanendo il capolavoro indiscusso della band, vuoi perchè Back to the USA (1970) e High Time (1971) sono ideati e suonati in studio, mentre la jungla in cui si scatenano queste bestie dai capelli cotonati ed i pantaloni a stelle e strisce è proprio il palco, caratteristica comune di molti gruppi del periodo 1966-1976, che in sede live creavano jam lisergiche dilatando la canzone (come nel caso di Cream, Jefferson Airplane, Doors, Hawkwind, Pink Floyd), oppure aggredivano e azzannavano alla gola il pubblico (MC5, Iggy & The Stooges, led Zeppelin, Blue Cheer) o costruivano proiezioni ortognali sonore dove il barocco si poteva fondere con il gotico (come nel caso di Blue Oyster Cult o Black Sabbath), il neoclassico rinascevano ammantando la propria veste con il manto progressive e hard rock (King Crimson, Genesis o deep Purple). Insomma KOTJ è un manifesto di tutto quello che c'era e di tutto quello che ci sarà: guardate le registrazioni dell'epoca e noterete che due nomi come Omar Rodriguez Lopez e cedric Bixler Zavala hanno copiato il modo di stare sul palco del signor Tyner. Scordatevi il track by track, compratelo perchè: a) è un monumento, anzi pietra miliare come direbbero quelli di Onda Rock; b) costa intorno ai 10 € o anche di meno; c) è galvanizzante, vi risolve la giornata. Altrimenti potete pure andare a cagare e rimanere con i vostri gruppettini revival credendo che i Jet spacchino o che il garage rock sia nato nei '00.

Sgabrioz

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Cream - Fresh Cream (1966)

2009-04-06T15:19:00.003+02:00

Anno: 1966

Etichetta: Polydor

Tracklist:
1. I Feel Free
2. N.S.U.
3. Sleepy Time Time
4. Dreaming
5. Sweet Wine
6. Spoonful
7. Cat's Squirrel
8. Four Until Late
9. Rollin' and Tumblin'
10. I'm So Glad
11. Toad

1966. La date è importante, se non fondamentale per capire come il Rock, nel giro di 4 anni, cambierà totalmente diventando principe ed assoluto imperatore dell'universo musicale, relegando jazz e blues al ruolo di meri subalterni. Il Rock incendia e prende fuoco, come cantava Jimi Hendrix in "Fire", lui che di fuoco se ne intendeva come un piromane della scala musicale, un firestarter degli assoli che erano incandescenti come la sua strato sul palco di Woodstock nel 1967. Nel 1966 non avevano fatto ancora la loro comparsa a livello mondiale alcuni dei maggiori esponenti del rock: Jim morrison e Manzarek stavano ancora sulla spiaggia di Venice Queen, Robert Plant cazzeggiava in Uk, Lemmy imparava ad usare il basso nei suoi Hawkwind, Blackmore studiava nuovi assoli e John Michael Osbourne diventerà presto famoso col nome di Ozzy. In quegli anni Dylan era il dominatore incontrastato, c'erano Cash e i Beatles, gli Stones e i Blues Magoos: tutta gente che aveva a che fare, chi più chi meno, con il blues. E Fresh Cream è formalmente un album di blues revival: ha la struttura, la durata delle canzoni, i pezzi e le cover di grandi bluesman. E poi ci suona Eric Clapton, che usciva da due esperienze illuminanti come quelle con Yardbyids e Bluesbreacker di John Mayall., che gli avevano fruttato il titolo di enfant prodige del blues-rock, mentre a Londra i muri erano coperti dalle scritte Eric Clapton is God. Capirete bene che ci troviamo di fronte ad un gruppo eccezionale, uno dei migliori power trio che abbiano mai deciso di deliziarci con buona musica, se non fosse per il fatto che la loro influenza sui decennni a venire è immensa, e gruppi meno famosi inizieranno già ad emularli sin dal 1968. In tutto, dal basso di Jack Bruce, una delle voci più spettacolari degli anni '60, al ritmica di Ginger Baker, il primo vero drum-hero della storia, colui che fu capace di trasformare uno stumento da smeplice accompagnatore a coprotagonista: ascoltatevi Toad, un delirio di assolo di batteria. Ci sono anche tre cover, riarrangiate e rimescolate negli assoli e nella dinamica: Four until late, del maestro dei crossroads Robert Johnson, Rollin' and tumblin' di Muddy Waters, Spoonful del bassista Willie Dixon, I'm so glad di Skip James, e la ballata tradizionale cat's squirrel. Si tratta dunque di un disco a metà tra il tributo dei grandi del blues e per metà composto da canzoni nuove, catchy, tra il blues rock e l'acid blues, che nasce proprio in quegli anni con le esibizioni dal vivo dei Cream. L'aria che si respira è una continua esclation di felicità, emozione, senso di libertà e voglia di vivere (I'm so free, N.S.U., I'm so glad, wrapping paper) nonostante vi siano anche dei brani di pure e semplice sofferenza blues, accompagnati da riff eccezionali, voci e armoniche spettacolari, una batteria posseduta come se fosse la magia negra del voodoo a prendere il controllo degli arti di baker e costringerlo a suonare la musica del diavolo. Questo è uno dei capolavori del rock, per importanza, bellezza e seminalità, non esistendo un punto in cui la qualità cali o sia minore rispetto agli altri. Undici brani, undici perle che si incastonano nell'arazzo arabesco intrecciato dal rapsodo Clapton e dal cantante Bruce. Prendetevi questo lavoro, perchè solo sentendolo capirete come, assieme a Disraeli Gears, abbia avuto la sua importanza nel rock.

Sgabrioz

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Un intervento doveroso, per salutare due amici.

2009-04-05T17:14:00.004+02:00

Layne Thomas Staley (Kirkland, 22 agosto 1967 - Seattle, 05 aprile 2002)

Kurt Donald Cobain (Aberdeen, 20 febbraio 1967 – Seattle, 5 aprile 1994)

Blue Cheer - Vincebus Eruptum (1968)

2009-04-05T12:19:00.004+02:00

Anno: 1968

Etichetta: Polygram

Tracklist:
1. Summertime Blues*
2. Rock Me Baby**
3. Doctor Please
4. Out of Focus
5. Parchment Farm
6. Second Time Around

Parlare di rock duro, heavy, saturo e fuckin' loud non ha senso se non si rende il giusto omaggio, tributo e riconoscimento al power trio di San Francisco: quei tre ragazzi hanno avuto il grande merito di influenzare, molto prima di altri, l'intero panorama duro che vedremo fiorire dagli anni settanta in poi. Chiamateli proto-stoner o proto-metal, hard rock, acid rock o come più vi aggradata: fatto stà che Vincebus Eruptum è uno dei dischi più importanti della storia, sarebbe persino inutile dargli un voto perchè qua si è scritta la storia. Non vedetelo come un disco, ma come un documento che palesa il desiderio di rompere le barriere e di proseguire il lavoro intrapreso da Cream e Jimi Hendrix Experience, ma con una particolarità: elevare il volume, pompandolo verso limiti che all'epoca erano imprevedibili e considerati socialmente pericolosi. Le regole sono fatte per essere infrante: questo era il motto dei Blue Cheer, che non tollerarono mai la sigla "peace & love", tipica della cittadina californiana, pur essendo pacifisti e grandissimi consumatori di droghe leggere e pesanti. L'attacco di "summertime blues" è quanto di più cattivo, possente, ermetico ed impenetrabile possiate sentire nella fine dei '60: acido, devastante, spigoloso, destrutturato e pushato verso lidi sonori da cui non si può evadere, a meno che tu non ti chiami Papillon. Le sfuriate psicotrope, mischiavano il vecchio blues sul binario Clapton-Hendrix, prendevano la psichedelia e la imbottivano dii steroidi sotto forma di riff grassi e saturi, il tutto con uno spirito garage-protopunk come vedremo meglio nella scuola di Detroit. Rock Me Baby è la seconda revisistazione di un grande classico del blues americano, ma annichilendo ogni traccia della sofferenza iniziale, scegliendo la catarsi attraverso il pharmakon della distorsione e del feedback. Doctor Please è una canzone sull'uso delle droghe, concetto e universo esplorato dai Cheer in maniera completamente opposta a band dell'epoca come i Velvet Underground o i Jefferson Airplane. La vibrazione si fa costante, surclassando ogni tentativo di resistenza, concentrando nella forma canzone tutti gli effetti derivati dall'applicazione di dosi massicce di droghe sopra un brano che nasce blues ma si trasforma in un mostro mitologico e spaventoso, come il Leviatano. Out of Focus è la Magna Charta del suono appesantito e manipolato dagli effetti, carico del virus dell'hard rock e del metal alternando la grande prova canora del bassista Dan Patterson a ritmi serrati, creati dal batterista Paul Whaley, mentre le scorribande sonore della chitarra di Leigh Stephens compiono razzie e risultano dannose come uno sciame di locuste nelle fertili campagne africane. Parchment Farm e Second Time Around scolpiscono il nome del trio magico nei monumenti granitici della storia del rock, forti di una azzeccatissima combinazione di potenza, riff fulminanti, distorsioni strabordanti perchè il lavoro splendido di ogni singolo musicista è perfettamemente calibrato. Questa è la Bibbia del Rock. Non si sfugge.

[*originale di Eddie Cochran]
[** originale di B.B. King]

Sgabrioz

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Black Sabbath - Never Say Die! (1978)

2009-04-04T17:50:00.005+02:00

Anno: 1978

Etichetta: Sanctuary

Tracklist:
1. Never Say Die
2. Johnny Blade
3. Junior's Eyes
4. A Hard Road
5. Shock Wave
6. Air Dance
7. Over to You
8. Breakout
9. Swinging the Chain

Leggero come una piuma
Never Say Die! è l'album più leggero dei Black Sabbath, in assoluto. La sua essenza è ben catturata dal concept del veivolo, sviluppato nell'artwork. Due piloti in copertina, progetti aerospaziali all'interno. è l'aria che diventa musica. Qualcuno prima d'allora poteva mai immaginare i Black Sabbath a suonare come suonerebbe l'aria? Beh nel 1978 la band che inventò tutto (o quasi) inventa una versione dell'HARD rock il più leggero possibile, contaminato dall'elettronica, da innesti di piano e fiati, l'idea era quella di fare una musica che prendesse il volo. Non un album poppeggiante o lento, al contrario! Un album di canzoni energiche ancorchè leggere, così energiche che possono prendere il volo, verso chissà quali lidi, sicuramente lontano dalle origini del gruppo, lontanissimo dal suono torbido dei primi album, ma non ancora nel tunnel metallico che verrà dopo. Questo è un episodio assolutamente unico, l'ultimo con Ozzy, rientrato nella band dopo la morte del padre, al quale dedicherà Junior's Eyes, cambiandone il testo, originariamente cantato in una trasmissione della BBC da Dave Walker (Savoy Brown, Fleetwood Mac), che fu scelto come cantante dei Sabbath dopo il primo abbandono di Ozzy, e che quindi nelle sessions dell'album aveva già cantato diversi pezzi, che ora verranno quasi tutti ricantati da Ozzy, salvo il brano conclusivo dell'album (che lui si rifiuterà di cantare) che ora noi ricordiamo con la voce del batterista Bill Ward.

Uno shock per i fan
Se il rock radiofonico di Technical Ecstasy è decisamente troppo per i fan dei Black Sabbath, il troppo non è mai troppo per quanto riguarda Never Say Die!, considerato solitamente come tra i peggiori passi falsi di tutta la carriera dei Black Sabbath e il peggiore con Ozzy. Naturalmente non è così, anzi, fossero tutti come questo i passi falsi! Di certo non fu una scelta semplice quella di fare un album jazzy, perchè innanzitutto non erano anni in cui queste cose andavano per la maggiore, anzi, la moda del jazz rock era già in soffitta, il movimento era incominciato dieci anni prima, con i primi esperimenti sul caso fatti da Miles Davis, ed era andato via via ritirandosi dalla grande contaminazione anche in classifica, confinandosi in fenomeni sempre più di nicchia o risolvendosi in semplice musica da veloce intrattenimento. I Black Sabbath, alla faccia del fenomeno di costume passato alla storia come movimento punk, addirittura complicano le cose e riprendono la ricerca lasciata con Sabbath Bloody Sabbath. Avrebbero potuto fare un album più grezzo e semplice per rincorrere i gusti del mercato, e invece fanno un disco raffinato, per quanto raffinato possa essere un album dei Black Sabbath, e soprattutto un album di ricerca tecnica, come emerge nello sforzo di Tony Iommi di evolvere il suo stile, attingendo dal jazz, attingendo dai chitarristi prog, ed elaborando una sua sintesi molto personale, che poi è la mediazione tra musica tosta e ignorante e musica d'impegno tecnico che è il compromesso che sta alla base della nascita dell'heavy metal, come metallica è Shock Wave, canzone figlia di questa ricerca di Iommi, che infatti si lancia in un assolo bellissimo, tra i suoi migliori. Ancora meglio fa in Air Dance, un brano praticamente jazz rock (o fusion come si dirà dopo), in cui Ozzy si sente esageratamente fuori luogo, la sua voce è anche di troppo in un pezzo dove le linee melodiche sono già ben sviluppate da quell'intenso e caparbio scambio di assoli tra tastiera (che vedremo ricoprire un ruolo fondamentale nel disco) e chitarra, ora elettrica, ora acustica, ora contenuta o arpeggiata, ora devastante e pronta a prendere pieghe imprevedibili, percorrendo strade mai battute fin ora da band HARD rock, facendo uno sforzo di inserire questa musica di fusione in un contesto duro e pesante che non è facile da inacidire e deviare in questo modo, se non a costo di tirarsi addosso tutta la critica dei fan più oltranzisti, che (e sarebbe paradossale) poi però magari apprezzano l'esperienza dei Cynic, di quindici anni dopo, e non colgono la potenza della suggestione della fusione tra pianista classico(e che suona come tale) e band HARD rock in Over To You, dove tra riff pienamente sabbathiani e la linea a la Chick Corea & Return To Forever di piano e basso corre un abisso, un abisso di fascino.

Tra memoria e ricerca
Never Say Die è allo stesso tempo sulla scia del facile ascolto del precedente Technical Ecstasy e la prova è nell'hard rock in versione leggera come nella posata A Hard Road, o nella più swing n roll Never Say Die, agile e leggero brano d'apertura, che mostra sin da subito il loro approccio più morbido ai brani più movimentati, Iommi, distorto e caciarone fa da pulvisolo atmosferico e la sezione ritmica, sempre brillantissima nel disco, fa da motore per questa grande aeronave che si regge sulle ritmiche possenti e molto dinamiche di Butler e Ward.
Johnny Blade è impreziosita dalla presenza di Don Airey suona le tastiere, fondamentale e addirittura necessario a questo nuovo modo di suonare dei Black Sabbath, che integrano al meglio il loro rock molto melodico all'elettronica dei synth, qua usati molto più consapevolmente che in passato, proprio per rimarcare quell'aspirazione aeriforme di questa nuova incarnazione del gruppo. Il brano si regge su una bellissima ossatura tra batteria di Ward, qua molto ispirato al jazz, come nei primi due album, e il sintetizzatore di Don Airey, che fanno insieme una bomba allo stesso tempo molto orecchiabile e quasi futuristica, molto diversa da quanto fanno fin ora dai Black Sabbath, in parte un degno seguito di Sabbath Bloody Sabbath. Don Airey è grandioso quando escogita intarsi di solismi di pianoforte nell'unico lento, tra l'altro atipico, dell'album, Over To You. Ugualmente jazzy è Junior's Eyes, dove emerge un grandissimo Butler, e un Tony Iommi molto sottile e atmosferico, molto più agile e meno ingombrante che in passato, qua non fa da corpo massiccio della canzone, ma da abbellimento e da elemento di raffinazione, pur nella pesantezza dei suoi assoli, che non tardano ad arrivare, più leziosi e aggrovigliati che nei primi album, e a propagare le loro onde affascinanti sul rimbombo dello straordinario giro di basso di Butler, fino al bellissimo finale dove tutto si appiana in una sorta di trionfo paradisiaco, a sottolineare l'idea di ascensione e passaggio attraverso il cielo. L'elemento dell'aria , come vedete, ritorna sempre, anche quando a bucare l'aria è una persona che, come un lampo, fugge via, e lascia per sempre questo mondo.
Un album malinconico: il tema della perdita di una persona cara è parallelo e complementare alla perdita di se stessi, come la ballerina della tenera Air Dance, ormai solo un ricordo lontano nei pensieri di una anziana signora, che però ancora balla nell'aria, nell'immaginiazione. Leggiadra, nell'aria, è la chitarra di Iommi a fare cose meravigliose e suggerire visioni eleganti all'ascoltatore, come una danzatrice, sulle code della chitarra. E si riscopre il valore della memoria e degli affetti. Poi c'è la frustrazione dell'uomo moderno nell'allegoria del killer di Johnny Blade; chi è la vittima e chi il carnefice? E allora torna il tema dell'emarginazione, torna il tema della violenza e dell'origine dei mali sociali, anche con una velata critica alla criminologia liberale. Non sono più le tinte gravi e truci dei primi Sabbath a dominare i testi, ma metafore più sottili, come questa "Life becomes the singer and the song, sing along", ma il messaggio non è solo di sconsolata malinconia, ma pure un inno alla vita e alla voglia di riprendersi, come dice la title track. Quasi che ora la contrapposizione con l'idea della prossimità alla morte sia un modo per celebrare la vita, sia guardando al futuro, sia rielaborando la memoria.

Una sezione di fiati per i Black Sabbath
Un chiaro rifacimento di Miles Davis sembra invece Breakout, dove troviamo una sezione di fiati la cui parte è arrangiata da Will Malone, un perfetto stacchetto di quasi tre minuti che confermano la visione jazzistica di quest'album, seppur sempre legato a un concetto molto oscuro della musica, e infatti questo pezzo fa solo da intro alla cattiva Swinging The Chain, cantata e suonata da Ward, e con uno Iommi che gioca a fare l'americano, e per giunta sudista, e irrompe in un devastante scambio tra cavalcate elettriche di chitarra da infarto e risposte di tromba, tutto perfettamente incastonato in una grandissima prestazione alla voce del batterista, che si conferma un ottimo cantante, buon interprete di questi Black Sabbath, che cono un buon riassunto di un decennio che volgeva a termine (e che loro nel 1969 avevano già battezzato col fuoco), tra brevi richiami alle loro origini, richiami al blues, richiami al progressive e al jazz rock, tutto il rock degli anni settanta, o quasi, tra scantinato e successoni da classifica, in soli nove brani, che sono sia una celebrazione della grandezza del decennio, sia un modo per coglierne le contraddizioni, la varietà e l'infinita ispirazione che ha saputo dare e che ancora darà a noi tutti.

Ozzy lascia i Black Sabbath, definitivamente, gli anni settanta sono veramente finiti.

John

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Black Sabbath - Technical Ecstasy (1976)

2009-04-04T14:27:00.004+02:00

Anno: 1976

Etichetta: Sanctuary

Tracklist:
1. Back Street Kids
2. You Won't Change Me
3. It's Alright
4. Gypsy
5. All Moving Parts (Stand Still)
6. Rock 'n' Roll Doctor
7. She's Gone
8. Dirty Women

Robot sulle scale mobili
Quest'album non piacerà facilmente a chi segue i Black Sabbath. Ancora meno a chi è interessato specialmente al loro primo decennio, e non tanto perchè esso sia in qualche modo un anticipo della loro evoluzione negli anni '80, tutt'altro! Nella sua unicità, l'episodio di Technical Ecstasy si discosta sia da ciò che lo precede, sia da ciò che lo seguirà a distanza di quattro anni. In un certo senso la passione per le atmosfere a la Queen, un po progressive, un po pop, e alquanto melodrammatiche, qua vede un exploit più razionalizzato che nel precedente Sabotage, e ne rappresenta la versione più ripulita e che, pur continuandone il discorso, è come se fosse il giorno che segue alla notte. Un album a suo modo "pulito", quindi non solo diverso nello stile, dal periodo classico (capostipite del doom) dei Black Sabbath, ma diverso proprio nel mood, qua più da usurate rockstar (con i loro drammi e le loro manie) che da pifferai malefici. Tony Iommi qua prende le redini del gruppo, e si carica addosso la sua relativa stanchezza, per fare un album praticamente tutto incentrato sulla sua crescita come chitarrista e come compositore. Gli orizzonti dei Black Sabbath si ampliano a dismisura. E questo spiazza i fan del loro primo periodo, spiazza soprattutto Ozzy, che dopo questo disco lascia la band (salvo poi ripensarci dopo qualche mese, tornare e poi andarsene di nuovo).
Da segnalare pure l'artwork(non solo copertina) bellissimo di Kipper Williams, che già aveva collaborato coi Pink Floyd. Due robot che si sfottono. Non solo è un elemento di modernità, ma è la prima volta che i Black Sabbath sdrammatizzano su questo tema. Il loro problema adesso non è più quello della guerra e dell'apocalisse nucleare, loro parlano della solitudine(ricordate "Solitude") ma la solitudine della rock star, l'unica che può capirli è una puttana trovata per strada nei vicoli di una città che dorme. Che la rock star non sia molto diversa da una puttana?

Progressi e aspettative, ecco le canzoni
La vigorosa Back Street Kids, mostra la miscela di proto-metal - sintetizzatore - ritornello pop che è il vero esperimento radiofonico dei Black Sabbath, l'hanno già fatto in Sabotage e riprovano ora, con un pezzo che sintetizza meglio le diverse prove fatte in Sabotage, cercando di sintetizzare al massimo i diversi filoni percorsi, e il risultato è potente, molto moderno per quei tempi, già praticamente cinque anni avanti e più. Altro che "Am I Going Insane". La voce i Ozzy e più cattiva, maturata rispetto al tormento degli album precedenti, e anche essa curata con suoni più metallici e rigidi.
You Won't Change Me è l'unica che nell'introduzione conforta, con un riff che sembra provenire ancora dai primissimi Black Sabbath, quelli dei primi tre album, per poi mostrare ancora più chiaramente il tempo che è passato, sostenendo quell'incedere marziale e lento con il suono di un organo che pompa la chitarra di Iommi, tutto immerso in un ambiente sintetico; tutt'un tratto quella introduzione tetra diventa una possente e malinconica ballata, con il chitarrismo ingombrante e statico di Iommi che si sposa perfettamente con l'organo: sembra di sentire una cattedrale che prende vita e inizia a muoversi, lentamente, trascinando a fatica i suoi marmi, e quando le pietre stridono e si sbriciolano provocano rumori assordanti, quei rumori che non sono altro che quel rombo di Iommi che decora questa meraviglia architettonica con le meraviglie della sua chitarra, ora agile ed elegante, nel buio di una notte che sembra tradire misteri inquietanti. In effetti questo disco è tra i meno Ozziani di tutti, ed infatti è più che altro l'inizio del grande show del baffuto chitarrista, e non è nemmeno sempre Ozzy a cantare, per esempio in It's Alright canta Bill Ward, tra l'altro mille volte meglio di quanto avrebbe potuto fare Ozzy. Un lento mezzo elettrico e mezzo acustico. Ed è il secondo lento consecutivo. Qua Iommi strega chi ascolta con una bellissima fantasia di chitarra, prima elettrica poi -sublime- in veste acustica, parzialmente ispirata al flamenco ed influenze classiche. In pratica l'accoppiata elettrico-acustico di "Symptom Of The Universe" sintetizzata senza l'espediente del brano sdoppiato in due fasi, e... in un lento, questo è il bello, per la prima volta ci sono due lenti consecutivi, due pezzi che sono fondamentali per l'economia e il senso dell'album stesso. Sul finire del lato B, spicca un'altra perla di malinconia, She's Gone, dove la voce e l'essenziale chitarra acustica sono questa volta dotati di un accompagnamento orchestrale. Sul versante più hard, certo troviamo episodi molto validi, anche se nessuno proprio cattivo, a meno che non ci si vuole accontentare delle accelerazioni repentine all'interno di Rock 'n' Roll Doctor ; infondo ci sono solo belle canzoni fatte ad arte, senza le atmosfere oppressive di Sabotage ed i suoi lunghi lamenti intricati, e quindi ci si potrà stupire al massimo con qualche colpo di classe che fa la differenza, come quel giro di basso di Butler in All Moving Parts (Stand Still) che in pratica decide tutto il pezzo, o quella trovata del ritmo gitano nell'introduzione di Gipsy, estremamente percussiva, specie nell'uso del piano, quando non fa da contrappunto per le scorribande di Iommi.

Uno sporco lavoro per sporche donne
Il problema del disco è che difficilmente una persona che cerca un prodotto del genere andrà a cercarlo in un album del Black Sabbath, non altro. Non c'è nessun altro difetto oggettivo, almeno per gli amanti dell'hard rock puro, che qua da saggio di se in tutto il suo splendore, almeno in un pezzo degno dei classici hard prog di Sabbath Bloody Sabbath, Dirty Women, un appassionante giro in avvitamento libero su se stessi, in una corsa folle ed ebbra di vita, accompagnati da un Ozzy più trasportato ed enfatico che mai e dal più classico Iommi che dirige e sconvolge il pezzo trascinandolo per sette minuti in una pozza di petrolio, per poi accenderla e farle prendere letteralmente fuoco in un assolo che non vuole veramente finire mai. Da lacrime agli occhi. Puttane ok, ma come son bravi loro a fare questi lavoretti, non è bravo nessuno.

John

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Black Sabbath - Sabotage (1975)

2009-04-03T16:21:00.005+02:00

Anno: 1975

Tracklist:
Hole In The Sky
Don't Start (Too Late)
Symptom of the Universe
Megalomania
The Thrill of it All
Supertzar
Am I Going Insane (Radio)
The Writ/Blow on a Jug

Sabotage è un album contraddittorio, mosso da spinte opposte e divergenti. Sabbath Bloody Sabbath rappresenta la massima espansione artistica dei Black Sabbath, e il suo seguito in parte prova a proseguire l'esperimento incominciato, in un certo senso estremizzandolo (Megalomania) o provando a riassumere le diverse anime di Sabbath Bloody Sabbath in pezzi singoli (Symptom Of The Universe), in altri pezzi pecca di troppa orecchiabilità e di totale asservimento al dictat del progressive imperante, Am I Going Insane (Radio) (uno dei peggiori brani dei Sabbath) è orientato sui sintetizzatori più di qualsiasi cosa presente sull'album precedente, ma svilito su una forma ripetitiva e stancamente radiofonica, troppo poco ardito per essere un atto di rottura verso le tensioni delle case discografiche, più che altro segno di un gruppo che ormai non voleva fare più paura a nessuno. I tempi di Master Of Reality sono lontanissimi in tutti i sensi, forse questa è già un'altra band, ormai completamente sbilanciata, tutta su Iommi, e ormai corrosa da divergenze che porteranno alla crisi e a un interminabile era di instabilità della line up, fino al colpo di mano di Iommi. Ozzy lamentava l'aver perso l'immediatezza di un tempo e la pesantezza del lavoro di produzione in studio, e con esso, naturalmente, questi suoni, che non conoscono vie di mezzo e vengono fuori o patinati e schematici (Am I Going Insane e l'imbarazzante scontatezza di Hole In The Sky) o ricadono nell'estremo opposto (vedasi le due quasi-suite Megalomania, oltre dieci minuti, e The Writ, oltre otto minuti a parte l'inutilissima ghost track di 20 secondi di parodia registrata a bassissimo volume).

Emblema delle contraddizioni di Sabotage è l'ottimo dualismo di Symptom Of The Universe, per metà abbondantemente heavy metal (se non quasi thrash), con un Ward dinamico e calato nella canzone nei paranoici esordi, uno Iommi a dir poco onnipresente, capace di fare tutto, con un lavoraccio di riffing che è la fine del mondo, uno degli assoli più belli di questa fase, bello freddo, e poi immenso nella seconda parte del pezzo, tutta acustica, quasi un momento a se, opposto al primo, un divertimento per il baffuto chitarrista, che inizia a scoprirsi cultore del virtuosismo, affascinato dal flamenco e dal progressive, e ora autore di un lungo passaggio acustico emozionante e ben contrapposto alla freddissima introduzione heavy.
Questo dualismo, e questa doppia anima di Sabotage, si esprime in un album che va costantemente in due direzioni diverse, sfidando la banalità con l'intermezzo medievale da autorecicaggio (il minuto scarso di Don't Start Too Late), e il secondo intermezzo anche esso medievaleggiante che si avvale pure di un superarrangiatore, Will Malone che dirige l'English Chamber Choir in un canto gregoriano per la prima volta inserito in un pezzo hard rock (Superztar, una noia mortale).
Sul fronte opposto The Writ è un esperimento horror ben riuscito (pur sempre mero intrattenimento rispetto agli esordi), una lunga e variopinta commistione tra belle line melodiche e qualche bella idea (specie le nuances acustiche sul finale) per inscenare un clima inquietante e tetro, qualche piccolo effetto speciale per renderla più ambient possibile (almeno per i canoni hard rock - prog dell'epoca), estroversa e scenografica come un musical, conia una nuova forma espressiva dei Black Sabbath, che ritroviamo in Megalomania, un altro pezzo molto lungo e visionario, strutturato come una suite progressive ma "pop" come uno spettacolino teatrale, con un bel pianoforte che interviene per il cambio di scena, tutto ovviamente trainato dal regista Tony Iommi, una vera e propria fabbrica di idee, e poi ancora coretti e refrain che si impromono facilmente, quasi da show televisivo, per un Ozzy sempre più graffiante e padrone delle scene più che curato nelle sue prestazioni, comunque mediamente più elevate tecnicamente. Ovviamente, come ci si aspetta, poi c'è un finale in grande stile, tutto come previsto, tutto un ricamo ultrabarocco per un gruppo che è nasce e muore come l'esatto opposto del barocchismo, e quindi il risultato va un po preso per quello che è, un esperimento, una bella canzone, ma nulla che lascia il segno.
Diverso è il discorso per Thrill Of It All, che trova la sua bellezza nel suo essere perfettamente a la Sabbath Bloody Sabbath: molto tecnica, melodia sinuosa, chitarra avvolgente e che si muove a spirale, tanti momenti solisti emozionanti, sintetizzatori nella giusta musura, epica e pathos, progressione e cambi di ritmo nel momento più toccante, tutti fanno il massimo, tutti si distinguono, con stile e raffinatezza, tutto nelle giuste musure. Piccola parentesi equilibrata e intelligente in un album dilaniato dai contrasti.

John

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Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath (1973)

2009-04-02T14:23:00.005+02:00

Anno: 1973

Etichetta: Sanctuary

Tracklist:
Sabbath Bloody Sabbath
A National Acrobat
Sabba Kadabra
Killing Yourself To Live
Who Are You
Looking For Today
Spiral Architect

Il senso della vita, la morte
Un uomo straziato e tormentato nel suo letto, attanagliato da demoni spaventosi, si dimena, prova a difendersi, ma è stritolato dalla morsa di un serpente, soffoca. Su di lui incombe una presenza malvagia che sembra risucchiarlo. Questa è la copertina, e questo è il senso del disco: il tormento, la lotta tra bene e male, il lavoro interiore. The end begins to show, recita la traccia che epre da titolo al disco. I cancelli della vita sono chiusi su di te, e non c'è ritorno, quindi l'idea dell'ineluttabilità della morte, che è il senso ultimo del perchè del genere doom e dei Black Sabbath, e infine il passo più significativo di tutti: speri che le mani del destino possano portare via la tua mente e non ti interessa se non vedrai ancora la luce del giorno. Così tornano le Hands Of Doom a rapire la mente, portarla lontano, farla diventare padrona della realtà, anche se il prezzo è non vedere più la luce del giorno, come si ribadirà poi in seguito con Killing Yourself To Live, che però non è banalmente una sorta di manifesto musicale al suicidio, ma una aspra critica al suicidio quotidiano tra falsità (qua si ricorre alla metafora dei colori, e la metafora del su e giù) e sacrificio, per poter scendere costantemente a compromessi, anche a costo di annullarsi. Morire, anzi, prendere coscienza della morte quotidiana, e dell'inevitabilità della morte, diventa il senso della vita.

La svolta definitiva e l'ultimo grande successo
Sabbath Bloody Sabbath è l'album di una band calata nei tempi, che sa sfruttare le tecnologie a sua disposizione, che non segue le mode ma non se ne frega del tempo che passa e dei gusti che cambiano e soprattutto, non vuole mai ripiegare su forme già usate nei dischi precedenti. L'album viene fuori da una lunga stagione di blocco creativo che aveva immobilizzato sul letto la band, vuoi per le mille dipendenze da alcol e altre sostanze (l'esperienza di Geezer fu la più dolorosa, visto che fu ricoverato, e quel letto della copertina inizia ad assumere un senso molto più concreto), vuoi perchè la scossa vincente doveva ancora arrivare, e questa fu data dal memorabile riff di Sabbath Bloody Sabbath. I Black Sabbath si salvarono dallo strangolamento dell'inattività e ripartirono da dove avevano smesso, per preparare il loro album che corona il periodo classico della band.
Con il quarto volume, e ancora di più con questo Sabbath Bloody Sabbath appare sempre più palese quanto Master Of Reality fosse stato solo un episodio isolato, e che i Black Sabbath (Tony Iommi) erano interessati a una formula sempre più orientata al progressive, coltivando tra l'altro quei "semi" di progressive presenti già in Paranoid, ora sviluppati con maggiore voglia di sperimentare e con aspirazioni anche melodiche completamente inedite, molto più chiare che nel quarto volume, e soprattutto ancora più concrete e "perfette": soli 8 brani, nesun riempitivo ne introduzioni, intermezzi o altro, 8 pezzi secchi secchi, tutti compiuti e tutti assolutamente necessari, tant'è che se ce ne fosse uno in meno cadrebbe tutta la fine architettura di questi Black Sabbath. Questi Black Sabbath, è bene dirlo, non li ritroveremo più, perchè così non suoneranno mai più, e perchè la maggior parte del pubblico si fermerà qua ad ascoltarli e non si spingerà oltre. Sabbath Bloody Sabbath fu il loro ultimo grande successo commerciale, secondo solo alla prima triade a livello di vendite, pur essendo un disco solo per una metà più accessibile e levigato, e per un'altra metà del tutto diverso da quello che un fan si poteva aspettare.

Le ambizioni progressive di Tony Iommi
Sabbath Bloody Sabbath può avere due chiavi di lettura, la prima è quella del disco prog. Da prendere con le pinze, perchè non è prog fino infondo, ma è più che altro il segno dell'aspirazione prog dei Black Sabbath, ossia di Tony Iommi. E non è di poco conto questa precisazione, perchè anche questa maggiore spinta verso questo sound è segno che le redini della band le stava prendendo il baffuto chitarrista, inventore del sound sabbathiano, dei riffs tra i più memorabili della storia, ispiratore dell'heavy metal, doom e tutto l'hard rock a venire, e ora fautore di un tentativo di reinventare innanzitutto se stesso, vuoi perchè nel disco si propone anche al piano e tutto quello che capitava sotto mano, vuoi perchè sembra suonare diverse chitarre e non una sola come in passato. Master Of Reality era un capolavoro di intransigenza e musica monolitica, Sabbath Bloody Sabbath, la sua antitesi, è una grande prova di uno Iommi vario e che da tozzo diventa estremamente melodico, vario, sia in veste elettrica, sia in veste acusica, e non solo per utilizzare l'acustica come riempitivo, ma capace di intrecciare strutture complesse, ora barocche ora semplicemente arrangiate alla grande, tutt'altra storia rispetto al passato, tutt'altro chitarrista, che ora viene fuori con tutte le sue lune e i suoi contrasti, ma pure con gli inevitabili contrasti col resto della band, per ora perfettamente composti e sintetizzati nel disco.
Sempre in base a questa prima lettura, possiamo individuare quattro pezzi di una eleganza mai vista dei Black Sabbath, quattro raffinatissime composizioni finemente curate, e sviluppate sia nei riffs granitici come sempre (come nel cupissimo rallentamento nel bridge), ma anche spalmate su melodie d'ampio respiro, leggere, cangianti ed eteree, come in Sabbath Bloody Sabbath, che già col titolo richiama l'attualità (bloody sunday) pur proponendo un testo intimista e dai contenuti ricchissimi, il vero emblema della nuova formula, sempre stridente, con tanto di basso fuzz di Geezer che tuona e spruzza una sorta di inchiostro di china nero sullo sfondo sul quale si muove una scena rinnovata, più fresca che in passato, dove Ozzy sembra finalmente più umano più musicale, e Iommi stende sull'intelaiatura percussionistica di Bill Ward un moto ascendente nel finale, simbolo della vita che prende il volo. Il volo della vita, dalla cellula embrionale al futuro, è proprio l'immagine di panico sublime che si ha con A National Acrobat , e qua lo slancio è ancora più esplicito con una sezione ritmica jazzata e Iommi che parte in due solos non complessi ma temerari, il primo forse è tra i suoi più originali, segmentato come fosse un'elica, il secondo stacca completamente col pezzo e spinge avanti a tutta velocità (crescente), come fosse un propulsore. Killing Yourself To Live esprime le frustrazioni di Geezer durante il lungo periodo del suo ricovero per epatite, ed è l'episodio più melodico di questa versione hard-prog dei Sabbath, con Ozzy disinvolto e capace di una interpretazione che supera anche i suoi evidenti limiti tecnici, anche lui, come Tony mette le mani sul sintetizzatore, e ne viene fuori un pezzo plastico e sinuoso, più colorato e slanciato di qualsiasi cosa mai fatta prima dai Black Sabbath, un vero e proprio lampo di luce, con una parte solistica di chitarra a dir poco esaltante, avvolgente che riempie tutti gli spazi invece di spezzare il ritmo serrato. Iommi stende il colore, Iommi ricama, Iommi perfeziona e mette a punto il prototipo di brano sabbathiano-orecchiabile che sarà uno standard per il futuro, il vero punto di passaggio tra le loro canzoni iper-ritmiche e l'era della ricerca melodica che in fin dei conti sarà la negazione delle origini quanto l'approdo a nuove forme espressive. Si spinge ancora più avanti Looking For Today, che in più ha (scusate se è poco) delle aperture acustiche straordinarie e intermezzi di flauto e organo, tutto by Iommi, tutto atmosfera, solo che se i primi Sabbath li ricordiamo per le atmosfere cupe e orrorifiche, questi Sabbath si fanno ricordare per atmosfere più ambigue, plumbee ma di sicuro non oscure, ricche di sfumature e di ambivalenza, parte per parte ricavata grazie a contrasti studiati e ricercati.

Il lato sperimentale
La seconda chiave di lettura è offerta da altri quattro brani molto diversi dai precedenti, ugualmente influenzati dal prog, più che altro sulla strumentazione, e nelle atmosfere, prima che nella produzione curatissima e moderna. Questi quattro pezzi si alternano a quelli di prima e ne sono in un certo senso il volto segreto, più diverso in un certo senso sperimentale.
La strumentale Fluff, è frutto maturo di sperimentazioni acustiche che vanno avanti da tre album, mentre però in Master Of Reality c'erano due intermezzi acustici, uno folk e uno medievaleggiante, nel quarto volume c'era già una bella canzone strumentale, Laguna Sunrise, tutta esotica, una sorta di devertissement però, tutt'altra cosa rispetto a Fluff che elabora una sintesi straordinaria tra suggestioni caraibiche e sonorità prese dalla musica barocca, infatti Iommi si mette alla prova con steel guitar, piano e harpsichord, strumenti che presi in modo isolato provengono da storie e geografie molto diverse, accompagnato solo da Geezer e nessun altro, per quasi cinque caldissimi minuti sfumati e meditativi.
Sabba Cadabra è un brano ingannevole, perchè pare quasi il pezzo più sempliciotto del lotto, semplice rocknroll grezzo e aspro, e invece si rivela un'arma a doppio taglio, e quell'inzio così gradasso è solo un modo per aprire una ferita da leccare lentamente, man mano che i tempi inziaiano a cadenzarsi e si apre un varco di eleganti sperimentalismi melodici dove Ozzy mostra tutte le facce del suo nuovo poliedrico abito tecnico e la band sfoggia un complesso e strutturatissimo intreccio delicato di sintetizzatore e pianoforte ad opera di Rick Wakeman degli Yes, ospite d'onore del disco.
Vistosamente anomala è Who Are You, semplicemente i Black Sabbath in versione synth rock. Tutto a la Black Sabbath, ma con una strumentazione cambiata, tutta tastierosa, tra moog, mellotron, timpano, e piano, tutti con la tastiera in mano, tutti pronti a stravolgere i luoghi comuni sui Black Sabbath, reinventando se stessi, diversa sostanza ma la stessa forma, ora eletrronica e allo stesso tempo retrò, per giocare sul concetto di identità, proprio in un pezzo che verte su questa problematica.
Spiral Architect è una nota malinconica a conclusione del disco, un lungo lamento di Ozzy che poggia su una versione sabbathiana e quindi fondamentalmente tristissima del rock classicheggiante (che di certo non nasce con questo pezzo), ossia una ballata con super-arrangiamenti sinfonici in cui non si risparmiano timpano, doppio basso, e uno Iommi che si divide tra chitarrista classico e suonatore di cornamusa, menestrello di un medioevo postmoderno fatto di eugenetica e incubi tutti inediti e immagini terrificanti, come gli imprenditori di pompe funebri che operano meccanizzati, sincronizzati, quasi in vista di una morte sistematica (controllata -scientificamente- si intende), il cielo è ora "a spirale", ora innevato di nero, i padri che piangono per i figli, segno di una totale sfiducia verso il futuro (alla faccia del no future prossimo venturo). Un secolo tutto nuovo e progredito, ma fondamentalente superstizioso. Ma dopo questo terribile lamento c'è sempre spazio per una soluzione, seppur velata La risate, l'amore che tocca mi sta mostrando la via, perchè al dilà di tutto forse è possibile cercare un messaggio di umanità, di ricerca interiore e che so, di speranza anche nei momenti più bui: Ho guardato sul mio cuore e ho sentito là il calore.

John

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UNDERGROUND ATTACK – Rock&Dintorni COMPILATION VOL. 2

2009-04-01T19:31:00.007+02:00

Il forum di Rock & Dintorni è fiero di presentarvi il secondo volume della compilation "Underground Attack". A distanza di un biennio ritorna l'iniziativa volta a pubblicizzare e diffondere, in maniera assolutamente gratuita, il verbo underground italiano, trovando sin da subito l'appoggio di gruppi più o meno famosi del panorama nazionale tra i quali Thrangh, The Orange Man Theory, Å (e molti altri), riscuotendo un buon successo nel circuito di Forumfree. E' con orgoglio che siamo riusciti a mettere a disposizione anche il seguito, Underground Attack Vol.2, cercando di assemblare una compilation che unisse le varie realtà italiane partendo dallo stoner/hard rock, passando dal metalcore e dal crossover per arrivare al post rock. Siamo convinti che il risultato sia ottimo, vi auguriamo quindi un buon ascolto sperando di vedervi anche sul nostro forum! A single road to follow...

Tracklist:
1. Deportivo La Bonissima - Oltre Il Buio
2. Lleroy - Breeder
3. Thin Wire Unlaced - Season
4. Godwatt Redemption - Death Generator
5. Stoner Kebab - Saint George
6. Monsterpussy - Bluola
7. Zippo - El Sitio
8. Daphne - Farewell My Concubine
9. Venezia - Il corpo e l'abisso
10. Berna Park Hotel - Surfjazz To Bloody Polynesia
11. Oink! - Cammariere
12. Chemical Marriage - Just A Taste
13. Three Eyes Left - Reveal The Nothing Man
14. Into My Plastic Bones - Camel Tsunami
15. Attic - So Sick And Cold
16. Neil On Impression - Barone

LINK AL DOWNLOAD:

- Diretto (Altervista): http://rockedintorni.altervista.org//YDownKount/download.php

- Rapidshare: http://rapidshare.com/files/212704570/Underground_Attack_Vol.2.rar.html

- Megaupload: http://www.megaupload.com/?d=V1TF1EPV

Se la compilation risulta di vostro gradimento, ma anche per critiche e proposte di vario genere, visitate il nostro FORUM, che tra l'altro è uno dei più visitati ed apprezzati in Italia per quanto riguarda il Rock, trattato in tutte le sue sfumature, da quello più classico ai suoni più estremi. Siete liberi di pubblicizzare e condividere la compilation quando e dove volete, ricordate soltanto di menzionarci e di aiutarci ad acquistare più visibilità. Un sentito ringraziamento a tutti i gruppi, le etichette e le persone che hanno collaborato!

Lo Staff di Rock e Dintorni.

Black Sabbath - Vol. 4 (1972)

2009-04-01T18:28:00.005+02:00

Anno: 1972

Tracklist:
1. Wheels of Confusion
2. Tomorrow's Dream
3. Changes
4. FX
5. Supernaut
6. Snowblind
7. Cornucopia
8. Laguna Sunrise
9. St. Vitus Dance
10. Under the Sun

Master Of Reality al dilà dell'indiscutibile valore storico e creativo, non era stato altro che un'opera di autocelebrazione dei Black Sabbath, giunti al terzo disco, ormai consapevoli delle loro armi, e sicuri di sbancare anche senza rilasciare singoli e senza strizzare l'occhio a nessuno. Tuttavia nessun pezzo stravolge quanto inventato nei primi due album, anzi, per certi versi c'è una sorta di appiattimento della formula su brani il più rozzi e tozzi possibile, eccetto una Solitude, che non è che stravolga più di tanto le atmosfere di Planet Caravan (che resta insuperabile).
Volume 4 con le sue luci ed ombre invece, su tutti gli aspetti è una operazione estremamente rischiosa. è pur vero che si tratta di un disco più radiofonico (vedi Changes), e che si torna in questa sede a rilasciare singoli (Tomorrow's Dream trascina l'album verso tre dischi di platino tra USA e Regno Unito, ma sempre meno della scorpacciata degli album precedenti e del successivo), ma nonostante questo, l'album è il primo tentativo di transitare verso una formula diversa, prendere le distanze dagli esordi, e se è vero che non sempre il distacco si sente (vedi l'ossessiva Cornucopia, il pezzo più heavy del disco) e che in fin dei conti non sempre le idee sono messe a fuoco (vedi sempre la già citata Cornucopia). Un album di transizione quindi, che già introduce qualche elemento nuovo sulla tavolozza dei Black Sabbath, nuovi colori, lievemente più brillanti, uno su tutti: il bianco della neve, la cocaina, che aleggia in tutto l'album, che all'origine doveva essere intitolato proprio Snowblind, come l'omonima canzone (ma che ovviamente, causa perbenismo fu rinominato "volume 4"). Una relativa novità è la introduzione di elementi progressive; relativa perchè chi ha memoria, quegli elementi li riscontrerà anche in Paranoid, solo che ora sono notevolmente espansi e alimentati da una maggiore apertura alla melodia, che è il primo e vero elemento nuovo del disco. Un album melodico, tenue, in certi punti veramente dimesso, al dilà dei medievalismi degli intermezzi di Master Of Reality, e in un certo senso anche sperimentale, quando si tratta di mettere sul tavolo gli effetti, FX appunto, e lasciarli prendere le forme che da soli si determinano, in completa libertà, improvvisando e creando dal nulla una forma inedita a loro, più vicina al kraut rock nascente e a certo rock sperimentale che alle loro origini. Con quel minuto abbondante di intermezzo si segna la distanza da Master Of Reality: il classicismo contro la dissonanza del contemporaneo. Col quarto volume insomma, i Black Sabbath avevano già superato i loro stessi insegnamenti, e avevano già indicato una via alternativa a loro stessi, e poco importa se ci vorranno decenni perchè questa venga veramente recepita, ma se anche oggi esiste certa musica sabbathiana alternativa come Earth e Orthodox, è anche per merito del quarto volume, anche se (è bene ricordarlo) non si tratta di un album compatto e coeso come i precedenti, tantomeno un album tutto "alto" bensì, come ogni album di transizione, è un disco sbilanciato, vacillante, che in questa sua debolezza mista a spregiudicatezza riesce a trovare la sua forza.
Un tema assolutamente determinante, a prescindere dal fatto che si tratta di un concept sulla droga (fioccano i doppi sensi, le allucinazioni e le metafore, come quando si dice che la vita è come una grande over dose), è quello del distacco, del cambiamento, cioè lo scarto da uno stadio della propria vita ( o delle proprie convinzioni) ad un altro stadio, con tutto ciò che ne deriva (in termini esistenziali ma anche molto concreti, la "mancanza" che si avverte, e in un certo senso anche il disagio). Ed è bello pensare che in un album talmente coraggioso, la cosa che più affollava la mente dei componenti della band era l'idea del cambiamento, il passaggio, che qua è cantato e sviscerato nei temi e nei testi, ma è anche vissuto, a livello stilistico, nonchè a livello strutturale, in pezzi spesso cangianti e imprevedibili. Uno su tutti, lo splendido incipit con Wheels of Confusion che in pratica è formato da due parti che si bisecano scambievolmente, in un dolce passaggio molto disinvolto tra ritmi alternatamente più sostenuti o incredibilmente rallentati, ora in caduta libera a tutta velocità, ora in piena improvvisazione di un Iommi solista praticamente rinato, molto più melodico e capriccioso, ora solleticata da quel gap chitarra acustica - chitarra elettrica (una novità per la band) nel bellissimo assolo finale, uno dei più belli dai tempi di Paranoid (infatti troppo "bello" e troppo poco "bestiale" e cacofonico come nell'album precedente, dove Iommi più che altro imitava versi animaleschi... ma anche qua si avverte il cambiamento). Un pezzo che ricorda molto l'approccio live dei Sabbath, lungo e capace di lasciare abbondante respiro all'ascoltatore, l'esatto contrario delle sensazioni evocate da Master Of Reality. Ma "cambiamento" è anche la disillusione di Tomorrow's Dream (nuovo prototipo di forma-canzone sabbathiana da classifica, notevolmente alleggerita, e condita da una confortante ripetitività e melodia), e l'abbandono malinconico della ballata tutta voce-piano-mellotron Changes, in un testo tenero che mette in bella mostra tutta una impotenza nel gestire il divenire della vita come una continia tendenza al disordine, nelle idee, ed anche nelle relazioni, specie sentimentali, che sono quelle dove più si avverte il distacco tra dimensione dell'ordine interiore e la dimensione del caos fattuale che ci circonda e dal quale è impossibile prescindere, se si vuole restare calati nel reale, evitando di incorrere nel delirio di onnipotenza-ebbrezza di Supernaut, che lascia solo spazio al risveglio dal sogno lucido ed a una presa di coscienza della parzialità del reale. Supernaut è una eruzione dell'ego(ismo) quasi autistico di chi si rifugia in un mondo tutto artificiale, vistoso e apparentemente appagante, ma estremamente fragile, come tutto il resto. Il brano esprime questa libidine in un'orgia di percussioni di un Ward più tribale che mai che, con un groove trascinante, che esplode nel finale quasi "ballabile", duettando con uno Iommi agile e dinamico, così poco "ortodosso" nei confronti dei suoi stessi insegnamenti, tant'è che l'unico a mantenere farmo l'aspetto "cantilenoso" del pezzo è il buon Ozzy, che incomincia ad essere l'unico a mantenere fermo un certo stile, in questa sede reso quasi irriconoscibile, vuoi per l' alta velocità nell'assolo ti Iommi, vuoi per quel tocco esotico che proprio non ha nulla a che fare con gli esordi nebbiosi e umidicci -estremamente anglosassoni- delle origini. Proprio a proposito di "esotismo" è difficile non citare Laguna Sunrise, una enorme prova di meticciato strumentale che tributa la west coast americana, con tanto di violini che si stendono sulle corde della chitarra acustica -pulitissima- di Iommi, per un brano allo stesso tempo caldo, struggente e rilassante. Altrettanto calda e movimentata è un'altra canzone che la danza la porta nel nome stesso, St.Vitus Dance, un pezzo leggero, estivo, un diversivo hard-blues spicciolo che preannuncia quanto succederà dopo tre album. Il grado di cottura raggiunge la carbonizzazione con Under The Sun, arsa dal fuoco e dall'avanzare sempre più opprimente e violento della frusta del Sabba Nero, sta volta oracolo dello stoner rock (anche più che nell'album precedente) e della commistione stoner-doom(pesante & melodico, più melodico di quanto si possa immaginare), insomma un pezzo che ha cresciuto e nutrito schiere di seguaci. Per me il miglior brano di questi Sabbath di transizione, autenticamente caldo come tutto il lato B di questo quarto volume, anche questo, come il primo pezzo, molto ben strutturato in parti che alternano atmosfere e mood differenti, dalle impennate devastanti alle distese desertiche polverizzate dal riffing inarrestabile e incontenibile del miglior Iommi, tutte parti complementari e incastrate senza forzature, anzi, amalgamate in modo grezzo e spontaneo. Lo stesso paradigma lo si trova nella sottile (sussurrata, come la parola "cocaine") malvagità di Snowblind, che non è ne un lento (ma è una mezza ballata, forse la migliore loro ballata, nell'inciso) ne un pezzo martellante (ma contiene un assolo che è già pieno heavy metal) ne psichedelico (eppure il finale è una delle cose più drogate che i Black Sabbath abbiano potuto concepire, senza contare il testo visionario, sempre un portato di quel tema fondamentale del distacco tra realtà e sogno lucido provocato dalle droghe), ne una concessione commerciale (eppure è la massima sintesi tra lo stile coniato nel giro di un paio d'anni e la melodia).
Ma il cambiamento è anche liberazione, e allora I've opened the door and my mind has been released. E questi Black Sabbath del quarto volume, a prescindere dal fatto che un pezzo possa piacere più o meno di un altro, sono sicuramente dei musicisti più liberi.

John

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Black Sabbath - Master Of Reality (1971)

2009-03-21T14:08:00.004+01:00

Anno: 1971

Etichetta: Vertigo

Tracklist:
1. Sweet Leaf - 5:02
2. After Forever - 5:25 (Iommi)
3. Embryo - 0:30 (Iommi)
4. Children of the Grave - 5:15
5. Orchid - 2:00 (Iommi)
6. Lord of This World - 4:55
7. Solitude - 5:02
8. Into the Void - 3:08

Nessuno sapeva, nel 1971, che i Black Sabbath, in sole due mosse (1 e 2) avevano (già) cambiato il futuro della musica, o forse qualcuno poteva già intuirlo, ma nessuno poteva immaginare quello che avremmo avuto dopo, e chi dei Black Sabbath prenderà proprio quell'inconfondibile sound lento e pesante (leggasi Doom) marcato dai riff mastodontici di Tony Iommi; chi ne coglierà il lato più duro e ne tirerà fuori quello che passerà alla storia come heavy metal; chi sarà suggestionato dagli scenari bucolici e crepuscolari, che all'interno dell'LP di Master Of Reality si materializzano in una immagine buia dove la band si mimetizza e si fonde nella natura, una figura brulla e oscura, sembianze sinistre, nonchè l'inizio di tutta una iconografia musicale che dei boschi e di certe atmosfere farà un vero e proprio punto di riferimento (e ben presto pure un clichè). Nessuno sapeva che Master Of Reality, senza rilasciare singoli, e senza avere canzoncine apripista facili facili come Evil Woman o Paranoid, avrebbe sbancato nelle vendite, con la stessa, indentica formula vincente dei due album precedenti ma senza concessioni commerciali, il gruppo ormai si era presentato alle masse dei teenager europei ed era già un culto, ed ora torna con un album ancora più incazzato, ancora più urgente dei precedenti, che si apre proprio con un colpo di tosse di Iommy, affogato dal fumo, ma metallico, una specie di ripresa dell'androide di Iron Man, una apertura grezza, con un riff tra i più grezzi, essenziali e copiati della storia, rappresentativo di un album meno fine del precedente, semplificato nelle forme, e con canzoni estremamente più concentrate sia nella durata, sia nella struttura, rese in questo modo più tozze e monolitiche. Nessuno sapeva che ribassando l'accordatura della chitarra e del basso di tre semitoni, non solo Master Of Reality avrebbe portato nel mondo della musica le canzoni più cupe mai concepite fino a quei tempi, ma avrebbe tracciato un sentiero sicuro per generazioni di musicisti ispirati da quel ribassamento per spingere sempre più in la la musica pesante, dall'hard rock dei Kyuss, al metal dei Meshuggah; in altre parole, questo tuffo in basso di Geezer Butler e Tony Iommi fu una specie di tentativo di esplorare territori vergini per la musica (blues) pesante (infatti Master Of Reality fu l'album in cui la band si affranca definitivamente dalle sue origini hard-blues), una specie di faccia oscura della Luna, un lato misterioso e tutto nuovo, una realtà inedita, che qua, per la prima volta si dispiega al mondo, una sorta di liberazione, come si dice in Sweet Leaf, tutto è più chiaro, tutto appare nella sua interezza, finalmente il mondo appare nella sua autenticità, e la chiave per accedere alla verità non può che essere uno strumento che oblitera l'uomo da tutti quei lacci e stringhe, uno strumento di liberazione sensoriale, appunto la dolce foglia; ma la liberazione non è solo nei sensi, ma pure nello spirito, come suggerisce la tagliente critica di After Forever, che propone la liberazione dalla speranza di una vita eterna infinitamente più giusta in favore di una vita finita ma vera e -forse- veramente migliore, se solo si prova a migliorare hic et nunc, e non in una fantozziana attesa infinita e indeterminata di una ipotetica giustizia e uguaglianza che non ci sarà mai. Children Of The Grave riprende il concetto senza mezzi termini, ma con un imperativo vero e proprio: uagnun, mo sentite sto fatto, se volete vivere in un mondo migliore, tiratevi su le maniche (e fuori le palle) e fate vedere che un mondo diverso c'è già e sopravvive (alla minaccia del nucleare, al terrore diffuro e al panico di massa indotto), se no, voi stessi, ragazzi miei, siete già nella cassa. Un messaggio sempre valido e sempre attuale, un inno generazionale a non trasformarsi in persone che vivono già nella tomba, ancor prima di morire. Il motivo del viaggio di Planet Caravan è ripreso in Into The Void, classico pezzo sulla voglia di fuga dal mondo di menti plagiate e inquinamento, l'unico modo per sfuggire al suicidio generale, un mondo corroso dalla guerra, fatta da quei soliti porci figli di Satana, padroni di questo mondo; allora il messaggio conclusivo è: lascia questo mondo in pasto al demonio, lascia queste persone al loro futuro nella tomba (che è già presente), e ricostruisci un posto d'amore. Questo è il messaggio programmatico di Master Of Reality, un messaggio sociale al dilà di tutta la metafora delle droghe, del fumo e tutto il resto. Ma Master Of Reality non è solo il disco "rivoluzionario" e "pesante", è anche un album fatto da episodi tra i più sensibili e raffinati tra le composizioni acustiche di Iommi, la breve e strumentale Orchid , che è un groviglio di due chitarre acustiche che si avvitano una sull'altra, allentate, naturalmente, e l'effetto è straniante, diverso comunque dall'austerità medievale dei pochi secondi di Embryo, che simula un violoncello, e la malinconica Solitude, momenti di riflessione e di cedimento, in un certo senso, in un disco che, come vediamo, non esista a mostrare un lato più fragile dei quattro di Birmingham; quest'ultima è un lentissimo con sola chitarra pizzicata tanto che sembra quasi nascondersi, fare capolino ogni tanto e ritirarsi nell'atmosfera così ovattata nella quale vibrano i toni bassisimi di Butler e la canna del flauto, suonato sempre da Iommi che, da buon polistrumentista che è e che si dimostrerà soprattutto in futuro, suona anche il piano, tutto per cinque intensissimi minuti in cui sembra quasi di trattenere il respiro, prima che tutta questa atmosfera venga poi squarciata dalle mazzate di Into The Void, un susseguirsi di barriti feroci così densi da essere praticamente inespugnabili e impenetrabili, firmati dal riffmaker che forse è il più influente della storia, sicuramente, il più influente del genere, che ha saputo dettar legge dagli emulatori-rielaboratori come i Cathedral ad altri artisti più o meno distanti che hanno citato questo pezzo, come gli Slayer in South Of Heaven o coverizzato, come Soundgarden e Kyuss, naturalmente come tributo per l'infinita ispirazione che il brano ha saputo dare, non solo per quella lenta e inesorabile cavalcata meccanica, robotica, estremamente fredda, ma anche per quel senso di infinita oppressione e soffocamento che è tipico del pezzo, la cui solida unità si scompone solo nel finale, tra le sciabolate solistiche di Iommi, più simili al rombo di un motore che a musica, ma questo è solo un inizio, di tutto un filone che non farà altro che simulare la macchina in musica, dagli Hawkwind, ai Motorhead ai Metallica ai Ministry. Un disco ricchissimo di riff indimenticabili, meno brillante sugli assoli forse, ma questo fa parte del gioco, infatti certe punte di ego sono state prese e smussate rispetto al passato, un favore di un sound più compatto e spartano, ma ciò non toglie a Iommi l'occasione per fare un lavoro bellissimo, specie nell'assolo di Lord Of This World, inaspettatamente molto melodico, specie nella parte finale, dove si intreccia con uno scalcitante Butler, sempre più cupo, sempre più potente, ma il massimo della portata distorsiva dell'accoppiata Iommi/Butler lo si trova nella grezzissima Sweet Leaf, emblematica dell'escamotage tecnico della band, e del trucchetto per trucidare la canzone in un pestaggio di suoni, sempre più tombali e disumani, che fanno rabbrividire quando sono più statici e fanno venire il voltastomaco nelle accelerazioni, in cui non è l'istrione e (sempre più) sgraziato Ozzy a trascinare la band, ma invece il mai abbastanza amato Butler, che ha saputo tessere le migliori atmosfere sabbathiane, grazie poi alle dinamiche imprevedibili, per certi versi progressive di Ward, che alla batteria in certi intermezzi fa dei lavori di grande pregio, come proprio in Sweet Leaf, ma del resto sa anche stare al posto suo, per poi fare prepotentemente la differenza, col suo stile in Children Of The Grave, dove Ozzy e Iommi ringhiano e nel frattempo il ritmo tribale dell'ultima tribù pre-disastro-nucleare annuncia l'apocalisse sotto le bacchette di un Ward tanto dinamico quanto capace di inscenare passaggi drammatici degni delle migliori soundtrack cinematografiche. E non a caso, anche il sussurro finale della canzone sarà usato nel cinema horror oltre a diventare una specie di tormentone da concerto, per uno dei brani più eseguiti e acclamati nella storia della band. Ma il pezzo che guarda più avanti di tutti, è After Forever una specie di War Pigs accelerata con un Butler che tra basso e sintetizzatore sa dare un volto inquietante al pezzo, un galoppo nel quale ogni zoccolo solca il terreno con quell'aggressività e con quella profondità che solo un Butler più gommoso e molle che mai poteva arrivare, per un pezzo ha una velocità e una dirompenza che sono praticamente già nel mondo dell'heavy metal. Nessuno poteva saperlo, ma ora che lo sappiamo, possiamo gradire o non gradire, è solo questione di gusti, ma non possiamo di certo esserne indifferenti.

John

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Black Sabbath - Paranoid (1970)

2009-03-19T00:30:00.003+01:00

Anno: 1970

Etichetta: Vertigo/Warner Bros

Tracklist:
1. War Pigs/Luke's Wall - 7:58
2. Paranoid - 2:52
3. Planet Caravan - 4:35
4. Iron Man - 5:58
5. Electric Funeral - 4:52
6. Hand of Doom - 7:09
7. Rat Salad - 2:30
8. Jack the Stripper/Fairies Wear Boots - 6:14

Dopo l’Esordio i Black Sabbath tornano con un album ancora più denso, ancora più compatto, indubbiamente più potente, e anche per questo, più famoso, nonché più celebrato non solo dalle vendite ma anche dalla storia, che vede in questo manifesto dell’inquietudine, intitolato appunto “Paranoid” un punto di riferimento per l’hard rock, ma anche per l’heavy metal, che si può tranquillamente far nascere in questa sede, anche se parlare di heavy metal soltanto è estremamente riduttivo, visto che qua siamo già oltre il metal, ne abbracciamo già le diverse diramazioni e influenze alle quali questo movimento opterà in futuro, magari suggerendo l’idea che tutto era già stato scritto o predetto in questo disco, dal doom al glam, allo stoner alle tendenze medievali o epiche, senza contare la perfetta fusione tra rock pesante, swing, jazz, tutto in un continuo saliscendi corposo, che va da momenti d’atmosfera, ad esplosioni soniche che sembrano fare il verso ad una catastrofe nucleare, una primitivissima guerra del futuro, un annientamento sottile e “freddo”, una apocalisse calma e lenta, che non si manifesta ma è già dentro di noi, o si manifesta da sempre e noi stiamo già dall’altra parte, nel mondo dei morti, e non c’è scampo e non c’è speranza, perché ormai il nostro destino è segnato. Il primo tema l’ho già introdotto: la guerra, quella dei porci di “War Pigs”, gli altri non sono altro che la conferma di quanto visto con l’esordio, ossia l’idea di vivere morendo, o di morire per vivere, insomma il problema della morte come spunto per una serie di suggestioni (più che riflessioni vere e proprie) fatte con la musica. Espressionismo musicale dissimulato in forme apparentemente ferree e solide, che sono solo una apparente e rassicurante impalcatura per tutta una serie di vicende musicali convulse e toccanti, che invece di dare risposte come altri tipi di proposte musicali di quegli anni, pongono problemi, ma lo fanno senza domande (ne vere e proprie ne retoriche; qua di retorico non c’è nulla), semplicemente evocando stati d’animo e pensieri (lugubri, disgustosi, oppure enigmatici… spirituali?). I suoni sono importanti, perché sono degli impulsi per l’ascoltatore; in questo senso il pulsare maniacale e viscerale del basso di Butler, che sembrano far vibrare e scuotere la terra è l’elemento primario su cui si costruisce la piramide del sound Sabbathiano, forse meno di quanto non lo fosse nell’esordio, ma sempre fondamentale, sempre assolutamente ritmico e percussivo, come deve essere questa musica, orientata alla stagnazione e al dissanguamento della melodia, distrutta e cadaverizzata, e in questo c’è la complicità di Ward, batterista dallo stile e dalla tecnica impareggiabili nella capacità di unificare da una parte esigenze atmosferiche (degne della musica da colonne sonore) a volte nebulose e dilatate e a volte dense e irte di metallo e pezzi di vetro macinato, e dall’altra parte ritmi sempre sopra le righe, spesso sfiorando solipsismi anche estranei alla cultura del rock, che anche quando non sfociano nell’assolo che accentra l’intero pezzo, sono capaci di decorare anche i monoliti pachidermici della chitarra di Iommi; quest’ultimo è il terzo gradino della piramide del suono Sabbathiano, una chitarra che ha fatto scuola, ha fatto la storia ed è diventata leggenda, non per le sue melodie ma per la sua capacità di rallentare e cadenzare il suono, aprendo squarci ritmici, come se non interessasse affatto dare corpo alla canzone, ma solo infiltrarsi nel tessuto ritmico e sgranarlo, quasi volesse fare dei crepacci nel terreno, o smottamenti irrimediabili, per vedere quanto è bello schiantare dei massi giganteschi e pericolosi su un suono già rumoroso per conto suo. Sul vertice della piramide c’è Ozzy, notevolmente cresciuto in questo secondo disco, sempre sgraziato e melodrammatico, ma ora più cantilenante che mai, quasi bambinesco a volte, le sue sembrano filastrocche infantili, e non per questo meno nere e malvage, anzi forse proprio per questo ancora più perverse, preannunciando non solo una serie di immagini del bambino associato al demonio, molto comuni nella musica e nella cinematografia horror degli anni 70 e oltre, ma anche capaci di preannunciare alcune delle grandi idee epocali e rivoluzionarie dei Korn (la cantilena, l’infantilismo, la morbosità dell’infanzia e il peccato originale…). L’album è coeso, un macigno di idee una più vincente dell’altra, nulla è lasciato al caso, nulla sfugge dall’attento controllo di una band scrupolosa e cosciente di essere all’apice della sua rivoluzione nella storia della musica. È il 1970, ma ci vorranno decenni per riuscire nell’esegesi e nell’interpretazione delle gesta musicali dei Black Sabbath. Ora voglio passare velocemente in rassegna alcuni dei momenti più interessanti di “Paranoid”, naturalmente senza nessuna ambizione di esaustività o sistematicità.

WAR PIGS --- questa doveva essere la title track, ma la casa discografica decise di optare per un titolo meno forte, il più “neutro” ‘Paranoid’. Ovvio che si tratti del pezzo che simboleggia in concreto tutto l’album, a livello di tematiche e non solo. Se l’esordio vedeva come tema portante l’essoterismo, il secondo album è invece il proseguimento logico del pezzo con cui i Black Sabbath avevano chiuso il primo capitolo, “Wicked World”, perché anche qua le tematiche horror sono solo una metafora astratta della realtà storica vissuta dalla band, che in “War Pigs” viene fuori liberamente e in modo esplicito, fuori da ogni finzione scenica. Il testo parla chiaro, tanto che non c’è bisogno di interpretazioni:

Generals gathered in their masses
Just like witches at black masses
Evil minds that plot destruction
Sorcerers of death's construction
In the fields the bodies burning
As the war machine keeps turning
Death and hatred to mankind
Poisoning their brainwashed minds, oh lord yeah!
Politicians hide themselves away
They only started the war
Why should they go out to fight?
They leave that role to the poor

I parallelismi con l'immaginario gotico-orrorifico sono sempre presenti, come si può vedere, ma la cosa più interessante è l'introduzione del tema dell'alterazione mentale, la "ipnosi di massa" (tema ripreso dal classico dei Sepultura), nonchè del motivo politico, che fa del brano in questione, una vera e propria canzone di protesta; una protesta che invece di mostrare un mondo alternativo fatto di pace & amore, illustra il paradosso, mostra spietatamente il destino di questa umanità, scopre a tutte la barbarie, la rende esplicita, attraverso una musica che ne incorpora la violenza e il primitivismo. Così come questo mondo devastato dalla guerra sembra regredire, allo stesso modo la musica riporta l'ascoltatore in uno status primigeneo dove le persone di combattono tra loro senza pietà; i versi emessi dalla chitarra di Iommi sembrano veramente sirene che chiamano alle armi(come la sirena campionata nell'introduzione del brano), o richiami di mammut inferociti, lo scalpitio animalesco è reso alla perfezione da Ward, alla batteria. A colpire è l'alternanza tra momenti in cui si simula l'ipnosi e momenti di furia, tra ripetitività sfiancante e cambi repentini e ancor più inaspettati, assoli fantastici che segneranno un'era e saranno patrimonio di tutta la storia della musica successiva. Ritmiche tra il tribalismo e le fredde geometrie, e squarci chitarristici disumani, come la guerra, versi da animali, come quei porci, i politici che tagliano a fette il mondo e dividono le nazioni su cartine geografiche, senza porsi altri problemi, salvo quello di armare la gente e lasciare che vada a morire nel modo più vecchio e assurdo che esista, ossia la lotta per il territorio.

PARANOID --- si tratta di un pezzo molto breve, che svolge il compit(in)o di "Evil Woman" nell'album precedente: si tratta di un singoletto che sembra una cosa a se rispetto al resto dell'album, un riempitivo inserito per motivare il nuovo titolo del disco probabilmente, una canzoncina bella dura e birichina da lanciare in classifica, per aprire la strada al disco, da prendere e trascinare nelle vendite. Infatti furono venduti milioni di copie in tutto il mondo, che fecero guadagnare cinque dischi di platino nel Regno Unito e quattro negli USA. è vero che si tratta di un brano scoordinato rispetto agli altri e piuttosto disimpegnato, ma la sua enorme fama non è poi così immeritata, visto che si tratta pur sempre di un brano che ha concorso pesantemente alla formazione del suono "metallico", per il suo ritmo regolare e incalzante, nonchè per uno dei riff più geniali e imitati di tutta la storia.

PLANET CARAVAN --- riassume ciò che nel disco precedente era disseminato un po ovunque, ossia l'amore della band per il blues. Quattro minuti e mezzo soltanto, per un brano blues e psichedelico con pochi rivali degni di tale nome, perchè in poco e con una agilità imbarazzante mette a KO tanti gruppi psych rock sia attuali sia del glorioso passato. Una psichedelia oscura e malata completamente dimenticata dai tanti cloni dei Black Sabbath e poi recuperata solo negli anni 90, e neanche da tutti, troppo impegnati ad approfondire e appesantire il versante metallico dei Sabs, che evidentemente sono stati anche altro, e questa ballata sta a dimostrarlo, con uno straordinario tappeto di percussioni leggere e sfumate, che ripropone un Ward ancora una volta diverso, dopo i virtuosismi vistosi di "War Pigs" e dopo le ampie pennellate veloci e pesanti di "Paranoid". Iommi e Butler si intrecciano e si incrociano sfiorandosi e accarezzando il suolo senza mai calcare la mano, e qua sembra veramente di avere a che fare con una band completamente diversa da quella ascoltata fin ora; una chitarra pulita e sognante, una voce fioca e distante, che compare lentamente e poi si disgrega allo stesso modo, tutte tecniche che faranno la fortuna di tutto il rock psichedelico passato e presente, dagli Ash Ra Tempel ai Los Natas. Con questo non dico che il rock psichedelico sia nato con questa canzone, che evidentemente sarebbe assurdo, voglio solo sottolineare l'unicità del pezzo nel repertorio dei Black Sabbath e allo stesso tempo la sua eccellenza anche in relazione al resto della musica che c'era stata prima e che c'è stata dopo. Il testo è una ode allucinata al viaggio spaziale:

We sail through endless skies
Stars shine like eyes
The black night sighs
The moon in silver trees
Falls down in tears
Light of the night
The earth, a purple blaze
Of sapphire haze
In orbit always
While down below the trees
Bathed in cool breeze
Silver starlight breaks down the night
And so we pass on by the crimson eye
Of great god Mars
As we travel the universe

IRON MAN --- già dall'inizio è un cataclisma. la voce di Ozzy è distorta e metallica. il riff di Iommi è la cosa più futuristica e meccanomorfa mai partorita fino a quei tempi da un musicista rock. è l'inizio di una nuova era, suggestionata dall'immaginario robotico e artificiale, il tempo delle guerre spaziali e delle odissee nello spazio, e se "Planet Caravan" ne rappresenta il lato psichedelico, questo pezzo ne carpisce il lato metallico e tecnocratico, che verrà ripreso praticamente da tutti, nel metal, suggestionati in un senso o nell'altro dalle tecnologie, anche quando l'aspirazione luddista sarà il fine ultimo, come nei Godflesh o negli Helmet (e i loro derivati), senza contare tutto il thrash metal degli anni 80. Tecnicamente, uno dei pezzi più formidabili dei Black Sabbath, anche grazie ad una parte di batteria che unisce varietà, estro e potenza in modo perfetto, vuoi perchè è il più metallico di tutto il loro periodo "classico", vuoi perchè qua c'è uno Iommi che suona come una turbina a pieno regime, freddissimo e distorto, un impianto industriale intero in un solo strumento. Incredibile pensare che è lo stesso chitarrista di "Planet Caravan".

ELECTRIC FUNERAL --- ancora un grande pezzo, fatto di refrain martellanti e progressioni al fulmicotone; il contenuto è più che mai apocalittico:

Dying world of radiation, victims of mad frustration
Burning globe of oxy'n fire, like electric funeral pyre
Buildings crashing down to a cracking ground
Rivers turn to wood, ice melting to flood
Earth lies in death bed, clouds cry water dead
Tearing life away, here's the burning pay
Riemerge il tema della tecnologia che prende piede e del pianeta che lentamente si spegne.

And so in the sky shines the electric eye
Supernatural king takes earth under his wing
Heaven's golden chorus sings, Hell's angels flap their wings
Evil souls fall to Hell, ever trapped in burning cells!

La grande guerra atomica è la paura che aleggia costantemente nei testi, con riferimenti talvolta velati, altre volte come in questo caso molto chiari, al difuori di ogni finzione scenica e poetica.

HAND OF DOOM --- l'elefantiasi della chitarra di Iommi raggiunge livelli impressionanti, sia nell'andatura, quel ritmo lentissimo e lesionato da momenti di silenzio o di quiete improvvisa prima del disturbo bipolare e relativo schizzo con wah wah che simula una bestia feroce. "bipolare" è l'aggettivo più appropriato per un pezzo che serve appunto da anello di congiunzione tra il ritratto psicologico, sociologio e politico di una generazione intera. "bipolare" è questo brano, sospeso tra sonorità estreme e diverse. "bipolare" è anche un disturbo, e di disturbi si parla in questo pezzo.

First it was the bomb, Vietnam napalm
Disillusioning, you push the needle in
From life you escape, reality's that way
Colours in your mind satisfy your time
Altro che satanismo. La band parla chiaro. C'è tutto un collegamento tra malessere, disillusione, e la presa di coscienza del declino di questa civiltà. La guerra in Vietnam. Viene introdotto il tema delle droghe, la fuga dalla realtà. A questo punto molte cose diventano più chiare, ache la stessa "Planet Caravan", e quel viaggio che si dimostra solo una fuga, un modo per evadere, per colorare una realtà grigia e senza speranze. Infatti i colori vividi sono una costante di quel pezzo.

Oh you, you know you must be blind
To do something like this
Inizia l'invettiva.

So drop the acid pill, don't stop to think now
Il messaggio è tutto contro l'alienazione del pensiero. "Non smettere di pensare adesso". E l'esortazione a lasciar perdere gli acidi.

RAT SALAD --- è una allegra jam strumentale che mastica ancora le ambientazioni dei brani precedenti, ma dove tutti gli strumenti lasciano spazio a Bill Ward che incide la sua Moby Dick, un assolo di batteria che è un saggio del suo stile e delle sue grandi capacità. FAIRIES WEAR BOOTS --- funziona come una specie di marcia militare, un incubo descritto alla perfezione, non solo a parole ma anche in musica, che vuole riprendere l'andatura anonima, maligna e "da branco" di un gruppo di ragazzi neonazisti descritti come "fate con gli stivali". Ma il pezzo non è un semplice proclama antinazista(c'è solo una vaga presa per culo di queste sottospecie di imitazioni di squadristi), il suo bersaglio è tutt'altro: il tema del pezzo è la paranoia, le manie di persecuzione quindi e gli effetti delle droghe allucinogene, che finiscono col ghettizzare e isolare chi le consuma in una prigione di follia e di incubo in cui tutto sembra poterti uccidere ed essere un potenziale assassino. Ora acquista tutt'un altro senso la title track e quel ritornello che ha portato in vetta alle classifiche i Black Sabbath.

Can you help me, occupy my brain?

Emerge allora un piano di lettura doppio, e nuove problematiche: si tratta di un album sul terrore della guerra o di un album sugli effetti collaterali della dipendenza dalle droghe? o forse che le due cose sono collegate? quella "paranoia" a cosa è dovuta? quella sensazione che i Black Sabbath ripropongono continuamente non è forse solo una richiesta di aiuto più che un messaggio contro le droghe? quel verso animalesco, quel grido di terrore forse non è un monito, non contiene nessuna morale e nessun tipo di insegnamento forse... che tutto questo sia solo un album di confessione? che tutto questo sia una riflessione, un lungo monologo in cui la band racconta di se a se stessa e al mondo per espiare i propri peccati ed esorcizzare il male che c'è in lei e cacciare via le proprie paure? che la guerra e i conflitti in generale siano solo una immagine astratta del vero conflitto, quello dell'uomo e della sua forza di volontà contro la dipendenza dalle droghe? se cambia il punto di vista e proviamo a riascoltare il disco dopo questa conclusiva "Fairies Wear Boots" tutto sembra diverso, tutto assume una valenza confessoria e riporta l'ascoltatore a domande e problemi ancora pià pesanti, che non potranno che essere affrontati ancora, nei capitoli successivi.

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John

Black Sabbath - Black Sabbath (1970)

2009-03-16T14:22:00.003+01:00

Anno: 1969

Etichetta: Vertigo/ Warner Bros

Si contano sulle dita di una mano gli album influenti e seminali come l’esordio dei Black Sabbath: tutta la musica del dopo-Sabbath ha dovuto fare i conti con una scena ormai diversa, rivoltata dal suo interno, dove il blues ormai veniva fuori a pezzi, completamente rivisto, anche oltre l’estremizzazione già praticata da Cream, Blue Cheer e Yardbirds, veniva fuori privo di qualsiasi contenuto hippy o intellettuale, per la prima volta la musica nera suonata dai bianchi, diventa ancora più nera, ossia cimiteriale, oscura, come quelle campane a morte che aprono il disco e con esse l’epopea mortuaria dei Black Sabbath, ossia il preludio di tutto l’hard&heavy come è inteso oggi. Solidificazione dei riffs, celebrazione della ripetizione ossessiva e del ripiegamento in strutture fisse, immobili, e l’essoterismo che diventa tema portante, per una musica cattiva e distruttiva come mai era successo prima, monolitica, luciferina e sottilmente maligna quando è leggera, e catastrofica e sulfurea quando la mano si fa pesante, ma in tutto questo, per nulla al mondo il suono diventa banale o scontato, in ogni pezzo c’è sempre qualcosa che sfugge, c’è sempre un mistero da scoprire o da approfondire, e non è possibile abbracciare e comprendere pienamente il grande mistero ed il trauma creato da questo disco, quindi ogni pezzo è come fatto a brandelli, residui di immaginario horror vampiresco messi insieme come pezzi del corpo di Frankenstein, per questo la coesione è ciò che manca nell’esordio dei Sabbath, ancora quasi ingenuo e inconsapevole della portata cataclismatica della sua discesa sul pianeta Terra, quel venerdì 13 febbraio del 1970.

Tony Iommi si rivela una autentica fabbrica di riffs malefici, musiche che sembrano venire da lontano, e destinate a durare in eterno, come l’introduttiva “Black Sabbath”, o come il folk blues anomalo di “The Wizard”, o la cantilenante “N.I.B.”, i suoi solos sono indimenticabili, pezzi di storia e fonti di continua ispirazione, primitivi, selvaggi e spaventosi nel loro aggrovigliarsi come serpenti in una fossa nera, sezionano e sbranano le canzoni, dilatandole e creando code che non si fanno problemi a sferrare colpi pericolosissimi, sotto la direzione di un John Michael “Ozzy” Osbourne dedito alla recitazione e alla declamazione più che al canto, nel vero senso del termine, e ve ne è prova ovunque, perché per la prima volta il cantante non è più tale e non è nemmeno un cantastorie blues, è il guru di una setta, che sibila messaggi oscuri, come nella sinistra “Sleeping Village”, una delle tante palestre per gli abili tessitori di ritmi, Bill Ward, il batterista con la fissa del jazz (vedi “The Warning”, dove Iommi solista poi divaga nella sua migliore prestazione del disco) ed il bassista appassionato di satanismo Terrence Micheal Butler, fautore di mitiche atmosfere tetre che saranno il filo conduttore di brani piuttosto diversi e divisi in parti unificate spesso dal suo moto ondulatorio e sussultorio.

BLACK SABBATH --- si sente la pioggia scrosciare in lontananza, l’oscurità avvolge tutta la natura, gli alberi sono fagocitati in una prigione fossile, incomincia il lento camino del Sabba nero, sottolineato dall’andatura cadenzata di Iommi alla chitarra e di Ozzy che si trascina, come una marcia, tutta pesante e morente, fino all’esplosione nel finale, quando il brano accelera ed esplode in una serie di rintocchi mortuari che conducono all’invettiva elettrica solista che conduce direttamente al termine del pezzo. Il testo non è altro che la sintesi estrema della filosofia sabbatthiana: una figura misteriosa si avvicina, chi la guarda non capisce, non si capacita di quello che sta succedendo, è come un incubo, quella figura misteriosa è dietro l'angolo, e il malcapitato sa che sta per fare una brutta fine, invoca Dio, e sa che sta per essere fatto a pezzi. è l'inizio di questa malvagità nei testi rock. Niente ideali, solo sensazioni, paure, il più grosso messaggio che c'è da dare è un messaggio d'aiuto, che naturalmente non sarà ascoltato. Il fuoco brucia negli occhi dell'assassino e già si vede l'inferno che avanza.

THE WIZARD --- Ozzie suona l’armonica in quello che sembra il pezzo meno in linea con la carriera futura dei Black Sabbath, ma contiene l’essenza e la varietà della proposta sonora di questo primo album, ancora impostato come una derivazione del blues, infatti questo pezzo non è altro che il pezzo blues più nevrotico e depravato che sia mai stato scritto, ritmica jazzata, e chitarra che sembra un insetto in volo, come naturalmente molti dopo proveranno a rifare. Il testo è tutto descrittivo, coglie la scena, la sviscera, prima analizzando l'atmosfera, descritta come una mattina nebbiosa, nuvole nel cielo; poi si passa alla descrizione di una figura misteriosa ma positiva, silente, quasi mimetica, vestita in modo strano, come se venisse da un'altra dimensione o da un'altra epoca. Ed ecco il tema del medioevo e del gotico, che saranno abbondantemente ripresi in futuro, non solo dai Black Sabbath, inutile ribadirlo.

BEHIND THE WALL OF SLEEP --- ritmo sincopato, è il treno che avanza, e fischia tra le corde di Iommi, sempre distorto e solenne, in questo breve quadro di distruzione e nichilismo. Il contenuto è quanto di più terrificante ci possa essere, e quel "treno" che avanza, non è altro che la morte, una specie di metafora musicale dell'olocausto. Si parla puramente e semplicemente della natura che muore. Il sole freddo. I petali cadono, le gambe iniziano a cedere, e lentamente ci si accascia, si diventa simili alla natura ferma e inerte.

N.I.B. --- sormontata da una introduzione isolata dal pezzo, tutta di basso, con un Butler viscido che sembra suonare come un calderone da strega in ebollizione; poi arriva uno dei riffs più famosi e abusati della storia, ad opera dell’instancabile Iommy, sbalordisce in tutte le vesti, sia da riffmaker sia quando si abbandona in solismi che vogliono ricordare sia certe zone oscure del medioevo sia qualcosa di orientaleggiante, ma non per una questione di esotismo, solo per creare e confermare quell’alone di mistero che avvolge ogni singolo pezzo, che resta una area grigia, fitta di suoni a volte saturi, anche grazie ad un Ward presentissimo e variopinto, che adopera modalità e stili diversi di brano in brano, e grazie al gran cerimoniere Ozzy, che della sua voce ha fatto bandiera in diverse scuole e filoni del rock pesante e del metal, quel suo timbro è inconfondibile ed è stato un punto di riferimento per intere generazioni di cantanti, e lo è ancora, perché è inesauribile la sua portata e la sua ispirazione. Ozzy è dotato ma non è poi così tecnico, non ha la smania del bel canto, ha l’urgenza della resa il più possibile anomala e deviata di ogni brano, che deve essere per forza una tappa dovuta di un percorso di purificazione interiore fatto al contrario, ossia che man mano logora e sporca l’anima, fino alla totale perdizione. Ipnotico, spirituale, metafisico, il suono dei Black Sabbath deve tantissimo alla voce di Ozzie, e in questo primo album non c’è momento in cui le due cose non siano intimamente legate, perché persino le pause ed i silenzi mettono paura addosso a chi ascolta, persino quando non vedi la morte e la distruzione, questa si fa sentire, perché sai che è quello il tuo destino. Questo è il messaggio ultimo dei Black Sabbath e forse di tutto il DOOM: l’ineluttabilità del senso della morte, e tutto ciò che ne deriva: dal terrore e dal senso di precarietà e di perentorietà della realtà naturale e umana, al mistero della trascendenza in tutte le sue forme e interpretazioni di volta in volta assunte.

EVIL WOMAN --- è una cover dei Cow che anticipa il disco, che doveva servire per rompere il ghiaccio ed aprire le charts ai Black Sabbath, scelta evidentemente per il testo e per la sua facile presa sulle masse, visto che comunque si trattava di un brano famoso e facilmente coverizzabile, come andava di moda in quegli anni, anche se in questo caso non c’è un gran lavoro interpretativo della band (infatti il pezzo era e resta un corpo estraneo rispetto al disco), salvo il sempre più rilevante e imprescindibile Boiler, sapiente costruttore e interprete di atmosfere anche molto diverse.

SLEEPING VILLAGE --- funge da introduzione al pezzo successivo, ma vive di una sua propria personalità, neanche poi tanto semplice, visto che si tratta comunque di un pezzo ben articolato e secondo me uno dei più interessanti, che mi ha sempre affascinato per l’alternarsi di momenti freddi e solenni, più vicini al cinema che alla musica. Tutto inizia con uno scacciapensieri e un arpeggio da brivido, poi inizia la fase recitativa, pochi versi, quattro frasi secche e spietate, poi inizia a prendere forma l’ennesimo rigonfiamento elettrico, con un andamento quasi progressive, tutto in pochissimi minuti di alti e bassi dove ogni strumento irrompe come un assassino che coglie alle spalle la sua vittima.

WARNING --- dal pezzo precedente scivola via Butler con un giro di basso avvolgente, e che sostiene tutto un lungo pezzo a struttura piuttosto aperta, dove la canzone si perde nel vuoto, nelle pause, negli stacchi, nelle riprese, nelle segmentazioni ritmiche, ora praticamente libere e già un passo oltre le “regole” create solo qualche brano sopra, le atmosfere si sedimentano lentamente, poi tutto cresce in scene successive, dove il jazz si mischia col blues ed il metallo si fa sempre più minimale e la pesantezza è tutta pensata e psicologica più che espressa esplicitamente; in tutto questo ogni singolo musicista segue la sua strada, vive il suo protagonismo a modo suo eppure è in grado di mettersi al servizio della band, e lasciare spazio agli altri; ancora una volta il silenzio vale tantissimo, almeno quanto questa musica sublime, che difficilmente è capace di arrivare a questi livelli. Inutile provare a descrivere ciò che non si può riassumere a parole, un brano unico, la sintesi dell’improvvisazione nel rock, una piccola enciclopedia sia della musica pesante, sia della musica sperimentale sia della musica d’atmosfera, in cui c’è contemporaneamente il seme del doom, ma anche il seme del superamento stesso del doom, c’è praticamente tutta una serie di evoluzioni e conquiste che saranno sudate disco dopo disco nella storia della musica che verrà.

WICKED WORLD --- ancora un pezzo strisciante che salta e impressiona come un rettile, ipnotico, parzialmente ripetitivo, tanto per ribadire il concetto, creare l’atmosfera, distorto, poi sempre più dissonante, fino a un intermezzo sperimentale, psichedelico che si disperde nel silenzio di un attimo che precede il mastodontico assolo di Iommi. Ora ci sono due osservazioni da fare: in questi pochissimi istanti c’è già tutto, perché c’è il rock e c’è già qualche soluzione anche abusata da gruppi post rock, c’è la musica pesante e grezza ma pure la psichedelia, e se ci pensiamo, l’assolo non è neanche così complesso o particolare da essere ricordato per meriti squisitamente tecnici, ma gode di un elemento fondamentale, ossia il tempismo, cade al modo giusto e al momento giusto, dopo quel brevissimo momento di silenzio in cui succede praticamente di tutto, nella mente del poveretto che ascolta. Stare a citare quanti movimenti musicali negli ultimi 40 anni hanno attinto da queste intuizioni e da queste tecniche, nonché da questo atteggiamento, è una relativa perdita di tempo, semplicemente perché basta ascoltare, non c’è nulla in questo disco che non abbia offerto occasioni di sviluppo successivo. La canzone concretizza il terrore e gli conferisce una dimensione storica concreta, in opposizione alle astrazioni viste prima: The world today is such a wicked place
Fighting going on between the human race
People got to work just to earn their bread
While people just across the sea
Are counting their dead

A politician's job they say is very high
'Cos he has to choose who's got to go and die
They can put a man on the moon quite easy
While people here on earth are dying of old diseases

A woman goes to work every day after day
She just goes to work just to earn her pay
Child sitting crying by a life that's harder
He doesn't even know who is his father

Nell'album c’è l’idea di una natura risucchiata, nata morta, uccelli che non emettono suoni, conigli falciati dalle trappole, cigni neri in uno stagno che è più che altro una fossa, la foschia che si fa sempre più ampia e avvolgente, città sprofondate nel grigiore e già diventate relitti, la civiltà che si rende conto di essere in un vicolo cieco. E a vegliare su tutto questo ci sono delle figure ambigue quanto sinistre come la statua decapitata di un martire. È l’inizio di una lunga notte…

John

Porcupine Tree - Fear Of A Blank Planet (2007)

2009-03-12T09:18:00.004+01:00

Anno: 2007

Etichetta: Atlantic

Line-up:

Steven Wilson: Chitarra elettrica e acustica, voce principale.
Colin Edwin: Basso.
Richard Barbieri: Tastiere, programmazioni.
Gavin Harrison: Batteria, percussioni
Alex Lifeson (Rush) - assolo di chitarra su "Anesthetize"
Robert Fripp (King Crimson) - soundscapes su Way Out of Here e Nil Recurring

Tracklist:
Fear of a Blank Planet (7.28)
My Ashes (5.07)
Anesthetize (17.42)
Sentimental (5.26)
Way Out of Here (7.37)
Sleep Together (7.28)

Dita,prima su un pc e poi impegnate in un arpeggio confuso. Le liriche vengono suggerite prima ancora di incominciare, il rapporto umano verso il mondo multimediale (internet,videogames), le relazioni e la droga. La fuga dalla paura del mondo verso una valvola di sfogo. Nella adrenalinica titletrack si possono subito sottolineare gli echi del mitico The Sky Moves Sideways , nella gestione delle parti strumentali eteree , composte dal sempre straordinario Richard Barbieri ( ex Japan, e dunque una garanzia in materia) che fa valere il suo background in trame certamente rielaborate con un certo cupo carisma . Il progetto parallelo con l'israeliano Aviv Geffen , ha arricchito anche la già vasta cultura musicale di Steven, lo dimostrano le linee vocali della dolce “My Ashes” (potrebbe essere uscita placidamente dalle session di Blackfield , il sospetto nasce soprattutto ascoltando la delicatezza degli archi, danzanti come candide piume ) , liberata in cielo da un climax inaspettato nel finale, e “Sentimental”. Ove un ossessivo piano , viene impresso immediatamente nella memoria dell'ascoltatore e il timbro delicato di Wilson non invade mai il confine del banale; restando leggiadra fino al termine del cammino. Ma non è certo un album di sole ballate , le gemme sono due brani , intrecciate dal pathos di due anime diverse, ma ugualmente sublimi. La prima è “Way Out of Here “ , che implode nel suo ritornello, in un clima catartico e songwriting solare da ricordare gli Anathema di A Fine Day To Exit , sboccia tra le trame dei soundscapes ,guidati nientemeno che da Robert Fripp , ammalianti verso l'intreccio con le note chitarristiche , spazzate da un roccioso riff scuola Opeth , schiaffeggiato da una risposta ritmica di Gavin Harrison e poi rasserenato da un incantato tappeto sonoro che risalta l'essenzialità di Colin Edwin e l'ermetica chiusura dei synt.
Gavin è poi nuovamente sopra le righe nella prestazione della suite dell'album, trainando con i suoi tom, la melodia della fantastica “Anesthetize” , che si veste di tristezza nei primi minuti, scivolano sovraincisioni vocali e l'esperienza di Lifeson (Rush), ruggiscono le chitarre, zittite da orientalismi misti alla scuola Hendrixiana nell'uso del wah wah, il piano stuzzica le tigri incatenate negli amplificatori , cresce il ritmo nella strofa successiva. All'undicesimo minuto: detonazione totale. deflagrazione thrashata all'ennesima potenza. Spazio ad una coda lontana parente dell'ambient, rievocativa , rilassa la musica e gli animi,in un onirico sipario. Sarebbe stato il finale più giusto da consegnare allo stereo, mentre tocca alla nenia “Sleep Together” il compito, rivelandosi a livello compositivo, una spanna sotto la restante opera. Non intaccando però in fin dei conti, il qualitativo globale di un piacevolissimo viaggio sonoro “senzavento”, presentato erroneamente come freddo, è bensì gelido.Come lo sguardo riflesso in copertina (un deja vù per i fan, oramai padri affettivi del ragazzo..) , ma questa appunto, chiamasi emozione.
Trionfante persino verso il predecessore, non solo per l'uso non manieristico degli ospiti.
Labbra,voce e udito, sono destinate ai vostri commenti.
Consigliatissimo.

Gidan Razorblade

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Porcupine Tree - Up The Downstair + Staircase Infinities EP

2009-03-10T13:20:00.003+01:00

Anno: 1993

Etichetta: Delerium Records

Tracklist:
1. What You Are Listening To... - (Wilson) - 0:57
2. Synesthesia - (Wilson) - 5:11
3. Monuments Burn Into Moments - (Wilson) - 0:20
4. Always Never - (Wilson / Duffy) - 6:58
5. Up The Downstair - (Wilson) - 9:59
6. Not Beautiful Anymore - (Wilson) - 3:26
7. Siren - (Wilson) - 0:53
8. Small Fish - (Wilson / Duffy) - 2:43
9. Burning Sky - (Wilson) - 11:07
10. Fadeaway - (Wilson / Duffy) - 6:15

Line UP:
* Steven Wilson, chitarra, tastiere programmazione e voce
* Colin Edwin - basso su "Always Never";
* Richard Barbieri - programmazione su "Up the downstair";
* Suzanne Barbieri - voce su "Up the downstair".
* Gavin Harrison - batteria edizione 2005.

Innanzitutto è bene partire da prefazione che ha il valore forse superiore alla recensione stessa.
È consigliabile procurarsi la versione rimasterizzata del 2005 per ascoltare l'opera nella sua completezza e vedere abbandonata la fredda drum machine della prima edizione che stona nel restante contesto e le restanti parti essere completamente risuonate per l'occasione. Del disco spesso si parte da enunciati che come pendoli inciampano sia nel vero che nel falso . Innanzitutto questo non è da considerare nel podio della carriera del gruppo, nonostante la lineup composta , le idee ci sono ma sono ancora alla ricerca della loro personalità più convincente e elegante. Ma questo non deve però pretesto per bollare il cd come mero accostamento Floydiano, sarebbe ancor più sbagliato. Il disco suona moderno invece, i riff a volte hard rock sono introdotti da un synt bass precississimo . Il songwriting della Titletrack è prova più covincente di un mare di parole. Gavin dietro alle pelli in unova edizione sa farsi valere , impreziosendo il pezzo maggiormente . A tratti intimamente solare questo viaggio nelle note Wilsoniane, ricco di cambi di tempo ma non per questo da considerar prog , spesso la struttura del brano viene ripetuta in maniera continua con l'aggiunta di elementi lisergici (“Not Beautiful Anymore” ) . la vera eccezione resta “Burning Sky” , rapsodica sequenza chitarristica in crescendo in maniera ossessiva e serpeggiante ,intorno alle escursioni soliste dotate di un certo Appeal Melodico , giunti ad undici minuti, chiedersi se davvero si può ancora parlare di strumentale. Sintomo di una maturita in continua crescita, “Synesthesia” anticipa certe sonorità future, che li renderanno celebri, in un epoca ancora in pieno flusso grunge che distoglie la critica e pubblico per buona parte. “Always Never” si avvale della presenza di Colin Edwin alle 4 corde, e di un riarrangiamento più curato nella nuova edizione che mira a rendere più limipide le sezioni acustiche. Discorso analogo per la morbida “Small Fish”.
“ Fadeaway” ci accompagna all'uscio con il suo tappeto syntato e solo Gilmuriano , profondo, passionale. Ad abbandonarci in un mare di echi.

Anno: 1994

Etichetta: Lazy Eye

L' EP purtroppo non gode di nuove session, ma di una rimasterizzazione che ugualmente riveste di importanza i pezzi ( caso specifico “The Joke's On You “ , lucidata a dovere per farla splendere ) che certo non velgon complessivamente meno del disco in questione, ne costituiscono semmai un piacevolissimo prolungamento artistico. Incantevole “ Cloud Zero” nella sua melanconia introspettiva e introversività sonora. Climax sonoro da applausi.
L'episodio atipico è rappresentato dalle percussioni in “ Navigator” , evocativa ma senza infamia ne lode. Più convincente si dimostra la doppietta finale, la dolcezza dell organo di “Rainy Taxy” e la superba “Yellow Hedgerow Dreamscape” , caricata della giusta tensione in una palude intricata di corde elettriche , da lasciarsi catturare.

Inspiegabilmente “Phantoms “ resta esclusiva dei possessori del doppio vinile, almeno fino all'uscita di “Stars Die:The Delerium Years” , indi attualmente, di facile reperibilità.

Gidan Razorblade

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Porcupine Tree - On The Sunday Of Life (1991)

2009-03-09T16:08:00.002+01:00

Anno: 1991

Etichetta: Delerium

Line-Up:
Steven Wilson: chitarra, tastiere, programmazione e voce
The Expanding Flan: batteria su Third Eye Surfer
Solomon St. Jermain: chitarra e voce su Queen Quotes Crowley
Master Timothy Masters: oboe

Tracklist:
1. Music For The Head - (Wilson) - 2:42
2. Jupiter Island - (Wilson / Duffy) - 6:12
3. Third Eye Surfer - (Wilson) - 2:48
4. On The Sunday Of Life - (Wilson) - 2:11
5. The Nostalgia Factory - (Wilson / Duffy) - 7:25
6. Space Transmission - (Wilson) - 2:59
7. Message From A Self-Destructing Turnip - (Wilson) - 0:27
8. Radioactive Toy - (Wilson) - 10:00
9. Nine Cats - (Wilson / Duffy) - 3:55
10. Hymn - (Wilson) - 1:14
11. Footprints - (Wilson, Duffy) - 5:59
12. Linton Samuel Dawson - (Wilson, Duffy) - 3:05
13. And the Swallows Dance Above the Sun - (Wilson, Duffy) - 4:03
14. Queen Quotes Crowley - (Wilson) - 3:55
15. No Luck With Rabbits - (Wilson) - 0:45
16. Begonia Seduction Scene - (Wilson) - 2:10
17. This Long Silence - (Wilson, Duffy) - 5:10
18. It Will Rain For A Million Years - (Wilson, Duffy) - 10:47

Dopo una manciata di cassette ( "Tarquin's Seaweed Farm", "Love Death and Mussolini" e "Nostalgia Factory" ) , per il giovane Wilson è ora di dar sfogo al suo estro finalmente per un full, decide di riarrangiare pezzi dai suoi esordi ( i rimanenti, verranno affidati alle cure della raccolta “Yellow Hedgerow Dreamscape” ) , con la sola apparizione di 3 guests in altrettanti brani. Per il resto si delinea la figura di uno Steven Stakanovista, artefice della sua musica nella sua totalità, con l'aiuto della drum machine e l'impeto della giovinezza, che fa capolino a tratti, tradita dal timbro vocale di alcuni pezzi , e da una discontinuità più che comprensibile. Originariamente il disco veniva diviso in quattro parti : First love; Second sight; Third eye; Fourth bridge . Tal catalogazione è scomparsa nelle inevitabili remastered in seguito, ma a giudicare dalle tematiche, non sarà difficile per l ascoltatore, inquadrare le sezioni. Il lato profondamente sognante, a tratti ambient, condito da sezioni d' Oboe ( “Music For The Head” ) è una promessa mantenuta successivamente con la titletrack, difficile far risaltar meglio certi passaggi onirici nonostante il basso buget a disposizione (“Begonia Seduction Scene” sarebbe bene fantasticare su come renderebbe con un audio 5.1) . È uno scorrere di minuti, il tempo, segnato dal pendolo di “Space Transmission” ( recitata in spoken ) a fornire all'ascoltatore il punto forte delo status acerbo di questo LP, la varietà stilistica di brani che attualmente non ci sogneremo mai di sentir passare per la mente dell'artista, “Jupiter Island” strappa qualche sorriso imbarazzato per il suo ottimismo stile surf rock alla beach boys o il pasticcio dancereccio di “ Linton Samuel Dawson” , non verranno certo mensionate tra i brani più riusciti del lotto e della storia della band, ma come non riconoscere in “This Long Silence” un apprezzabile tributo alla New Wave condito da un acidissimo assolo assolutamente incisivo?
Gli omaggi alla Psichedelia invece, rifuggono un po' dal mero luogo comune dei Pink Floyd, quanto spostati nell'ottica del bizzarro Barrett nella maniera più specifica, una chitarra in “ Queen Quotes Crowley” scappa fulminea tra i timpani e vi assicuro ,non la afferrerete. Semmai imparerete a conviverci, e forse a rimanerne colpiti, essa si fermerà a ringraziarvi donandovi barlumi di classe cristallina come la suite “It Will Rain For A Million Years” , il goiellino minimalista “Nine Cats” e le tinte ombrate degli 80's in “Radioactive Toy” , resa sicuramente più celebre in Coma Divine, ma codesta versione dilatata offre diversi spunti riflessivi sul songwriting di Stevie, discreto padrone dei propri mezzi, sfocia nella psichedelia, senza farsi risucchiare dalle sue stesse trame.
Non è il fantasma, bensì l'immagine di Syd a fluttuare danzante anche sulle corde acustiche di “Footprints” , risaltante composizione di sei minuti tra fuggenti intermezzi elettrosonori quanto sperimentali, non tutto è oro, ma un buon oggetto artistico da ascoltare per gli episodi elencati, valutarne la crescita artistica , e ricordare che lo scheletro della band non era ancora formato nemmeno nei suoi musicisti storici.

Gidan Razorblade

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Antimatter - Leaving Eden (2007)

2009-03-08T13:27:00.003+01:00

Anno: 2007

Etichetta: Prophecy

Tracklist:
1. Redemption
2. Another Face In The Window
3. Ghosts
4. The Freak Show
5. Landlocked
6. Conspire
7. Leaving Eden
8. The Immaculate Misconception
9. Fighting For A Lost Cause

Line-up:

Mick Moss - Vocals, acoustic/electric guitars, organ, electric piano
Session musicians:
Danny Cavanagh - Lead guitar, piano
Ste Hughes - Bass

Sono rari i casi in cui le separazioni portano benefici non unilaterali. Il timore era sommariamente questo, che uno dei progetti rock più interessanti del decennio, perdesse il suo smalto primordiale, a favore di un manierismo o lo status monarchico di Mick Moss. Sbagliato.
Con la stessa naturalezza che nel debut del 20001 trasformò la malinconia in musica, gli Antimatter persistono nell'essere una creatura ,un entità. Non un progetto solista. Spettacolo da sempre esente da protagonisti , comparse raminghe di un anima comunicante , seme uditivo che sboccia nel cuore dell'ascoltatore, silente, tra gli inchini del sole verso la luna e viceversa. Vive. Sapendo rinnovare le sensazioni ad ogni opera , quanto ne sarebbe capace una persona nell'acquisire esperienze nel corso dell'esistenza. Bussandoti nella mente a più riprese, con la sua valigetta di emozioni da consegnarti.
“come back “ riecheggiato a metà di “Redemption”è una mezza verità, è una nuova visita di un ospite che non ha mai abbandonato le nostre dimore interiori. È così dolce riconoscere nei primi arpeggi, la citazione a “Everything you know is wrong” , il dialogo solitario delle corde, sfiorate con grazia e intimità, phatos nei filtri vocali bramosi di un climax raggiante , sposato da un passionale assolo, complice come il più malizioso degli amanti . Il songwriting è più ricco di sfumature, nonostante rimanga intaccato il suo minimalista approccio, spiccatamente emotivo nel vestirsi delle liriche delle composizioni, “Another Face In A Window” introduce un vociare confuso di una televisione, timido convivente di una tastiera intristita , seppelliti dall'ardore di Mick
"
They're all the same, assimilated
And here am I born of a lost cause
The underdog, an alien in drag, dying "

allontanandosi dagli obiettivi e dalla massa, così come il brano sfuma via. Eppur siamo lontani dai tesi paesaggi degli esordi, l'album concede raggi di sole di una genuinità del sorriso di un bambino: la splendida “Ghost” , bagnata da violini, è l' esempio del sodalizio artistico con Daniel Cavanagh ,tornato a collaborare in questo disco e autore di una prova sublime da musicista quanto da uomo, perfettamente integrato nel mood gravitante nel dischetto in questione. Non ci sono percentuali, ne conta particolarmente che sia una sola persona a firmare i brani , i risultati superlativi in casi come questi vanno distribuiti in egual maniera, non esistono processi di meritocrazia, ma un semplice applauso collettivo della coscienza davanti ad pezzi strumentali come “ Landlocked” (Chris Phillips e Rachel Brewster si mostrano molto più che semplici sessionmen, avvolgendo i minuti di un caldo respiro di note pacate e medicamentose ) “ The Immaculate Misconception” ,celestiale dialogo tra la purezza del piano e la rapsodia del plettro di Daniel, tenero seguace prima e poi spietato comandante di mari adrenalinici violentati dal suo vibrar inquieto. Poesia Pinkfloydiana purissima , inconscia Mente spoglia di timore reverenziale avanza. Riverberante linea vocale , la Titletrack assesta un altro assalto immobile. Riff possenti scuotono le radici dei brividi, fino a destarli nuovamente , strapazzandoli tra le distorsioni di un amplicatore talmente vivo che sanguinerebbe dilaniato e depredato di sensazioni.

"But grace and lies locked the door from the other side
And now there's not much else there
Grace and lies
In all how long can you hide, how long? "

La domanda è ripetuta energicamente più volte nell'aria della nonrisposta, segue un po' il concept dell'esodo , una partenza, una dipartita, la scelta in se. L' esigenza di trovare il proprio cammino che preservi ciò che ancora è dentro ed affianco a noi (l'amaro clima serpeggiante in“ The Freak Show” ne è testimonianza) . Perdendo il nostro bagaglio affettivo, inciampando spesso lentamente frettolosi ,con lo sguardo rivolto lontano da noi stessi.
"
While I lie here burning, you're encased in ice
With tainted eyes upon your tainted soul
It's no wonder I'm so cold
A terrible thing I'm learning as tears are turned to ice
These four walls will be my dreaded foes
As I rot here in this hole "

recita “Conspire” , impigliando l'essenza di Drake tra le righe di quel pentagramma che guida una acustica lo-fi , sicuramente il timido connazionale Nick avrebbe certamente apprezzato cotanto umile talento. Concentrato e maturo, decide di concludere così, senza code strumentali ne voci femminee accanto, nella melodia della struggente “ Fighting For A Lost Cause” ,spoglia di arrangiamenti quasi fino al termine, ad attenderlo al capolinea , persiste un archetto, piccola luce. A riempire il silenzio poi,resta solo il buio dei nostri contorni, ammantati tra i punti interrogativi delle parole e la solitudine di un ritornello finale, rimasto orfano. E l'orecchio , lietamente condannato, tornerà sui suoi passi ad accarezzarsi, ogni volta ancora,in questo capolavoro. Con la continua sensazione di aver dimenticato un battito nascosto tra i respiri degli strumenti.
"
All the faces on the photographs have changed
To not confuse it all, the names remain the same "

Gidan Razorblade

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Antimatter - Lights Out (2003)

2009-03-07T17:10:00.002+01:00

Anno: 2003

Etichetta: Strangelights Records

Tracklist:
1.Lights Out
2.Everything You Know Is Wrong
3.The Art Of A Soft Landing
4.Expire
5.In Stone
6.Reality Clash
7.Dream
8.Terminal

Line Up:
Mick Mos + Duncan Patterson (tutte le parti suonate)
Michelle Richfield (vocals)
Hayley Windosr (vocals)
Jamie Cavanagh - percussioni

Una recensione improvvisata..Ascoltavo l'album e ho seguito il flusso di emozioni, tante, in questo caso...Perchè è impossibile rimanere indifferenti al cospetto della creatura di Duncan Patterson, che iniziò questo nuovo viaggio musicale proprio dove terminava il precedente, ovvero da Alternative 4 degli Anathema, la band che lo ha consacrato e alla quale ha prestato i suoi abissali giri di basso...
L'album quindi...successore del superbo A Dream For The Blind, rappresenta un climax di emozioni soffuse, in slowmotion, dove il trip-hop si sposa con l elettronica, fondendosi con il prog-rock e l'ambient, mantendendo sempre i legami con il dark e il gothic "intelligente" che caratterizzavano la sua precedente band...L'album si apre con uno straziante suono di una sirena da guerra che introduce la splendida title-track. La tensione sale e invade, ma anzichè esplodere, implode in se stessa con dolci atmosfere elettroniche, sulle quali regna la flebile voce di Michelle Richfield che recita la sua solitudine. "Lights out as you hit the ground" recita la song, e noi la assecondiamo, luci spente mentre si arriva a terra...
La successiva "Stone" è una delicata ballata elettronica, inframmezzata da una parte più ruvida nello stile degli Anathema, e poi chiusa da una voce recitata e introspettiva
L'emozione sale, arriva il trittico di song che sempre mi incanta. "Dream" è costruita su melodie struggenti ; probabilmente il passaggio più easy-listening dell'intero album, ma cesellato da tocchi avanguardistici che lo rendono unico, vicino ai The Gatering post-Mandyllion , mentre le tastiere prima e i violini poi creano arabeschi sonori di fattura sublime. E la sezione ritmica, delicata ma precisa accompagna la song fino alla fine.
Tocca ora a "Everything You Know Is Wrong"...riflessiva, come poche, dove Mick Moss porta a fermarsi e a pensare, in meandri sonori non distanti da quei geni che rispondono al nome di Radiohead. Il pezzo è chiuso da un meraviglioso solo di tastiere, sostenuto appena dagli abissali giri di Duncan Patterson.
Nella successiva "The Art Of A Soft Landing" fa ritorna la voce di Mick Moss, e nel finale fa la sua comparsa una chitarra distorta e un urlo lontano e sofferto: è quasi il momento della catarsi dell'album, dove tutto pare fermarsi accompagnato solo dalle note gravi delle keys.
"Reality Crash" è una bellissima ballata, dominata dal basso di Duncan protagonista assoluto e da un intreccio strumentale unico, dove fa la sua comparsa, sia all'inizio che alla fine, un flauto traverso.
"Expire" è una traccia che non avrebbe sfigurato su in un album di Portishead o dei Massive Attack: 8 minuti di puro trip-hop. La voce femminile non è più delicata e ovattata come nei brani precedenti, ma si fa inquieta, turbata, mentre ripete, quasi come un mantra, "I've a solution. Final solution", e le basi elettroniche diventano fredde, artificiali, lontane anni luce dalle avvolgenti linee melodiche che emergono dalle altre canzoni.
Si giunge così a "Terminal", un brano strumentale aperto delicato, dagli arpeggi di chitarra acustica prima e di un'arpa poi. I colori si fanno scuri nella seconda parte della traccia, dove il suono dei sintetizzatori si fa più profondo e cominciano a sentirsi dei rumori di sottofondo. L'album è quindi chiuso da un ticchettio elettronico continuo.Ipnotico. È questo suono a chiudere l'album, quasi a simboleggiare la speranza che svanisce, ma sempre perseguita, mentre tutte le luci si spengono.

Un album notturno come pochi, vicino come attitudine agli Arab Strap per capacità di emozionare in questa parte della giornata...
Superbo..

Neuros

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Anathema - A Natural Disaster (2003)

2009-03-05T10:35:00.002+01:00

Anno: 2003

Ettichetta: Music For Nations

Line-up:

Vincent Cavanagh - Voce, chitarra
Danny Cavanagh - chitarra, tastiere, seconde voci
Lee Smith - tastiere, programming
Jamie Cavanagh - basso, programming
John Douglas - batteria
Additional vocals : Anna Livingstone e Lee Douglas

Tracklist:

"Harmonium" – 5:28
"Balance" – 3:58
"Closer" – 6:20
"Are You There?" – 4:59
"Childhood Dream" – 2:10
"Pulled Under at 2000 Metres per Second" – 5:23
"A Natural Disaster" – 6:27
"Flying" – 5:57
"Electricity" – 3:51
"Violence" – 10:45

È un errore comune il considerare la splendida copertina di Travis Smith come il risultato ispirato dall'ascolto del disco, infatti la band dichiarò che il lavoro era stato realizzato prima della fine delle registrazioni.

“potrebbe essere interpretato in vari modi. Se consideriamo i fatti dell’11 settembre, tutto ciò potrebbe essere chiamato disastro naturale. Quindi una conseguenza naturale che è nata da persone cattive, religioni cattive, cattiva storia, comportamenti cattivi. Un marito che spara ed uccide la propria moglie, per un raptus di follia, anche questo è un disastro naturale. Fondamentalmente è il risultato di una scelta, una reazione ad un’azione fra persone. Quindi non può essere visto soltanto come la ribellione della natura ai misfatti dell’uomo, ma può essere vista come la stupida e stolta ribellione di alcuni uomini in reazione alla reiterata idiozia di diverse altre persone. Tutto questo è palesemente riferito ai fatti del World Trade Center e degli attentati in generale”.

appunto...

Feel free to comprehend
What I see will never end
I'm not me now a light has died
Its too real to run and hide

“Harmonium” è un brano che ha più la valenza di un intro, fluttua nell'aria di una eterea melodia in attesa di infrangersi su un muro di chitarre per poi riagguantare nel finale nuovamente un clima trip pop ; maggiormente incisiva è “Balance”, sorprendente nel suo uso di controvoci elettroniche e riverberi a tappeto di un brano trasformato in un sussurro del cuore. È ancora tempo di stranirsi “Closer” ci risucchia lentamente in un caledeoscopico vortice sinuoso di vodocoder, inarrestabili ritmiche e distorsioni di chitarra, la trappola sende irrisorio il passar dei secondi, dilatandone il processo senza traccia di noia. Già è il tempo di fermarsi a riflettere, i contorni si fanno più chiari, non c è bisogno di violare l'affascinante booklet per accorgersi che Danny abbai firmato quasi tutto il disco, prende letteralmente per mano la band, conducendola in pacifici territori di dolce melanconia come “Are You There?” ,è il clima di pace dopo tante vicissitudini interne, la tranquillità sgorga dalla sua voce come un limpido ruscello incontaminato. Esteso nella successiva “ Childhood dream “, la chiameremmo strumentale, se non fosse per il suo potere rimembrativo che riesce a comunicare dentro il nostro animo, il lontano vociar di bambini(per la cronaca,la figlia di Smith, Jaden) fan scorrere il calendario all'indietro rapidamente, conservato tra gli occhi resta una sorta di onirico sogno ad occhi aperti. L'atmosfera è destinata a durar poco, giunge la straniera “ Pulled under at 2000 metres a second “ che in troppi han bollato frettolosamente come la “A Dying Wish del 2003” ,solo per somiglianze strutturali.
Just freedom is only a hallucination
That waits at the edge of the distant horizon
And we are all strangers in global illusion
Wanting and needing impossible heaven

Bisogna cogliere i dettagli , il cantato di Vincent filtra disprezzo mutato ad angoscia tesa poi verso gocce di paura distillata nell'incendiario ritornello dal sapore Thrash vecchia scuola, Douglas in dieci anni è notevolmente cresciuto tecnicamente, il gruppo lascia spazio al suo intuito, e cioè mostra sempre i suoi frutti, Da metronomo si muta a peefetto esecutore di fraseggi degni di nota. Nella seconda parte del cd lascia spazio a composizioni chitarristiche nelle ballad, per poi aggiungersi in un secondo momento, è il caso della sinfonia del rimpianto “A Natural Disaster”
Torna poi dietro al microfono Vincent ,introdotto da nastri di chitarre registrate alla rovescia, traformando “Flying” in un incantesimo notturno di suggestive emozioni ,alle doti canore del moro vocalist succede un intenso assolo del fratello, un grido di note sequenziali vorticanti dritte al cielo in un arrestabile crescendo e poi riassopito all'unisono con la ritmica della conclusione. Nuovamente è il turno della serenità, la timida voce di Daniel che si fa spazio tra i pentagrammi per la onesta "Electricity" (che nulla aggiunge ne toglie alla valutazione complessiva del cd) che chiude una triade di brani dal sapore romantico di un essenzialità disarmante. L'ultimo brano ,come i fan oramai sono abituati ad immaginare, è una strumentale. Ma “Violence” mostra il lampo di genio inatteso, Les apre celestialmente con un giro di note dal sapore retrò , Douglas s'insinua nelle trame nella seconda parte , martellando sui tom progressivamente ,spalleggiato da un riff distorto di chitarra in crescita, culminante in capolavoro di John dietro le pelli: una sfuriata impetuosa in piena regola prima di uscire di scena e lasciare i riflettori puntati nuovamente sulla dolcezza del pianoforte e synt in lenta dissolvenza,quasi a incitarvi verso il regolatore del volume per assaporarne ogni minima sfumatura. Di questo disco compatto nella sua disomogeneità, preciso nelle sue imperfezioni, diviso durante il distacco dei due fratelli (che finiscono per spartirsi davvero i brani da cantare) in una sola parola:brillante.

Layers of dust and yesterdays
Shadows fading in the haze of what I couldn't say
And though I said my hands were tied
Times have changed and now I find I'm free for the first time
Feel so close to everything now
Strange how life makes sense in time now
cantata elegantemente da Lee Douglas in un ritmo dal sapore jazzato, concluso in maniera sognante da un mare di voci sovraincise a far risaltare il contenuto del testo.

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Gidan Razorblade

Anathema - A Fine Day To Exit (2001)

2009-03-04T14:32:00.004+01:00

Anno: 2001

Etichetta: Music For Nations

Line up:
Vincent Cavanagh - voce, chitarra
Daniel Cavanagh - chitarra, tastiere
Lee Smith - tastiere
Dave Pybus - basso
John Douglas - batteria

Tracklist:

Pressure – 6:44
Release – 5:47
Looking Outside Inside – 6:23
Leave No Trace – 4:46
Underworld – 4:09
Barriers – 5:53
Panic – 3:30
A Fine Day to Exit – 6:49
Temporary Peace – 18:46

Il turbine di problemi che investe il nucleo del gruppo,non impedisce però loro di continuare a sfidare le ire della critica,percorrendo un processo evolutivo verso un abbandono totale delle sonorità metalliche ,per farlo si affidano al supporto del produttore Nick Griffiths e tornano nella grigia Liverpool.
Il pianoforte si avvicina a piccoli passi e il sound stupisce ancora ,il singolo è un brano che presenta una chitarra rapita dalla psichedelia è un ritornello cachy che ne legittima la decisione di renderla il singolo della raccolta e di farne un video,che mostra per l'appunto un viaggio su una macchina in piena notte,ed è una corretta metafora. Release è il matrimonio di una chitarra acustica arpeggiata e un organo gotico che seguono il loro cammino verso una emozionante esplosione affidata ad un pulito assolo di chitarra,il secondo pezzo scritto da Douglas (in risalto in questo lavoro la sua fase compositiva,con ben tre realizzazioni più una scanzonata ghost track dal sapore Country) ,Looking Outside Inside, mostra una interessante evoluzione vocale, partendo timida e giungendo carica di determinazione,mostrando però una lunghezza eccessiva. Nemmeno il tempo di credere in un calo di ispirazione e le ali della melodia di “Leave No Trace” rapisce l'attenzione con la sua atmosfera e un perfetto uso dei cori; “Underwold” incalza con i suoi accordi in maggiore,è il magnetismo di Vincent a dominarli tramite le proprie corde vocali e una perfetta alchimia con la propria lineup che si dimostra oramai padrona anche di un songwriting che affonda le sue radici del rock alternativo figlio di più jeff Buckey che dei ultracitati Radiohead.

There's always something
You won't dare to say
Your good intentions
Are boring take me away
If it keeps you sane, then it's okay
If I played it safe, would it save me?

Con Barriers si affonda nel cuore della serenità e della classe raffinata dell'intera opera, sognanti gli echi e le evanescenti chitarre che circondano Daniel e Lee Douglas in un brano di intima dolcezza. Ma è impossibile preveder la successiva mossa,il gruppo infatti carica un proiettile di adrenalina, “Panic” travolge con la sua attitudine punk decelerata al confine del ritornello che elude di poco l'epicità per poi dissolversi tranquilla; Il disco continua a correre, come una ruota di un veicolo, il viaggio assume veli lisergici nella titletrack ,percorrendo leggiadre linee vocali inseguite da una complice batteria e una chitarra paranoica, in una nemesi di sensazioni che selezionano tutte le tonalità possibili di pace e solarità interiore. Quelle onde,terminano un brano per iniziarne e accompagnarne il successivo,la tranquillità che scorre nelle vene proprio come quel mare. Galante accompagnatore del brano “Temporany Peace” composto durante le registrazioni di Judgement e abbracciato perfettamente al resto delle composizioni, in un caldo suono elettroacustico ,la spiaggia è davanti. I vestiti sbottonati e lasciati lì come preoccupazioni ,per immergersi in quella quiete ,e rimanere lì a pensare tra le onde...

Beyond this beautiful horizon
Lies a dream for you and I
This tranquil scene is still unbroken by the rumors in the sky
But there's a storm closing in
Voices crying on the wind
This serenade is growing colder breaks my soul that tries to sing
And there's so many, many thoughts
When I try to go to sleep
But with you I start to feel a sort of temporary peace

There's a drift in and out

Dopo tutto ciò,vi sembra ancora atipica la copertina?

Gidan Razorblade

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Anathema - Judgement (1999)

2009-02-28T09:46:00.002+01:00

Sento il mio cuore bruciare
Nel profondo...bramando
So che sta giungendo

Anno: 1999
Etichetta: Music For Nations

Line Up:
Vincent Cavanagh - Guitar, Vocals
Daniel Cavanagh - Guitar, Keyboards, Vocals on 7
Dave Pybus - Bass
John Douglas - Drums

Tracklist:

1.	Deep	04:53
2.	Pitiless	03:11
3.	Forgotten Hopes	03:50
4.	Destiny Is Dead	01:47
5.	Make It Right (F.F.S.)	04:19
6.	One Last Goodbye	05:24
7.	Parisienne Moonlight	02:10
8.	Judgement	04:20
9.	Don't Look Too Far	04:57
10.	Emotional Winter	05:54
11.	Wings of God	06:29
12.	Anyone, Anywhere	04:51
13.	2000 & Gone	04:51

detonazione.

Un anno dall'ultimo disco. La distanza è così breve,le vicende,altrettanto imprevedibili. Ciò che si acquista,son due perdite. Che privano i fratelli Cavanagh dei loro equilibri nella quotidianeità della vita che in ambito musicale, per sfuggire dal dolore,si stringono alla loro comune passione,la terra d'origine attorno ad una tale babele,sembra così diversa e caotica,che decidono di partire.
La meta è un piccolo comune ligure con meno di trentamila abitanti , Ventimiglia li accoglie nei Damage Inc. Studios alle porte della primavera.
Nonostante i fratelli siano gli unici superstiti della lineup precedente a questo album,Judgement non si mostra come una presenza alterata nella discografia della band,mostrando semmai una maggiore dipartizione dei ruoli nella band, non più divisa tra due compositori, ma una partecipazione che comprende tutti e cinque i membri della band per almeno due composizioni ciascuno.

L'analisi è subito confermata dai pezzi di apertura, i primi quattro non sono altro che una furba suite organizzata in quattro episodi,completamente legate tra loro ma realizzate con una cura simile da acquisire un gran valore anche se ascoltate in maniera singola; Deep mostra il viso della malinconia crepuscolare in un velo di arpeggi delicati, Pitless parte all offensiva,graffiando l'aria con uno spirito energico ,subito troviamo il lato più acustico e intimista del rock. Destiny is Dead ne è il naturale prolungamento strumentale che sintetizza in pochissimi accordi l'alto valore delle geometrie sonore della band.

John Douglas realizza con Make it Right il suo primo brano interamente composto con gli Anathema,che nonostante una discreta struttura di archi e sovraincisioni vocali,non incide come dovrebbe, a seguire arriva uno dei cavalli di battaglia della band, La struggente dedica alla madre scomparsa prematuramente.Il segreto di One Last Goodbye risiede proprio nella sua semplicità, una composizione fresca e spontanea schiude la ballad come un dolce fiore di semplici e dirette parole, il nettare che sgorga è immediato quanto sentito, lontano però dalla banale retorica, accarezza il cuore lacrimante così ben interpretato dal crescendo dell'assolo finale.

Quanto ho bisogno di te
Come soffro ora che te ne sei andata
Nei miei sogni ti vedo
Mi sveglio così solo
So che non volevi andartene
Il tuo cuore desiderava restare
Ma la forza che ho sempre amato in te
Alla fine se ne è andata
In qualche modo ho capito che volevi lasciarmi in questo modo
In qualche modo ho saputo che non potevi mai... mai rimanere
E nella luce del mattino presto
Dopo una silenziosa notte serena
Hai portato via il mio cuore
e io soffro

La storia di un addio è il medesimo argomento narrato dalla timida voce di Lee Douglas in un vortice creato da un minimalista e raffinato giro di pianoforte per una Parisienne Moonlight a metà tra il brano sfuggente e un intermezzo elaborato.
La titletrack lascia intuire un proseguo sulle rilassate sonorità appena oltrepassate, ma sa mentire con un affamato ritmo in crescendo che divora l'urlo di angoscia,scaturendo un assalto del drumkit di Douglas in un perfetto fraseggio Thrash metal sorretto da una imponente chitarra ritmica ,ma il pezzo elude in una morte istantanea, cogliendo impreparato l'ascoltatore.
Riemerge il sole in Don't Look Too Far , nel placido abbandonarsi nella atmosfera ricreata e poi corrotta da un inserto acido delle sei corde, condizione analoga in “Emotional Winter” in ispirazione molto più floydiana nell intro con chitarre a dialogare tra echi e riverberi ,protagoniste anche in “Wings Of God” in una sorta di continua risposta impetuosa alle strofe di Vincent, in questo caso però i 3 minuti strumentali sarebbero stati da dimezzare o da approfondire con soluzioni diverse. E ciò dimostra il lato acerbo del Douglas compositore che si fa preferire nelle vesti di musicista, a differenza del nuovo acquisto(nonchè amico di vecchia data) Dave Pybus, che non possiederà certo in tocco e l'estro di Duncan ,ma mostra una discreta familiarità con il songwriting d'alto livello della splendida “Anyone,Anywhere”in collaborazione con l'italiano Dario Patti (Dayan Same,Voodoo Hill)autore di una ottima prestazione e della strumentale “2000&Gone”(di ispirazione al film 2001 “Odissea Nello Spazio” che scorre sognante e ispirata a far da riflesso all'intera opera,ricca di atmosfere caldamente gelide,ove la tensione ha lasciato spazio a quella malinconia intesa come la felicità di esser tristi. Perchè comunque presenti. E loro rispondono con decisione all'appello ancora una volta.

Gidan Razorblade

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Anathema - Alternative 4 (1998)

2009-02-27T21:51:00.003+01:00

Anno: 1998
Etichetta: Peaceville Records

Line Up:
Vincent Cavanagh - Guitar/Vocals
Daniel Cavanagh - Guitar
Duncan Patterson - Bass
Shaun Steels - Drums

Tracklist:

1.	Shroud of False	01:37
2.	Fragile Dreams	05:32
3.	Empty	03:00
4.	Lost Control	05:50
5.	Re-Connect	03:52
6.	Inner Silence	03:08
7.	Alternative 4	06:18
8.	Regret	07:58
9.	Feel	05:28
10.	Destiny	02:14
We are just a moment in time A blink of an eye A dream for the blind Visions from a dying brain I hope you don't understand

L'angelo pare essersi restaurato nel corso delle due copertine, è radicalmente mutato dalla figura che appariva in Eternity, una veste decisamente modernizzata, dallo sfondo incolore,a far risaltar maggiormente il non volto al centro della figura, celato o assente che sia, dona una sensazione di maggior introspettività e desiderio di restar confinati tra i propri pensieri ; anche se la spiegazione più materialista la conferì Daniel, nell' indicare come ispiratore, un libro chiamato Alternative 3 (di Leslie Watkins ) che forniva una spiegazione ipotetica su teorie che potessero prevenire la distruzione del mondo,la terza possibilità era lasciare il pianeta. Dunque gli Anathema con questa copertina da “Angelonauta” , vollero esprimere una loro aggiuntiva opinione per la salvezza.
Ma i membri della band sono in realtà 4,e non è detto che i pareri in un gruppo debbano essere unanimi, Duncan infatti motiva la scelta del titolo interpretando il libro sovracitato da un lato diverso, oscurando l'effetto, punta il dito sulla causa :la cospirazione che poi porta alla formulazione delle tesi. Ed è per questo che molte delle liriche dell'album hanno la Fiducia come protagonista.
Esordire così, rende la fotografia del gruppo (entrato in sala di registrazione a gennaio del 1998,per poi uscirne sei mesi dopo) sicuramente più nitida, la creatività corre impetuosa sull'asse Patterson /Danny Cavanagh alternati da tranquilli separati in casa,mentre Shaun Steels si accomoda dietro le pelli. Ci sarebbero tutte le attenuanti per una raccolta di per se discontinua, eppure l'omogeneità rappresenta uno dei molteplici punti di forza di questo capolavoro.
"Shroud Of False" è la risposta prima della domanda,un intro dolcemente cinico affidato ad una unica strofa intrisa di significati,poi va via tra gli echi e i pensieri destati con esso, ci raggiunge "Fragile Dreams" tra una divina sezione fiati accompagnato da un crescendo di batteria culminante in un riff memorabile che ha la sua evoluzione solo poco prima che subentri il cantato,il risultato è di una emotività disarmante. “Empty” è decisamente il brano più catchy dell'opera, presentando una batteria addirittura programmata,Vincent riesce a fornire con la sua interpretazione vocale la rabbia all'intero pezzo,ottenendo una tregua solo per un breve intermezzo di pianoforte. Lo stesso strumento, contorna di note raminghe la confessione intimistica del vocalist nella successiva “Lost Control” delicatamente dissanguata da un fiume di violini. “Re-connect” è l'unico brano che spezza la dittatura compositiva del duo,è appunto firmata dal cantante, un vestito di accordi perfettamente indossato dai suoi numerosi cambi di registro.
L'inaspettato momento di serenità giunge con “Inner Silence”, filtrato di una tenera rassegnazione, sotto l'incisività delle pelli di Shaun ,la band continua a viaggiare nelle emozioni più introspettive dell'animo umano,senza soste ne retorica. Capolavoro strutturale è la titletrack, Duncan arpeggia nervoso un giro paranoico,turbinato dalle spaziali tastiere lisergiche, si manifesta la quarta alternativa:l'olocausto dell'umanita. Nel gelo di un ritornello che non esiste. È silenzio. È poesia eretta da un fraseggio di batteria e chitarra che squarcia la tensione accumulata.
Danny introduce altre novità nel sound della band, un hammond (!) si fa spazio nell'aria di una timida chitarra acustica,e la carica emotiva del fratello, ornata da cori e archi ,il risultato è ciò che le parole possono solo intrappolare, limitative in questo turbine di “sapori uditivi” assaggiati in 8 minutie nemmeno un secondo offerto alla noia. Patterson firma la strada verso la fine, la dolceamara “Feel” dai contorni organistici quasi religiosi ,e “Destiny” , incentrata nel gotico giro di tastiera (se ne risentirà il richiamo nella seconda parte di Going Nowhere quattro anni dopo, incluso nel primo cd dei suoi Antimatter) che accompagna la speranzosa preghiera di Vincent ,la ninna nanna che addormenta il dolore ,consegnadoci una pietra miliare degli anni novanta, frutto di emozioni catturate in dieci composizioni in maniera cosi efficace, da sentirle pulsare ogni volta,come insegna la fine del sesto brano.

When the silence beckons
And the day draws to a close
When the light of your life sighs
And love dies in your eyes
Only then will I realize
What you mean to me.

Gidan Razorblade

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Anathema - Eternity (1996)

2009-02-26T18:21:00.003+01:00

Anno: 1996
Etichetta: Peaceville Records

Line Up:
Vincent Cavanagh - Guitar/Vocals
Daniel Cavanagh - Guitar
Duncan Patterson - Bass
John Douglas - Drums

Tracklist:

1.	Sentient	02:59
2.	Angelica	05:51
3.	The Beloved	04:44
4.	Eternity, Part I	05:35
5.	Eternity, Part II	03:12
6.	Hope (Roy Harper cover)	05:55
7.	Suicide Veil	05:11
8.	Radiance	05:52
9.	Far Away	05:30
10.	Eternity, Part III	04:44
11.	Cries on the Wind	05:01
12.	Ascension (instrumental)	03:20

Tre settimane nel freddo Gallese,e la mutazione arriva, spontanea come non mai. Siamo nel 1996, e l'allontanamento di una band da sonorità estreme verso lidi rock più intimistici non è ancora considerata un'evoluzione comune, era chiaro che per scalar le vette del successo,la band avrebbe potuto tranquillamente realizzare un The Silent Enigma 2 per far fruttare le casse, ma sarebbe stato come congelarsi, in quella umidità anglosassone. Così dalle tetre statue dei primi artwork stavolta emerge solo un candido angelo contornato di tinte lisergicamente acide di uno spazio sconfinato Il filo conduttore resta, il Doom è presente nella sua essenza eterea ,respirabile nel sapore della sconfitta, della certezza della perdita. Emerge però un tenue sole alla distanza che ridisegna la filosofia della band, la nascita di un qualcosa. Vien persino celebrato nell'intro “Sentient” ,il vagito del neonato cullato dalle note della (ancora per poco) Guest al piano&tastiere , Les Smith che celestialmente accompagna le corde di Daniel.
Un inzio sussurrato del quartetto di Liverpool, che accende la disperazione all'unisono con gli amplificatori nella successiva “Angelica” ,divenuto oramai un classico delle setlist dei live,i riff lasciano spazio a vere e proprie composizioni strumentali intorno alla tragicità romantica della voce di Vincent, la somma è una autentica perla di nera passionalità. “The Beloved” scala la cima dell'intensità collegndosi al brano antecedente, è rabbia che sanguina dalle casse degli amplificatori , la risposta prima della domanda. Che giunge successivamente a metà della composizione.
Quasi a voler dare uno stampo prog, ci troviamo di fronte ai primi due frammenti di titletrack, il primo dai ritmi sostenuti che esplodono al culmine di quel “do you think we're forever?” e orchestrazioni spettrali di tastiere e un outro addirittura elettronico ,”Eternity part2” unisce passaggi onirici di voci distorte, ruscelli che scorrono,Michelle Richfield (che ritroveremo nel progetto Antimatter) conclude con tre semplici parole ,esaltate da una notevole delicatezza, questo omaggio alla scuola floydiana . A segnalarne ancor più marcatamente l'influenza, è la successiva cover “Hope” ,scritta appunto da Gilmour per Roy Harper , ed è proprio quest'ultimo ad introdurre le note con uno spoken, il dialogo successivamente si fa duplice, la chitarra quasi si estrane in un giro ossessivo a spirale che ingloba il cantato che raggiunge l'estasi nel ritornello poi affiancato da echi syntati .
È il cuore del disco, offerto dal pezzo forse più cupo della raccolta, “Suicide Veil” ,il doom spogliato e rivestito da musicisti esperti, ma innanzitutto dalla sensibilità di uomini capaci di fondere i ritmi sostenuti e tastiere decadenti tipiche del genere, con l'enfasi interpretativa di Vincent nel ritornello. Una piacevole coda strumentale poi sfuma senza abbandonare la mente.
“Radiance” fa da specchio alla produzione del disco, povera e scarna, che non intacca la bellezza del disco anzi, la risalta, nella crudezza delle sonorità ,allontanando del tutto possibilità di deja vù, nonostante ciò, è l'arte psichedelica della chitarra di Danny a riaddrizza le sorti del pezzo che altrimenti sarebbe da valutare un gradino sotto gli altri. La penna di Duncan tinge nuovamente l'album di torbida introspettività nella successiva “Far Away” , gravitato intorno alla ipnotica nenia del ritornello e ai ripetuti scambi d'intesa tra le sue quattro corde e la chitarra acustica . Strumenti che proseguono il dialogo nella successiva “Eternity part 3” , Douglas trascina questa marcia doom (che elude solo in un fraseggio tribalista ) per poi lasciarsi andare in un energica accelerazione thrash. In "Cries On The Wind" sono i registri a cambiare, Patterson alza il volume nella strofa recitata più che cantata, e i fratelli Cavanagh domano la seconda parte in uno stretto intreccio chitarristico che muore in sacrificio dell'esaltazione dell'ultimo verso:

Don't dwell on the forthcoming
As I know it won't be happening
And you know, when I'm gone
You'll hear my cries on the wind

le labbra non si schiudono ulteriormente, lasciando all'estro di “Ascension” l'agio di comunicare il verbo della speranza, in un impeto di positività ed energia poi riposato da quei tasti bianchi e neri che avevano aperto il sipario di questo capolavoro inferiore solo ai due lavori più cronologicamente vicini ad esso, .

Le bonus track di questo album sono le pregevoli versione acustiche di “Far Away” e “Eternity part 3” che mostrano l'attitudine dei musicisti a riproporre brani in chiave completamente acustica, successivamente dimostrata in un intero tour del gruppo e della pubblicazione dell' ep “A Dream For A Blind” del nuovo progetto di Duncan Patterson.

La versione giapponese include l'eccezionale riarrangiamento di Sleepless con il carisma di Vincent dietro al microfono e Michelle Richfield , l'elaborato risulta sicuramente più accattivante e incisivo dell'originale.

Gidan Razorblade

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